TRES PUNTOS... por Guillermo Monsanto

35 años de subasta rotaria

2010-03-22T10:20:00.000-07:00

Treinta y cinco años han pasado desde que, en 1975, se efectuara la primera subasta organizada por el Comité de Damas Rotarias Guatemala Sur.

Lo transcurrido son años de reflexiones, adelantos —algunos retrocesos, como todo— y lo más importante, de ser parte integral de la cultura social y artística de Guatemala. En un momento en que los cánones creativos han cambiado radicalmente, las rotarias encontraron una fórmula para darle continuidad a la actividad sin perder la personalidad y el espíritu que las ha caracterizado. Un evento de esa naturaleza, en los años de recesión que se viven en la actualidad, es una proeza. Un grupo, muy visible, quisiera que obra por obra, como también Juannio, desaparecieran. ¿Qué hay detrás de estas iniciativas? O ¿dónde surgen estas inquietudes? La respuesta es muy obvia. Primero brotan de las nuevas figuras —todopoderosas— disfrazadas de curadores. Personajes que no son otra cosa que gestores o marchantes encubiertos que ven peligrar su jugosa ganancia debido a la convocatoria de las entidades organizadoras y la fuerza que estas han desplegado por sacar del juego a los falsificadores de obras de arte que parecieran más fortalecidos que nunca. Deslealtad que les ha llevado incluso a infiltrarse en las casas de coleccionistas particulares que son convencidos, luego de estrategias específicas, que además de no tener gusto, deben deshacerse de todo lo que sobra en la colección

¿Ya habrá adivinado el lector quiénes les hacen el favor de vender lo que “sobra” y también se encargan de rellenar los espacios dejados por la obra saliente? Claro: esos pseudocuradores. De este modo mucha gente ha salido de sus Dagobertos Vásquez, Carlos Mérida, Elmar Rojas, Antonias Matos, para dejar lugar a trabajos de dudosa factura y escasos valores artísticos, pero muy fortalecidos por personas que no tienen una mínima idea de quiénes son los artistas que forjan la historia del arte nacional. Sin embargo fungen como los nuevos expertos. Este debería ser material para otra serie de columnas, pero ¡qué pereza! Del que hablo es un equipo tan cerrado y organizado, que cuenta incluso con periódicos a su disposición y una maquinaria capaz de triturar a quien con ciega locura sus colores pretenda manchar.

Lo positivo es que, a pesar de la corriente poco propicia, las rotarias lo volvieron a hacer y me atrevería a decir que muy bien. Independiente a lo que se cuelga en las paredes, que hay que seguir evaluando la forma de acercarse a nuevos coleccionistas, la promoción que se hace a artistas emergentes y consolidados, lo que más impacta es el dinero que se distribuye para que las distintas fundaciones que acompañan el evento puedan realizar labores humanitarias y educativas vitales para Guatemala. Dicho de otro modo, lo suntuario se pone al servicio de los necesitados de una manera directa y honrada. De paso impactan la economía de los artistas y los dan a conocer, ya sea por su catálogo virtual o por los distintos registros que aparecen en medios de comunicación.

Treinta y cinco años son una vida. En el camino se han quedado ya varios creadores y organizadores. Sin embargo, el espíritu continúa. Algunos rotarios saben que tienen por delante todavía una reconciliación que, a la vez, le dé más amplitud a su misión.

Feliz Aniversario

Tres puntos... Novedades en la ENAP 2010

2010-02-22T16:51:00.000-08:00

Para que una institución de la naturaleza de la Escuela Nacional de Artes Plásticas pueda seguir vigente se hacen necesarios cambios cíclicos. Estos, aunados a una continua revaluación de procedimientos, incluyen una revisión de su personal docente y, como no, también de la cabeza de la institución. Puestos que, sin lugar a dudas, no son vitalicios.

El ex director Sergio López debe ser considerado como positivo en la historia de la transición de la entidad. Se le debe agradecer el tiempo dedicado durante la tensa crisis que se dio con los personeros salientes del Ministerio de Cultura, a principios del siglo XXI. Su papel como mediador fue primordial y consecuente con las circunstancias de aquel oscuro momento.

El nuevo director, Leonel del Cid, debe ser recibido con alegría, por la energía con que entró en el 2010. Además de ser un artista significativo en la historia del arte del país, fue el último de la entidad que se conoció como la Casa de la Moneda de Guatemala —acción que lo emparenta con un listado de celebridades que arranca en el período colonial—, ha sido un artista con mucha actividad dentro del campo de las artes visuales. A ello se suma la labor desarrollada como maestro en espacios de privilegio como Casa Santo Domingo.

Sin embargo y más allá del nuevo claustro que Del Cid ha sabido atraer a la escuela, para fortalecer al existente, lo importante en aquella casa de estudios son sus educandos. Jóvenes, en su gran mayoría, que saben tempranamente hacia dónde dirigir sus pasos.

Esto no solo les hace especiales, ya que en el país hay un gran vacío respecto de la orientación vocacional del estudiantado de educación media. Les da fortaleza, porque se han decidido por el camino de la sensibilidad y el conocimiento de una cultura global. No hay que olvidarse de que de la ENAP se graduaron muchos de los nombres significativos de la cultura guatemalteca del siglo pasado y el presente.

Es muy grato, por ejemplo, encontrarse a Benvenuto Chavajay dando clases donde no hace mucho fue estudiante. Este artista, al cual pongo como único ejemplo, se ha convertido en una de las cabezas del movimiento conceptual guatemalteco y su obra se localiza ya en entidades como el Museo de Arte y Diseño de Costa Rica, el Museo de Gráfica de la Ciudad de Fuendetodos, Zaragoza, España, y una de las principales colecciones de Gráfica de la Península Ibérica, entre muchos otros. Ver cómo otros artistas, al igual que Chavajay, han evolucionado alcanzando el estatus que merecen hace que valga la pena apuntalar a la ENAP.

P.D. Falleció Elena Paz y Paz de Hurtado: familia artística de Guatemala está de luto por la muerte de esta artista. Su trabajo más visible se exhibió en subastas como la rotaria y Juannio. El año pasado tuvo una importante y comentada retrospectiva en la galería Lucía Gómez, en la que se pudo apreciar su rango artístico en la pintura al óleo y apreciar muchas de sus producciones. Un sentido pésame a su familia.

Tres puntos...: Eduardo Vivian Rosales (1972-2010)

2010-02-15T16:46:00.000-08:00

Siempre he pensado que cuando un artista se muere hay algo de mágico en su desaparición física.

La parte humana se desprende para dar paso a un plano metafísico que el resto de los mortales no podemos apreciar. Eduardo falleció de una enfermedad relativamente corta y cuyo pronóstico no era, al menos en este momento, ese desenlace fatal. De haber sido así, me imagino, los personeros del IGSS no lo hubieran mandado a su casa de vuelta. Menos si el paciente lucía, a ojos vista, muy debilitado y en franco deterioro físico y mental.

La mañana del domingo 7 de febrero, en el cementerio de la Antigua Guatemala, un centenar de dolientes despedíamos los restos del malogrado músico. Algo de magia envolvió el acto… los árboles mecieron sus ramas al viento y las flores de las jacarandas pintaron de colores el espíritu de tristeza general. Mientras tanto la campana de la iglesia de San Lázaro tañía lastimera y la carroza fúnebre seguida del cortejo, avanzaba por la avenida de la ciudad de los muertos, rodeada de casas blancas. Eduardo, dijo uno de los oferentes, hizo de Guatemala su nación. Es cierto este hombre nació en Honduras pero ¿quién de los chapines se acordaba ya de aquel detalle?

Con su violonchelo Eduardo Rosales sustituyó a uno de nuestros grandes músicos, Paulo Alvarado, en múltiples ocasiones. Espiritualmente, por lo tanto, fue el quinto mosquetero del Cuarteto Contemporáneo. A ello se le suman cargos y múltiples trabajos que van más allá de los teatros nacionales, recitales y actividades relacionadas al arte. Fue además un psicólogo clínico que entre otras entidades desarrolló lo mejor de sus capacidades académicas en el Ministerio Público de Guatemala.

Dos ángeles guardianes velaron por él en sus últimos días. Rae y Jon Leeth, amigos incondicionales que le prestaron lo mejor de sus fuerzas y vivieron impotentes la experiencia de ver apagarse su luz. Uno a uno cada ponente que expresó sus palabras de dolor frente al nicho donde hoy reposa, mencionó a los Leeth con admiración y agradecimiento. No puedo hacer menos ya que presencié la entereza y el amor con la que ambos emprendieron esta misión. Hay que recordar que la familia que también lo amaba estaba lejos, en Honduras.

A veces esta misión de registro se hace con gusto. Un artista se muere y a mí me toca dejar nota de su trayectoria. Sin embargo en esta ocasión la gestión toma otra dimensión ya que las circunstancias en que se da esta muerte no podrían ser las más inapropiadas. Se trata de un amigo joven que tenía mucho por dar. Pienso en qué le pasa a la gente que se va y que, a diferencia de Eduardo, pasan a otra dimensión en el total olvido y sin ningún recurso y sin trascendencia. De no ser por los Leeth, la generosidad de otros amigos, Eduardo hubiera fallecido sólo y olvidado. A cambio tuvo la compañía y solidaridad de quienes lo amaron. Descansa en paz Eduardo, descansa en paz.

Tres puntos...: Kodaly, Nuevo rumbo

2010-02-08T16:44:00.000-08:00

Han pasado varios lustros desde que Alma Monsanto, en 1982, inaugurara su academia de teatro musical.

Desde aquel momento dedicó su vida a la formación de niños, adolescentes y adultos de mediana y la tercera edad, heredándoles a todos un oficio que con el tiempo se convirtió en arte. Toda su cosecha dio semillas que han volado a otras tierras fértiles y hoy son profesionales del teatro, de cine, canto o danza.

Recientemente llegó a tener tantos estudiantes que incluso ensayó obras con hasta tres elencos diferentes (reto muy difícil de lograr). Su amor por lo que hacía, aunado a su incesante inquietud por el rigor disciplinario, programó a sus artistas para responder a los distintos retos que han impuesto otros directores tanto en Guatemala como afuera de ella. Año tras año propuso figuras que hoy son parte de la historia del teatro reciente de Guatemala.

Entre su extensa hoja de vida profesional hay que anotar la enorme cantidad de libretos y composiciones musicales que creó. En este sentido no solo se interesó por la cultura internacional, también se centró en crear obras en las que lo guatemalteco tomaba un protagonismo singular. Buen ejemplo de ello son la Flor del café y Bimba y Daisy y los piratas del Golfo Dulce, ambas, con referentes históricos que educaban a su vez a los niños y a uno que otro adulto. El año pasado obtuvo, luego de un proceso académico, su Licenciatura en Arte Dramático, con la especialidad de dramaturgia otorgada por la Escuela Superior de Artes de la Universidad de San Carlos de Guatemala. A esta distinción se suman las medallas Marta Bolaños de Prado, premios del Patronato de Bellas Artes y la medalla de Artista Distinguida que otorga todos los años Eugenia Gordillo. También cuenta en su currícula el haber sido una de las pioneras de la televisión nacional.

En cuanto al teatro no musical siempre supo atraer figuras de gran peso para que dirigieran a sus elencos e impartieran cursos específicos de teatro avanzado. Entre los más importantes están Consuelo Miranda. Ricardo Mendizábal y Guillermo Ramírez Valenzuela, entre otros.

Pues todo principio tiene un final y Alma decidió retirarse de Artestudio Kodaly, la entidad que con tanta energía mantuviera a flote a lo largo de todo este tiempo. La noticia sí sorprende, ya que nadie se esperaba su decisión. Aunque no se retira de las tablas, porque va a seguir dirigiendo y actuando cuando se soliciten sus servicios profesionales, sí se notará su ausencia ya que Alma solo hay una —menos mal porque cuando se propone algo es capaz de cambiar de latitud un continente—.

Por lo anotado, su academia tomará otro rumbo en las manos, en la visión de Andrea Casado. Esta joven artista, formada por la Monsanto, canta, baila y actúa. Tres virtudes difíciles de encontrar en un solo artífice. Casado, además de ser hija y nieta de artistas, ya ha desarrollado una sólida carrera que le da la experiencia suficiente para asumir la responsabilidad

Tres puntos...: Salón del coleccionista

2010-02-01T16:42:00.000-08:00

El mes recién pasado, el 16 de enero, inauguramos con Luis Escobar un área específica de la galería El Attico, que distinguimos del resto de espacios de exposición como “el salón del coleccionista”.

La idea se nos ocurrió porque constantemente estamos recibiendo piezas —ya para restaurar, valuar o vender— de todos los tiempos, las cuales resaltan por su rareza y que es imperativo compartir con el público.

De este modo abrimos la primera muestra con un catálogo por demás interesante. En él había algunas piezas del siglo XIX, entre las cuales destacaba el autorretrato de Delfina Luna de Herrera, fechado en 1847. Esta autora, madre del presidente Carlos Herrera, fue objeto de un detenido estudio que quedó a cargo de Silvia Herrera U. La pintura no estaba en el compendio, por lo que el trabajo se convirtió en un verdadero hallazgo. Luego de la publicación apareció un mapa de Antigua Guatemala, realizado por la mencionada autora.

La coincidencia reunió a Delfina Luna con su maestro, Francisco Cabrera. El grabado que estamos presentando pertenece a una edición actual, realizada a partir de la plancha original de Cabrera. Esta placa es propiedad de la Academia de Geografía e Historia, cuyos personeros decidieron realizar una edición limitada con la intención de acercar el grabado a un sector de los coleccionistas del país. La estampa representa a Juan Nepumuceno, patrono de Praga y santo de los confesores.

Pero hay otras dos piezas que provienen del siglo XIX y que están relacionadas con momentos e influencias históricas de las artes nacionales. Los europeos que las realizaron tuvieron mucha presencia a nivel global, ya que se movían en un ámbito poco explorado todavía por los historiadores chapines, las Ferias Universales. La primera estatua es de Carrier-Bellusse, autor, entre otros trabajos, de la tumba del presidente Justo Rufino Barrios. Como quien dice nada, el Museo del Prado tiene un trabajo de él entre sus fondos. Jean Paul Aubé es el otro escultor, y de él hay obra en el Museo de Orsay de París y en el Art Modrne er Contemporain-Exeptionelle Collection de Sculptures en Bronze du Xixe Siéde.

Del siglo XX conseguimos trabajos de Roberto González Goyri y Dagoberto Vásquez Castañeda, quienes son dos de los modernistas más importantes del país. Su legado a la nación incluye varios monumentos públicos, excepcionales esculturas y pinturas en diversidad de formatos. Es muy interesante el dibujo de González, ya que parece ser el bosquejo para un relieve.

A ellos se suman las obras de Francisco Tun, Zipacná De León y José Nicolás. De este último apareció una escultura en bronce. Él fue conocido por trabajar en maderas y piedras duras. Entre su producción más conocida se encuentra el Monumento a la Madre (avenida de La Reforma), las imágenes de la iglesia de San Judas Tadeo y las tallas de la tumba del Hermano Pedro. Otra de las joyas la constituye la témpera de Carlos Mérida, la cual denota el extremo virtuosismo que el autor manejaba.

Tres puntos...: Corredor cultural

2010-01-25T10:47:00.000-08:00

Una facción contemporánea de las artes salió a buscar adeptos a las calles de San Salvador y La Nueva Guatemala de la Asunción.

La acción tiene su lógica, y es mostrar otra cara para la presión que se vive en dos capitales que se deben considerar como zonas rojas rendidas ante el imparable peso de la violencia. Si bien es cierto que ambas metrópolis han mejorado notablemente el ornato de sus zonas de alto tránsito, trabajo de las municipalidades, sus gobiernos se encuentran hoy impotentes ante la generalizada delincuencia y la tensión urbana que ello provoca.

Arte en Mayo, Corredor Cultural y las alianzas estratégicas de la Fundación Rozas Botrán vuelven a llevar una colección visual a las arterias metropolitanas con fines que deben definirse, indudablemente, como educativos. Según se puede apreciar, el guión museográfico se enfocó en mostrar un abanico de producciones cuya diversidad es manifiesta. Es por ello que en la exhibición se pueden apreciar trabajos de artistas emergentes y artistas consolidados. Con ello se logra apreciar una buena muestra de lo que los artífices de ambos países están haciendo contemporáneamente.

Desde esta perspectiva y más allá de si existe o no una coherencia curatorial, hay que enfocarse en exaltar la intención y el impacto positivo que las distintas producciones puedan ofrecer al público en general. Este último es censor no especializado y, por ende, juzga sin los prejuicios que atormentan el gusto de los especialistas. Al final ¿para quién es que crea el artista? ¿Para un puñado de conocedores? o ¿para aquel que ve, desde otra perspectiva menos viciada, un mundo en el que el color y las formas importan? Ahora bien —para que no se me malentienda—, siempre hay que tener conciencia de que en el arte no cuenta ni lo bonito ni lo feo. Solo lo bueno y lo malo. Lo intermedio está inconcluso o no posee sustancia. En este caso los participantes, con alguna excepción que no mencionaré, caen en el territorio de artistas profesionales y, por ende, son responsables de lo que producen.

Regresando al Corredor Cultural, los resultados del año anterior no podían ser más esclarecedores. El quetzal de Riky López fue votado vía “mensajito” como el trabajo que más convenció. El curador Miguel Flores concordó con una idea que me rondaba en la cabeza. Los que se decidieron por esta opción lo hicieron por el ítem de nuestra nacionalidad, Qué mejor representante de la misma que nuestra ave símbolo. Dejar al público en contacto con los productos artísticos porque las imágenes van hacia él es el sinónimo de: “Si Mahoma no va a la montaña, la montaña va a Mahoma”. Desde esta perspectiva la misión está cumplida.

Solo queda listar a los seleccionados para el 2010: José Rodríguez, Germán Hernández, Antonio Cañas y Gerardo Cartagena, Alán Benchoam, Tache Ayala, Mónica Torrebiarte, Sergio Valenzuela, Doniel Espinoza, Lucía Rohrlman, Enrique Castillo y Diana Fernández. Conglomerado formado por distintas generaciones que exploran y se manifiestan en variadas disciplinas y exponen en muy diversos escenarios. La colección será levantada el próximo 29 de enero.

Regina de Prado (2a. parte)

2009-12-28T10:45:00.000-08:00

“Y la instalación, con el cerco de estas fotos, está haciendo la famosa ‘mise en abîme’”.

“Es decir el proceso de ‘las cajas chinas’, o replicación infinita del sistema (o imagen, o idea etcétera) adentro de sí mismo garantía suprema de la fuerza de un trabajo, como un martillazo que nos adentra una idea: el cerco cerca, y nos encontramos cercados por este: sur-añade un significado de encarcelamiento, de encarcelamiento en el propio sistema que nos hemos creado, como una alienación de la cual no podemos salir”.

“Ves que tu intención está no solamente clarísima, pero amplificada por la manera misma que escogiste para tu tema: la foto de un fenómeno bien preciso, colocada en un sistema que es redundante con el fenómeno y con ello mismo”.

“Quisiera poder ver todo esto en realidad, mi querida amiga, más que todo para sentir físicamente esa sensación total de asombro/enajenación-encarcelación que puedo intuir desde tus fotos, y te digo ¡Felicitaciones!” Y la firma: Veronique.

Pues en esencia eso es la muestra. Es un reflejo de la chapinidad que a diario nos define y que en ese contexto nos pone límites y paisajes a los que nos acostumbramos. Sin protestar. El que puede se encierra y el que no se queda fuera. Sin embargo, dentro de los contenidos lo que pesa es el conjunto estético y la visión de una artista formada y rigurosa que aprendió cosas simples como que un paisaje se pinta de atrás para adelante o que para deformar en busca de los abstracto hay reglas que entender.

Regina es dibujante, pintora, grabadora, escultora, instaladora y pareciera que desde siempre ha tenido muy claro el papel que juega ella como artista y el respeto que la obra como producto de su cabeza merece. En ese sentido toda su producción pasada refleja claramente las inquietudes por las que iba atravesando y cómo las podía resolver a partir de los formatos elegidos. Joven, esposa, madre, abuela, mujer, dama, profesional, artista, guatemalteca. Todas en una. No hay en el trayecto ni traumas irreversibles ni conflictos de personalidad. Ella es la que es y desde esa perspectiva produce y encuentra resultados.

No me queda mucho más que anotar, ya que Veronique me comió el mandado. Sin embargo, puntualizo que es loable el ímpetu con el que Regina de Batres se lanzó al escenario de las artes visuales. Su producción, pese a ser ella una artista que se inició a principios de los años 1960, sigue siendo fresca y se ubica entre lo más sobresaliente del siglo XXI, a la par de las propuestas de los autores inquietos y llenos de fuerza. Esta vitalidad surge de una conciencia muy clara relacionada con el objeto artístico, su dimensión como expresión y el entendimiento absoluto de los subtextos que surgen en el proceso creativo de la obra. Aunque es una autora de estudio, como las de antes, en su taller se crean proyectos que ven la luz después de arduas jornadas de cabildeos de conciencia.

Carta a Regina de Batres

2009-12-21T10:44:00.000-08:00

Cuando fui a ver la muestra de Regina de Batres al Museo Nacional de Arte Moderno lo único que pude pensar fue en cómo ha evolucionado esta artista.

Maestra, hubiera dicho Dagoberto Vásquez. Independientemente a lo que yo interpreté, me topé con una carta que la artista visual Veronique Simar le escribió. Como consideré que las ideas de Veronique se ajustaban a mis percepciones y que es una pena que este documento no se publique, decidí incluirlo en este espacio para compartirlo con el público. Esta exposición, por cierto, estará abierta hasta antes de la Noche Buena.

“Desde fotos sobre fotos. Antes de recibir este mail tuyo de hoy con las fotos de lo que vas a exponer, la imagen de la invitación se había quedado grabada en mi mente... ¡pero sin las bolsas plásticas! Tan fuerte había sido el impacto del enredo de la planta con el ahora ubicuo “razor-blade”: para mí era como una fotografía instantánea del enredo de la generosidad de la Madre Naturaleza, que provee sin preguntas —sin miedo, sin discriminación, a todos los vientos, a donde sea, y para cualquiera— con la pequeñez y mezquindad del Hombre, que se ha creado “un su hogar”, “un su lugar”, “un su mundo”, a proteger de la violencia que él mismo se ha creado, con su falta de armonía entre los seres, su falta de generosidad, su propiedad privada, su interés propio de muy corto plazo, etcétera. En una sola foto escribías en mis ojos un símbolo fuerte del lado oscuro de esa “civilización moderna y occidental que sigue haciéndonos daños, a grande como a pequeña escala”.

“Me acabas de dar las razones que te llevaron a realizar este trabajo, tu deseo de crear una conciencia de cómo hemos destruido nuestro paisaje cotidiano. Con mi reacción primera, puedes ver que tu trabajo despierta un significado múltiple, rico, polivalente, ¡y esto es chévere!”

“Ahora que miro las otras fotos, logro ver las bolsas de plástico tiradas a donde sea, símbolo del poco respeto a nuestro entorno y de dejadez, lo que va en el mismo sentido que me había dado la foto de tu invitación, pero que se afina. Y, como tú dices, la estética de todo esto te apareció. Aún así, nuestro paisaje cotidiano de repente es bello en tus fotos. Es cierto realmente que las cosas más feas se vuelven estéticas una vez resaltadas y aisladas: esto es la tarea del artista, y lo sabes, ¿verdad? Pero nos hace tomar conciencia también de que todo tiene sus dos lados (lo feo con lo bello en este caso) y nos da una visión más holística del mundo, llevándonos paulatinamente a una aceptación de esa dualidad de la realidad —el Yin y el yang— de la sabiduría oriental tal vez. Así que este trabajo tuyo amplió tu conciencia, eso significa que es un “trabajo real sobre tu modo de enfocar el mundo, al mismo tiempo que compartes esta nueva visión con otros para que la agarren un poco: te felicito de verdad por este acto artístico de primer orden”. (Continuará.)

Olga Arriola

2009-12-14T10:40:00.000-08:00

No es raro encontrar, cada poco, noticias referentes a la inagotable labor de esta autora.

Olga Arriola de Geng no solo ha desarrollado una carrera artística. Siempre en un espiral ascendente, sus inquietudes la han llevado a culminar, también, tratados que se han convertido en verdaderos logros en distintos campos académicos, entre ellos los referentes a los usos y expresiones culturales de los guatemaltecos. En lo etnográfico se ha especializado tanto en los vestuarios regionales y los accesorios que componen el universo de tradiciones como los usos expresivos de sus distintas comunidades.

Su nuevo aporte es una fusión de capacidades personales en donde se manifiestan, de paso, sus propios talentos artísticos. Se trata del libro Danzas, bailes y máscaras de Guatemala, publicado con la editorial Serviprensa Centroamericana. El documento rescata y pone de manifiesto la existencia de más de cien bailes ceremoniales y otras expresiones festivas —con sus vistosos trajes y utilerías— practicadas en los distintos municipios de Guatemala. Visión que incluye a los coloridos y rítmicos garífunas.

El valor de este trabajo se manifiesta desde distintas perspectivas. Primero porque pone en contexto tradiciones locales que no conocen otras latitudes distanciadas por la geografía. Luego porque sugiere un calendario, por temporada, que permite crear itinerarios de observación que pueden ayudar a percibir las variaciones que van surgiendo conforme van evolucionando las culturas que las desarrollan tradicionalmente. Todo esto puede redundar en un recorrido turístico que bien podrían aprovechar el INGUAT y las agencias de viaje, en beneficio de visiones alternativas del interior de la República. Unido a ello van distintos tipos de repertorios que deben convertirse en objeto de protección para la posteridad. En fin, el contenido es exhaustivo, ordenado y tan amplio, que puede dar pauta a que otros estudiosos se adentren en múltiples posibilidades.

El estudio analítico está complementado por ilustraciones, fotografías de diferentes procedencias y estampas xilográficas creadas por la autora. Este inventario, especialmente el creado por Arriola de Geng, es una particularidad que adiciona positivamente en la trayectoria de la artista. Aunque en el libro se convierte en otro tipo de gráfica mecanizada, hay que tomar en cuenta que en la realidad son parte de un proceso creativo (artesanal) muy singular. Primero talla el soporte sacando con gubias trozos de materia, luego entinta con distintos colores las superficies altas de la placa y luego estampa con un tórculo o con otros procedimientos manuales, sobre el papel.

En este campo la artista es considerada como única, debido a los intereses que nutren su imaginación. Aunque las máscaras representadas por ella son abstracciones tomadas de la realidad, no pierden sus características aportando así nuevas visiones al arte contemporáneo guatemalteco. Lo mismo se debe apuntar respecto a su producción en escultura, pintura, mosaico y cerámica ¿no sabe que regalar en Navidad? Pues este libro es una gran opción.

La visita al cementerio (3ra. parte)

2009-12-07T09:56:00.000-08:00

El segundo encuentro fue a unos pasos de la tumba de Justo Rufino Barrios, en donde había un nicho, parte de un mausoleo sin identificación, que exudaba cierta calidez.

Hay que recordar que aquella noche hacía mucho frío y que desde donde salía esa especie de vaho era de un sepulcro inferior. Era poco probable, por tanto, que retuviera las bondades del sol vespertino (si es que los árboles dejaron que sus rayos pasaran entre las nutridas ramas).
La tercera experiencia fue en una extensa área en la que se percibía calor —una manzana más o menos—. Para la hora, la época del año y el estado del clima general, se podría anotar que hacía hasta un poco de bochorno. Fuera de ese sector, ya lo he anotado, hacía un frío implacable. Algo interesante: todos sentimos ese efecto climático y uno solo de nosotros vio algo —Anabella de León percibió luces fugaces pequeñas y escuchó ruidos extraños como martilleos. Además, fue presa de dolores muy fuertes en las piernas—. Hay que saber que en ese momento los productores nos dejaron distribuidos y en completa soledad, en distintos recintos del cementerio. La diputada y yo nos quedamos allí en donde ni soplaba el aire… ella, a varios metros de mi persona, en donde no podía verla.

La penúltima presencia fue auditiva y sólo yo la experimenté. Escuché a dos mujeres susurrando —no llegué a entender de qué estaban hablando y no me pareció que estuvieran rezando, pero sí diciendo palabras repetidamente—. Finalmente me quedé sin energía y terminé durmiendo a los pies del fastuoso mausoleo egipcio de los Castillo (era el único que tenía la entrada barrida). El resto ya se transmitió o va a salir en el programa de televisión el día miércoles.

Más allá de la visita, que fue una extraordinaria vivencia, creo que hay otros puntos que resaltar. Por ejemplo, un grupo de personas que ha leído esta serie de columnas me manifestó el interés en promover la iniciativa de que el camposanto pase a manos de la Municipalidad. Que cómo podían interesar a Álvaro Arzú —quien tiene célebres ancestros enterrados allí— para que se haga cargo del reto. El Ministerio de Salud realmente no se ha esforzado mucho en otros aspectos más allá de su competencia. Hay que recordar que esta ciudad de los muertos no solo es profanada por ladrones de bronce y otro tipo de depredadores. Es una zona roja en donde se asalta impunemente a los visitantes, y esto, en un lugar de reposo y espiritualidad, es inconcebible. También tengo entendido que aún no está declarada como Patrimonio Nacional, y es precisamente en ese recinto en donde se encuentra gran parte de la producción romántica que hay en el país. Los pocos estudios que conozco resaltan la presencia de tallas importadas que calzan la firma de importantes autores, entre ellos, los de Carrier o Mühr y escultores nacionales como Rodríguez Padilla o Yela Günther, entre muchos. ¿Es que también vamos a dejar perder este espacio en manos de la desidia que domina al guatemalteco contemporáneo?

Visita al cementerio (2)

2009-11-30T09:55:00.000-08:00

Pero no solo la cultura occidental le ha dado mayor o menor valor a los sucesos que involucran espíritus o energías relacionadas al más allá.

Por ejemplo, en China abundan “los relatos tradicionales sobre fantasmas”; la fuente on line indica “que se creía en ellos y hasta se les rendía culto”. Según esta, Confucio dijo: “Respetad a los fantasmas y a los dioses, pero alejaos de ellos”. Los fantasmas chinos o Kuei “son espíritus malvados de personas que vivieron una vida deshonrosa o perversa, o que murieron de forma violenta. Se dice que hacen daño a las personas y buscan a quién asesinar para que el espíritu de la víctima ocupe el lugar del Kuei en el Infierno”. Esta acción “solo es posible con los espíritus débiles y cobardes”. Las autoridades, indica la cita, prohibieron en el 2007 las historias de fantasmas; sin embargo, no hay quién pueda en contra de la tradición. En Japón, estos “son espíritus apartados de una pacífica vida tras la muerte, debido a algo que les ocurrió en vida, falta de una ceremonia funeraria adecuad o por cometer suicidio”. Sus descripciones pueden ser escalofriantes. En aquella cultura también existen las formas benéficas como la de “una madre que murió durante el parto o dejando niños pequeños y que regresa para cuidar de sus hijos o traerles dulces que, al desaparecer el fantasma, se transforman en hojas secas”.

Europa también posee su carga de fantasmas. En Escocia, como en Inglaterra, es común escuchar la historia de revelaciones físicas de reinas sin cabeza o de gaiteros y gnomos. Francia cuenta, entre muchas, con la aparición de Matilde, la emperatriz hija de Guillermo el conquistador, quien, según los relatos, se deja ver las noches de luna llena. Hay historias abundantes hasta en los países más descreídos. Si se busca, se encuentran narraciones y páginas con cientos de testimonios. La mayoría increíbles, pero los pocos coherentes sí dan mucho que pensar.

Pero regresando a nuestro cementerio, ¿hay testigos que narran sus encuentros con el más allá? Pues la verdad es que sí y muchos. Uno de los relatos más conocidos es el Feliche, un hombre que fue fusilado durante el régimen de Jorge Ubico. Se dice que solía visitar las majestuosas puertas del camposanto. Eso contaba mi abuelo. Pero hay historiadores, como Celso Lara, que pueden contar relatos con más propiedad que este servidor.

Ha pasado una semana desde que publiqué el primer artículo sobre el tema. En el lapso me han preguntado si encontré alguna presencia durante mi visita nocturna y la respuesta es que sí y que no. La verdad es que no vi nada fuera de lo común. Sin embargo, sí sentí y percibí algunas cosas que no puedo explicar y que no tienen nada que ver con la producción del programa. La primera fue un miedo irrazonable que a penas si me dejó pasar por un corredor de nichos específico. Si se toma en cuenta que tenía como a 30 personas a unos pasos, que había luz y que otros compañeros experimentaron la misma sensación, pues allí seguro que había algo… (Continúa).

Noche en el cementerio

2009-11-23T16:15:00.000-08:00

La noche del sábado 14 de noviembre la pasé, literalmente, en el Cementerio General.

El caso es que fui invitado, junto a varias personalidades de la cultura nacional, a participar en un programa para ayudar a registrar energías de ultratumba. Los invitados fueron la diputada Anabella De León, el músico Bladimir Gaitán, los actores Vanessa Oliva, Douglas Vásquez y Enrique Cano. Todos, incluyéndome, con una disponibilidad absoluta para seguir las instrucciones que Carlos Javier Buisay y Carlos Portillo nos indicaran para alcanzar el objetivo.

Para tranquilidad de todos los participantes, los productores del programa no aplicaron ningún procedimiento para convocar lo que yo entiendo fuerzas energéticas perdidas en el espacio interterrenal. Nuestro papel fue expectante y por ende, lo más respetuoso posible para los que como en mi caso tenemos seres queridos reposando en aquel camposanto. De hecho teníamos más aprensión por los vivos, ya que el Cementerio General de Guatemala está en la lista de las zonas rojas del país. Me ocuparé unos párrafos más delante de nuestra visita y de los hallazgos alcanzados.

En una investigación superficial por la Internet encontré que la Iglesia Católica no cree en fantasmas porque no admite la existencia del limbo. El sitio que visité indica que la institución “considera perjudicial, dañoso, autodestructivo y pecaminoso el uso de la necromancia, la Ouija, el Tarot y de cualquier ceremonia o procedimiento no religioso con el cual se obtenga comunicación con la otra vida”. Una contradicción porque si no se cree en algo, no se puede prohibir que la gente pierda el tiempo tratando de comunicarse con la nada o lo que no existe. Fortalece la idea de que puede haber algo más allá cuando se piensa que muchas corrientes religiosas del siglo XXI aún aplican exorcismos y rituales específicos en contra de los ¿malos espíritus? En la otra esquina se encuentran algunos “teólogos” que indican la existencia de un “limbo al que van las almas, criaturas, seres no humanos y ángeles indecisos, que no son ni buenos ni malos ni se han puesto de parte de nadie, esperando el lugar que Dios les dará cuando ocurra el juicio final”. Si a mí se me apareciera un ángel, indeciso o no, no habría poder humano (ni celestial) que me convenciera que este no era un fantasma.

Para darle un poco de romanticismo al asunto y material a los retóricos, busqué algo sobre los fantasmas y me encontré una sección de celebridades como la mujer de blanco, en España, o la Llorona, en la América de habla hispana. El inciso marcaba que “el carácter huidizo de estos fenómenos parece indicar que los fantasmas tienen más miedo de las personas que algunas personas de los fantasmas”. Aún así y como anécdota en el caso de nuestras apariciones locales, el Sombrerón, la Siguanaba, el Duende o el Cadejo están protegidas como patrimonio intangible de la Nación. Otro punto que podría, en las mentalidades más conservadoras, provocar acaloradas discusiones en contra y a favor de la ley... (Continuará).

Las Mazorcas

2009-11-16T16:13:00.000-08:00

Se habla de un renacimiento del teatro guatemalteco. Más bien me atrevería a decir que por fin le están dando los espacios acreditados a los teatristas serios.

Esto no solo les ha dado una nueva visibilidad a los creadores escénicos, sino que ha insuflado un nuevo hálito al espectáculo nacional. Las hermanas Mazorca, de la cual queda ya la última función el martes 24 de noviembre en la UP, entra en esta categoría.
¿Quiénes están detrás de este montaje? Para empezar, una directora de lujo: Flora Méndez, quien además interpreta uno de los papeles. Esta artista ya ha dirigido varios trabajos con jóvenes, alcanzando excelentes resultados. El día que el Sol despreció a la Luna, El tesoro de Anita y el Entremés de los cinco pescaditos y el Río Revuelto (Manuel Galich) son algunos de sus montajes para niños. Para adultos dirigió recientemente Q.E.P.D. (junto al desaparecido Alfredo Chang L.) y Las Mazorcas.

El ámbito de acción de Méndez en los últimos años han sido las academias de arte —ha formado buenos actores— y recientemente la Escuela Superior de Arte de la Universidad de San Carlos, en donde imparte el taller de actuación 1 (Meyerhold). Como actriz ha destacado en Baby Boom, Tres intrusiones en el ojo ajeno (Estuardo Galdámez), Fuente Ovejuna (Lope de Vega), La Molinera (Casona) y La casa de Bernarda Alba (Federico García Lorca), entre otros. También hay que agregar que es actriz de televisión y de cine.

El elenco está complementado por otros artistas de igual trayectoria. Iván Martínez, quien además es bailarín contemporáneo y folclórico, ha actuado bajo la dirección de protagonistas muy representativos de la historia escénica guatemalteca como Luiz Tuchán, Lizette Mertins, Alfredo Porras Smith, Willy Ramírez Valenzuela, Vinicio Morales, Ángelo Medina, Fernando Juárez y el listado solamente para echar lumbre.

Entre sus trabajos memorables se deben listar Pluto, Ixcalqueh, La caja de arena, El Rey de la Altanería, El Señor Presidente y Corona de amor y muerte, entre muchas. Migdalia Ruiz y Nelly Castillo tienen los roles de la Mamá Tierra y la Mazorquita. La primera ha desarrollado su carrera principalmente en los escenarios de la UP, y Nelly Castillo es una de mis compañeras entrañables de las tablas. De ellas escribiré, en algún momento, un artículo en el que se resalten con justicia sus trayectorias.
La obra tiene elementos emparentados con la cosmovisión maya. Su vestuario es una abstracción metafórica de componentes culturales guatemaltecos, que no caen en el romanticismo de imitar lo existente.

Ni quiere ser folclórica ni lo necesita. Por ende, la historia es una neoleyenda que se aplica, con poesía y magia envolvente, a una de las realidades más vividas de la tragedia mundial: el calentamiento global. Toda la historia impregnada de una metáfora que más que denunciar invita a soñar y a transportarse a un plano paralelo en el que lo lúdico toma el papel de conciencia.
La UP queda en la 10 calle 10-32 de la zona 1, cercana a la iglesia Capuchinas. Asista, no se arrepentirá. Hay parqueo inmediato.

Jorge Castañeda

2009-11-09T16:12:00.000-08:00

El 28 de octubre, G&T Continental entregó a Jorge Castañeda y a Casa Santo Domingo (Diego Castañeda) Dos Arrayanes de Oro.

La distinción la motivó los muchos aportes que la familia Castañeda y Casa Santo Domingo han hecho en pos de la cultura guatemalteca. El honor de dirigir unas palabras a don Jorge, en la sala de actos oficiales del Palacio Nacional, recayó en mi persona, y queridos lectores no tienen idea de lo honrado y agradecido que me sentí de participar de este justo homenaje a quien tanto ha hecho por muchos. En lo personal y gracias a don Jorge —lo mismo puedo anotar de G&T Continental— he encontrado una dimensión en un medio que suele ser cuesta arriba para los artistas. También debo acotar que lo aprecio profundamente porque ha sido bondadoso conmigo sin obligación de serlo y porque él realmente se deja apreciar con facilidad.
He de reconocer, con un poco de vergüenza, que me tardé algún tiempo en entender con claridad quién era ese don Jorge Castañeda del que los artífices hablaban todo el tiempo. El bajo perfil que este hombre proyecta no iba de la mano con el impacto de lo que hacía. Su labor, sin embargo, la conocía y veía con reverencia: Casa Santo Domingo y su red de museos. La acción obnubilaba totalmente el origen productor de la misma.

Cuando por fin llegué a él descubrí que lo que estaba detrás resultaba tan o más interesante que la propia faena que este mecenas moderno impulsaba. Este era Jorge Castañeda, y a él se le puede definir como un personaje cálido con sus amigos y generoso con todos los que se acercan a él. En su honor hay que mencionar que el empresario se lo había jugado todo apostando a una carta que otros hubieran dejado pasar sin pensarlo dos veces. Hizo de un tiradero de ripio un hotel cinco estrellas y de paso creó una red cultural única.
El Corredor de Museos es un área en donde se pueden visitar múltiples tipos de muestras de las épocas precolombinas, coloniales, independientes y contemporáneas, además del arte extranjero que constantemente visita sus salas.

En lo práctico, Jorge Castañeda (y su familia), le están dando a Guatemala un espacio de existencia que no tiene comparación alguna con ningún otro esfuerzo de esta naturaleza que yo conozca o que esté historiado. Sus barcos, como los de Colón, se dirigen hacia una meta que, si en un principio parecía utópica, hoy es toda una realidad tangible que se refleja en educación para los guatemaltecos y en todo un legado de rescate, protección y promulgación de fondos culturales que de otra manera estarían perdidos en la memoria de los tiempos.

A lo anotado hay que sumar el proyecto anexo que adecuó una montaña completa para un centro cultural que respeta lo ecológico y que le suma nuevos valores a Antigua Guatemala. Proyectos que no son más que el reflejo de las inquietudes de este guatemalteco número uno que, contra viento y marea, contra cualquier pensamiento lógico, se enfocó en creer en lo nuestro.

Artista del año

2009-11-02T16:10:00.000-08:00

María Eugenia Gordillo se ha convertido en una luz por su constancia y amor a los artistas.
Veintinueve años visitando teatros, galerías de arte y leyendo empedernidamente, entre otras actividades, para mantenerse al día y así mantener vigente su actividad. Son casi tres décadas que la directora de la Hemeroteca Nacional ha dedicado a gestionar con sus propios recursos y buena reputación, fondos para incentivar carreras emergentes y reconocer los méritos de artistas consolidados.

En esta ocasión fui invitado para poner la medalla como actor del año a William García Silva y para dar las palabras de cierre. Mientras esperaba mi turno tuve la oportunidad de apreciar la emoción con la que autores con carreras muy notorias y los más jóvenes también esperaban su presea. Al mismo tiempo meditaba respecto a lo importante que es para el artista que se le reconozca su labor en vida. Esto, porque la naturaleza del trabajo que realizan es siempre enfocada a un público específico y salvo los que se desempeñan sobre un escenario y reciben aplausos, rara vez tienen la oportunidad de ser resaltados o historiados por sus méritos.

El regreso a los escenarios de William García Silva, por ejemplo, fue notado de inmediato. Como protesta por la falta de espacios para ejercer con respeto la profesión, se alejó algunos años de las tablas. Fue hasta que lo convocó María Teresa Martínez, para hacer el papel de Luis Mejía en Don Juan Tenorio, cuando se decidió a entrarle de lleno a esta nueva etapa de su carrera actoral. Así llegaría a “1649” del escritor Rubén Nájera y se involucraría más adelante en la creación colectiva del guión de la obra De amor, odios y otras traiciones, en donde tomaría el papel del Rey Vlad, con la que alcanzó el meritorio título de artista del año en la categoría de teatro.

Entre los que recibieron medalla hay que destacar a una de las voces más queridas de la radio nacional: Lucy Bonilla. Esta protagonista ha dedicado su vida a la locución —y en algún momento a la televisión—, imprimiendo a su trabajo una personalidad muy particular por la calidez que exuda. También en el rubro de Trayectoria Artística fue premiada Ana Lucía Orozco, quien además de ser cantante es una extraordinaria actriz.
Las artes visuales fueron representadas por tres autores muy diferentes entre sí. Juan B. Juárez ha sido visible principalmente por las semblanzas y los análisis filosóficos que ha realizado del trabajo de otros autores.

En la actualidad ha puesto a la disquisición del público sus pinturas abstractas. Elsie de Wunderlich además de pintora es también escultora.

Su carrera sobresale por la pasión con la que ha enfrentado sus propios retos creativos. El tercero fue un reconocimiento especial para el decano de las artes de Guatemala. Se trata de Luis Álvarez, autor de la escena Corte del café que aparece en los billetes de 50 quetzales. En total fueron 15 artistas los que recibieron galardón.

Zorrilla y El Tenorio

2009-10-26T16:09:00.000-07:00

Por tradición se asocia el Don Juan Tenorio de Zorrilla a la familia Martínez.

El primero en hacer el montaje fue Alberto Martínez en 1934 cuando la obra salió de gira por algunos departamentos de la república y más adelante, desde 1937, cuando quedó establecida de manera ininterrumpida hasta 1967 –Martínez fallecería en 1969-. Entre 1976 y 1980 fue remontada por María Teresa Martínez quien se volvió a hacer cargo del reto desde 2004. La propuesta de la directora respeta cánones que amarran el teatro histórico guatemalteco con el del presente. En otras palabras, la riqueza del lenguaje se aúna a modos y usos desconocidos por la juventud artística nacional y en ello estriba uno de los tantos valores de este montaje que estará en el IGA entre el 29 de noviembre y el 1 de diciembre.

José de Zorrilla nace y muere en España entre 1817 y 1893. El ser hijo de un hombre conservador y absolutista determinaría en gran medida el giró que tomó su vida que fue todo lo contrario a lo que su padre deseó de él. Su madre, Nicomedes Moral, era una mujer muy piadosa. Tras varios años en Valladolid, la familia pasó por Burgos y Sevilla para al fin establecerse cuando Zorrilla tenía nueve años en Madrid, donde el padre trabajó con gran celo como superintendente de policía y el hijo ingresaba en el Seminario de Nobles, regentado por los jesuitas. Allí participó en representaciones teatrales escolares.

Muerto Fernando VII, fueron desterrados a Lerma y el hijo enviado a estudiar derecho a la Real Universidad de Toledo bajo la vigilancia de un pariente canónigo. Zorrilla, sin embargo, se distraía y los libros de derecho no paraban en sus manos. Por ello su tutor lo devolvió a Valladolid para que siguiera estudiando allí. El carácter impuesto por los estudios, su atracción por el dibujo, las mujeres y la literatura de autores como Walter Scott, James Fenimore Cooper, Chateaubriand, Alejandro Dumas, Víctor Hugo, el Duque de Rivas o Espronceda, arruinaron su futuro a las vistas de su padre quien desistió de sacar algo de su hijo y mandó que lo llevaran a Lerma a cavar viñas. Cuando estaba a medio camino robó una mula, huyó a Madrid (1836) y se inició en su hacer literario frecuentando los ambientes artísticos y bohemios a costas de mucha hambre. Es a partir de ese momento que su vida encuentra ciertos paralelismos con los de su personaje de ficción: Juan Tenorio… para sobrevivir se fingió un artista italiano y así dibujar en el Museo de las Familias, publicó algunas poesías en “El Artista” y pronunció discursos revolucionarios en el “Café Nuevo”. Terminó por ser perseguido por la policía.

Refugiado en casa de un gitano se hizo amigo de Miguel de los Santos Álvarez y del italiano Joaquín Masard. A la muerte de Larra en 1837, José Zorrilla declama en su memoria un improvisado poema que le granjearía la profunda amistad de José de Espronceda y Juan Eugenio Hartzenbusch y a la postre le consagraría como poeta de renombre. El resto, es historia.

¡Urgente!

2009-10-19T16:07:00.000-07:00

Desde hace unas semanas y hasta este viernes, ADESCA ha solicitado a todos los creadores guatemaltecos que se registren para integrar el primer directorio nacional de artistas.
En éste caben todos, no importa la rama o corriente por la que transiten. Los datos que se solicitan son los siguientes: Nombres y apellidos, dirección física y electrónica (si la tiene) y su especialidad artística. La información debe mandarse a la dirección artistasguatemaltecos@gmail.com.

RESCATE PARA LA POSTERIDAD EN CASA SANTO DOMINGO. Esa es quizás una de las misiones más visibles que se han impuesto en Casa Santo Domingo y las entidades que trabajan en alianza estratégica con ellos. De entre las múltiples actividades que Mosaico Cultural ha emprendido destacan sus exposiciones retrospectivas. Esto porque llenan un espacio relevante en cuanto a la documentación y valoración de talentos que, por una u otra razón, han quedado en el limbo.

Si estos autores fueron tan importantes ¿por qué son tan poco conocidos? Al igual que con los representantes de otras disciplinas, los trabajos que los mencionan o están dispersos en bibliotecas demasiado especializadas o no han sido captados con el debido interés en los documentos publicados recientemente. Hay que recordar que el escenario artístico siempre ha sido tratado con desidia. El ejercicio de registro inmediato no posee la acuciosidad correspondiente y el sistema educativo particular y oficial tiende a formar jóvenes muy limitados en cuanto a su capacidad de investigación y proyección de ideas.

La presente retrospectiva reúne a cuatro autores que aportaron mucho a la plástica de su momento: Juan Antonio Franco (1920-1994), Arturo Martínez (1912-1956), Roberto Ossaye (1927-1954) y Max Saravia Gual (1919-1995). Todos fundamentales por la dimensión y su proyección entre otros artistas. Su trabajo, sin embargo, posee escasa representación en los museos del país que rara vez pueden orientar al visitante más allá de sus fichas técnicas.
Juan Antonio Franco, parte a México en 1943 para terminar de formarse en la Escuela de la Secretaría de Educación Pública. Allí entraría en contacto con el muralismo mexicano ya que fue ayudante de Rivera y más delante de Orozco. En Guatemala existen, por lo menos dos murales suyos. Uno en una casa particular y otro en la Escuela Municipal de Mixco. Arturo Martínez destaca como pintor y grabador. Manejó los estilos impresionistas y expresionistas así como lo figurativo-abstracto. La influencia que ejerció fue vital en la generación del sesenta. Alcanzó varias distinciones relacionadas al oficio, entre ellas que Marta Traba le organizara una muestra personal en París.

La corta vida de Roberto Ossaye no limitó el respeto a su creación entre el conglomerado artístico. Como alguno de los citados fue pintor y grabador. Su trabajo pasó rápidamente de lo académico al realismo social. Luego de su viaje a Nueva York, se adentró en el cubismo y el expresionismo, en dónde brindo sus mayores aportes. A su muerte dejó varios bocetos para murales que nunca llegaron a efectuarse. Max Saravia Gual, el artista que cierra el bloque, llegó a ser uno de los directores más queridos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Fue escultor, pintor y escenógrafo alcanzado méritos en cada una de las disciplinas. Figurativo, surrealista y cubista, conjugó los tres estilos en una obra peculiar y muy personal. Una de sus escenografías más logradas ha conseguido traspasar la barrera de lo efímero: la del Tren Amarillo.

Fiestas y Tasso Hadjidodou

2009-10-12T16:06:00.000-07:00

De las “Fiestas de Octubre” sólo puedo agregar que toda publicidad es buena.
Hasta la poco solidaria. Las actividades que las conforman son diversas y no están concentradas en la capital, son gratuitas y cuentan con muchos de los artistas más sobresalientes del país. Ello sin contar con la presencia de los invitados extranjeros. El arte educa, entretiene y nos hace mejores.

Hablar de Tasso Hadjidodou se convierte en un predicamento. Esto porque es injusto sólo detallar su notoriedad a partir de una impersonal hoja de vida –que no cabría en un solo libro de dimensiones normales- y porque su protagonismo en la vida cultural del país es tan imponente que una semblanza se queda corta. Si por un lado pesa su currícula por el otro sobresale su vital humanidad. La primera ha sido indispensable en muchos sentidos para Guatemala -que lo reclama como suyo- y la segunda, básica para brindar tinte especial a la primera. Repito, un verdadero predicamento.
Pienso que una de las cualidades más apreciadas es la manera como ha sabido fluir en la vida. Pareciera que sus intereses no tienen límite y que ello le ha llevado a no hacerse cargo de una temporalidad mental. Si se le extrajera el cerebro en un laboratorio para su estudio, los científicos se encontrarían con una materia gris joven y muy activa.
Belga de nacimiento pero con sangre griega en las venas. De allí, quizás, proviene su necesidad de lo estético, su casamiento con el saber y el entendimiento absoluto de lo pluricultural. Diplomático, con una carrera impecable tras de sí. Para cada grupo con el que ha colaborado su presencia ha sido vital. Para el universo de las artes, también. Él es un eslabón, muy sólido por cierto, que une lo presente con el pasado. Ha logrado mantener contacto firme con artistas de varias generaciones y disciplinas y ya en la literatura, en las artes visuales, escénicas o en la música, ha sido fundamental por haber acompañado con gentileza el desarrollo de las carreras de creadores consolidados y emergentes.
Disciplinado lector y enconado estudioso. Tasso ha dicho en el pasado que logró borrar de su mente los verbos detestar y aburrir debido a que siempre tiene que hacer. Esto lleva a pensar en el hombre curioso que se ha adentrado en la pluriculturidad nacional a partir de su estudio e intercambio constante. Una de las cosas que hace de Tasso un ser querido es la manera como suele involucrarse con las comunidades del interior. Estoy convencido que las conoce todas y que no hay un solo lugar en donde no lo aprecien.
Sabio, benemérito, multilingüe, dicharachero y anecdótico, entre un largo listado más de virtudes –o defectos, dependiendo de cómo se quiera ver- el homenaje de IGA se suma a una larga vida llena de siembras y cosechas. Su cercanía con el IGA y el papel que él hace dentro del universo cultural de la institución, le confieren el estatus de notable.

Fiestas de Octubre

2009-10-05T16:05:00.000-07:00

La historia de la Guatemala de los siglos XIX y XX está marcada por un olvido absoluto en temas relacionados con el desarrollo integral de los guatemaltecos.

Las malas administraciones dejaron de lado aspectos básicos relacionados con la educación, la salud y la formación. Todo —salvo contadas excepciones— fue cosmético y políticamente correcto, pero nada pensado para largo plazo, ya que eso significaba matar la gallina de los huevos de oro. En otras palabras, la pobreza generó una riqueza inconmensurable para todos los inconscientes que se fueron apoderando de cuanta ayuda internacional fluyó a este país, impuestos y otras prebendas que pertenecían sólo al pueblo y a nadie más. Si no, hay que ver la cantidad de oportunistas que llegaron a los principales puestos de Gobierno en el pasado y que salieron campantes con más recursos que cualquier emir petrolero. Menciono solo dos de aquellos líderes: Justo Rufino Barrios y Jorge Serrano Elías.
El tema del día es el hambre, y su villano, el arte. Se difundió un presupuesto y todo un sistema asumió, como en las mejores revistas del corazón, que la información era verdad absoluta, sin mayores indagaciones. El resultado atentó con la realización de una actividad de gran dimensión que servirá para acercar al público —de distintos géneros, edades y cualquier estrato social— a sus artistas y sus mensajes. Amén de lo relacionado con lo formativo, también es importante señalar que una actividad de este tipo genera fuentes de trabajo. Un buen ejemplo de ello es que los presidiarios en rehabilitación fabricarán, en las carpinterías de la cárcel, las tarimas que se utilizarán en distintos escenarios. Además, parte del programa se presentará en tres penitenciarios. Es evidente la intención de los organizadores de insertar en la sociedad otros elementos y dejar de ver las actividades artísticas como algo cosmético, superfluo, en el último lugar de importancia.

¿Le retocaron el niño?

2009-09-28T16:03:00.000-07:00

Y probablemente se “re-cantaron” en él. No encontré una mejor frase para describirlo y captar su atención queridos lectores.
Guatemala es un país muy especial. Generalmente el que tiene es tan ignorante de lo que posee como el que no tiene nada. Las familias pudientes (o que lo fueron en algún momento) heredan objetos artísticos sin la mayor noción de la responsabilidad que reciben al convertirse en custodios de un patrimonio irrepetible. Hay cosas que están mejor conservadas por el polvo que en manos de retocadores, restauradores y otras malas hiervas improvisadas que seguramente le van a quitar todo el valor artístico a su objeto precioso.
Desde la posición que ocupo en mi trabajo, he sido y soy testigo de las barbaridades que la gente hace con sus valores. Desde verdaderas joyas coloniales hasta trabajos contemporáneos corren peligros inimaginables por la falta de cultura general de sus propietarios. Que sean los dueños no los excusa para que destruyan piezas con pretextos que personas con más de dos dedos frente no darían: “yo creí”, “yo pensaba” o “la fulanita me dijo”, son los más comunes para lucir como ignorantes y ¿por qué no? un tanto estúpidos.
Si por un lado están los incautos, por el otro están los que se pasan de vivos y ofrecen el oro y el moro sin ningún pudor y lo peor, sin castigo. Generalmente uno entrega las joyas preciosas y ellos nos devuelven espejitos si no que espejismos. La tecnología contemporánea es capaz de crear ficciones que engañan a los más expertos ¿a que me refiero? Las computadoras, por ejemplo, son capaces de crear sofisticaciones de miedo. Hoy en día el escáner de una acuarela, bien impreso, puede pasar como original.
Es por ello que la ética es un valor que debe de estar de por medio en cualquier transacción que se haga.
En estos casos los dichos de los bisabuelos pueden ser providenciales. “Si el río suena es porque piedras lleva”, “no todo lo que brilla es oro”, “río revuelto, ganancia de pescadores”, “en el país de los ciegos el tuerto es rey” y para los que ya metieron la pata, “mal de muchos, consuelo de tontos” ¿Por dónde viene el regaño? Es muy sencillo, es alarmante la cantidad de farsantes que se están haciendo cargo de objetos artísticos que, en el mejor de los casos, son robados cuando no destruidos. Una tras otra desfilan personas, desoladas, con historias previsibles porque o los estafaron o porque, de buena fe, trataron de venderle a un pícaro un objeto que de todas maneras no pagó. “Dime con quien andas y te diré quien eres”.
Uno no le entrega la vida a un médico solo por inspiración. Existen segundas y terceras opiniones. Pues lo mismo pasa en el caso del arte. Cuando uno posee o va a adquirir un valor tiene la obligación de informarse y si tiene dudas de consultar. A veces se hace hasta sospechoso encontrarse con que hay más cuadros de un autor muy apreciado muerto en circulación que cuando éste estaba vivo. No sea Näif, no se deje babosear.

FUNSILEC 2009

2009-09-21T16:01:00.000-07:00

Guatemala. Si algún nombre posee un significado vital en nuestra vidas es ese.

Vivimos en su territorio y como ciudadanos compartimos tantas cosas buenas y malas pero ¿tenemos una conciencia clara de lo que es nacionalidad? ¿lo que es solidaridad? Hay quienes la definen como “uno de los valores humanos por excelencia”. También se le conoce como “la colaboración mutua entre las personas.” Como sentimiento de unión en todo momento “sobre todo cuando se vivencian experiencias difíciles de las que no resulta fácil salir”. Es, entonces gracias a ella que “es posible brindarle una mano a aquellos que resultan menos favorecidos.” Una semilla, un aporte. En este caso específico, al servicio de niños especiales.
¿Qué es Funsilec? Creo que no es la primera vez que lo anoto, pero vale la pena redundar para crear conciencia (otro de los valores inherentes al ser humano): Es una organización sin fines lucrativos que promueve actividades dirigidas a mejorar y fortalecer la calidad de vida de hombres y mujeres con lesión cerebral. La organización trabaja como centro de captación y al mismo tiempo, distribución de recursos que se convierten en condiciones favorables de vida. De este modo los beneficiados reciben la atención que requieren para desarrollar las habilidades que les permitan integrarse social y productivamente a su comunidad. También cumplen con la misión de informar y sensibilizar a la sociedad para aceptar y cuando se puede, prevenir las causas que causan tales daños. Sus personeros indican que sus menores con lesión cerebral “son personas dignas, con esperanza e ilusión de alcanzar su integración en la sociedad a través del trabajo que realizan cada día para superar los efectos que les ha causado la lesión en el cerebro, por lo que la terapia se convierte en una activad vital en su vida.
El arte -por descontado, el artista y los coleccionistas- ha ocupado un lugar clave dentro de ésta y otras misiones humanitarias. Entidades como Funsilec, Juannio, Rotarios, Rozas Botrán o Junkabal se han hecho cargo de la difícil tarea de mantener vivas sus actividades y hacerlas crecer a pesar de las eternas crisis que atraviesa el país. Curadores y todos los demás colaboradores trabajan cada año (ad honoren) para solidarizarse y cumplir misiones que se han impuesto voluntariamente. Es por ello que, además de los objetivos principales, este tipo de actividades adquieren un papel formador diferente ya que de paso sensibiliza y forma gusto. Una tarea que es necesaria a todos los niveles ¿Cómo lo hace? Primero a partir de una selección que depurara lo que los jurados consideran con los méritos suficientes para ser expuesto y ofrecido como inversión. Segundo, acercando ese producto creativo al público en general quien, además de conocer algo de nuestra cultura creativa, tiene otras opciones de formación que no ofrece ningún centro educativo del país.
Esta sexta edición de Funsilec se abrirá al público el jueves 24 de septiembre en el Hotel Real Continental y podrá ser visitada hasta el día 16 de octubre. Acérquese a esta jornada solidaria y pregunte cómo puede ayudar.

El Sueño de los Justos

2009-09-14T15:52:00.000-07:00

Gracias al trabajo que capitaneó Silvia Herrera U., la biografía de Delfina Luna, volví los ojos al siglo XIX con mucha más curiosidad.
Esta etapa es singular y si hay un lapso para explorar a fondo es ese período en que Guatemala era un incipiente país independiente y sus ciudadanos completamente púberes respecto al manejo de la nación —bueno, hay cosas que no cambian ni con el tiempo—.
El teatro me llevó a los textos que se han podido rescatar de Vicenta La Parra y allí, bajo la compañía de la fundación que tiene su nombre, localicé creaciones que vale la pena llevar a los escenarios.
La energía me llevó a una librería y allí, como quien dice nada, un libro me encontró a mí ¿Cómo es eso? Muy sencillo, estaba buscando un diccionario específico y en lugar de comprarlo, adquirí una novela: el sueño de los justos de Francisco Pérez de Antón y con el libro un ficción histórica de calidad indiscutible.
Si ya nadie se acuerda de la importancia de la Revolución de 1920, traten de preguntar a un maestro de… ¿unos 30 años? por la de 1871. Bueno, pues el marco es aquella sublevación y sus protagonistas hombres y mujeres que lucharon por cambiar Guatemala de los cánones conservadores que la gobernaban. De la mano de lo histórico, durante el desarrollo de la trama, Pérez de Antón me situó en escenarios en que se movían las dos damas mencionadas y a otras reflexiones que compartiré en otro momento. De ellas sí mencionaré el Teatro Carrera —que por aquella época se llamó nacional y más adelante el Teatro Colón— que tuvo suma importancia dentro del desarrollo cultural de la clase media guatemalteca. Aquella estancia brillaba ya que los ciudadanos, además de buscar esparcimiento, se educaban y apreciaban compañías extranjeras que traían noticias del resto del mundo. Universo que, dicho sea de paso, estaba bien lejos. Si no tiene idea de cómo se llegaba a Guatemala en el último cuarto del siglo XIX, hay un diario que se puede localizar en CIRMA, escrito por Carolina Salvin. Guatemala estaba en la cola del mundo.
A la par de anécdotas e información valiosa, los políticos y su brazo ejecutor (el Ejército) condujeron al país a lo que parecía una promesa bajo el gobierno de Miguel García Granados y un infierno bajo el mando de Justo Rufino Barrios. Testigo, sin saberlo, de una historia paralela de amor, nobleza, valentía y otras cosas que no tienen que ver con lo humano. Hay que recordarse que si algún personaje debe ser cuestionado por la historia es este. Los contrastes en su gobierno son tantos que, incluso, las causas de su muerte “en batalla” pueden ser comprensibles.
No quiero decir más de la trama. El documento fluye y transcurre con una pasión que atrapa. Cumple con un cometido formador, que no cae en la trampa de lo académico y sí retrata una Guatemala añeja que hoy ya solo existe en fragmentos. Desde la perspectiva que se le quiera ver: la aventura, el hidalguismo, lo histórico, lo romántico, el libro es una fuente de inspiración.

Pan Dulce

2009-09-07T10:06:00.000-07:00

Dicen que la tercera es la vencida. Ya había pasado por la experiencia de actuar para películas en dos ocasiones: Donde acaban los caminos, y un cortometraje experimental sobre los “abusos de los derechos humanos, cometidos durante los arrestos por la Policía Nacional”, que se iba a presentar solamente en Perú y Uruguay.
Cuando fui al cine a ver Donde acaban los caminos me sorprendió encontrarme con que en la película solo aparecía el acercamiento de mi mano izquierda y lo que podía ser mi panza o la de mi vecino. Es tan rápida la toma que nunca me dio tiempo a decidir si la oronda barriga era mía o ajena.
Pese al resultado, aquella experiencia valió la pena porque pude compartir con muchos artistas del panorama nacional y experimenté en carne propia un proceso profesional, por demás interesante, filmado en las ciudades mágicas de Antigua y San Pedro La Laguna. Al final, la única prueba de que estuve en su elenco es que sí salgo en los créditos como actor invitado.
La segunda fue todo lo contrario respecto del profesionalismo y a la honradez a la hora de cancelar nuestros honorarios profesionales (los cuales se evaporaron hábilmente).
Todos los actores fuimos vilmente engañados y sospechamos que nuestro corto sí se presentó en los destinos planeados, pese al pequeño error en la continuidad de una escena.
De esta, solo nos queda a mis compañeros y a mí el grato recuerdo de cómo le sacamos las castañas a la ONG a cargo y al director que, cada vez que nos ve, opta por poner los pies en polvorosa.
Hay que anotar que el camarógrafo, de quien solo recuerdo el nombre, Roberto, es una joya llena de brillantes ideas y con gran capacidad para la dirección. Él también fue estafado.
Pan Dulce me dejó lleno de satisfacciones. Primero, porque Javier del Cid (autor del libreto, director y principal productor del filme) es una artista especial y sensitivo. Esto lo demuestran tanto las secuencias de sus tomas, como el desarrollo visual tan singular alcanzado en el producto final.
Como realizador y casi sin presupuesto, supo sacar provecho a los elementos que tenía a mano y liderar al material humano profesional que encontró como respaldo para el manejo de cámaras y otros aspectos técnicos ajenos a su competencia creadora. Obtener partido de lo que no hay es algo que solo puede hacer un ser creativo. En este sentido espero que sea percibido su aporte al tema del cine en Guatemala. Al trabajo hay que sumarle la intervención de Tatiana Palomo, quien se enfocó en la dirección artística. O sea, la preparación de los actores para cada rol, resultado que queda en manos del público calificar.
Yo, por mi lado, me gocé la compañía de Palomo, Del Cid, y especialmente la de Flora Méndez y Jorge Hernández Vielman, porque tenía muchos años de querer trabajar con ellos. Los dos son unos señores actores. Los protagonistas —Pepe Orozco y Analé Lemus— fueron una revelación, debido al compañerismo y la luz que poseen.

Paisajistas en Die Augen

2009-08-31T10:04:00.000-07:00

Llama mucho la atención encontrar espacios contemporáneos que muestren paisaje como una opción dentro de las artes visuales.
Recientemente, el IGA presentó una exhibición con obras del último paisajista vivo de la vieja escuela de Guatemala, Luis Álvarez. Homenaje que se sumó a una serie de actividades que la Fundación G&T Continental realizara en distintos espacios, a finales del año pasado.
La escuela del paisaje guatemalteco es muy rica y variada. En general tomó un camino independiente a partir de la Revolución de Octubre de 1944, cuando un grupo de artistas propuso, desde otras perspectivas más en boga, nuevas formas de expresión. Sin embargo, los artistas no se amilanaron ni mucho menos se plegaron a las nuevas corrientes. De este modo siguieron aportando nuevos elementos al academicismo regional y al costumbrismo local. En paralelo se fortalecía una corriente que en un inicio se conoció como primitivista y que hoy se define como la pintura popular guatemalteca.
A finales del siglo pasado, tanto las subastas como las galerías de arte que se preciaran de contemporáneas desterraron de sus espacios a los paisajistas. Salvo Luis Álvarez, Héctor Sitán o los Mazariegos (padre e hijo), era difícil encontrar trabajos que no fueran de coleccionistas particulares: Garavito, Tejeda Fonseca, Alfredo Gálvez Suárez, los más populares (y los dos primeros, los más falsificados en la historia del arte nacional). Sin embargo, 15 años después empiezan a reaparecer pinacotecas por demás interesantes: Carlos Rigalt, Salvador Saravia, Antonia Matos y Jaime Arimany, entre otros, y en enero de 2010 se expondrán en el Cantón Exposición las obras de Hilary Haratoon.
Lo interesante gira en torno a que tanta retrospectiva ha permitido puntos de comparación que antes no eran tan visibles. Dependiendo de la época, las locaciones y quien liderara la acción de ir a pintar in situ, así fueron las propuestas visuales de los autores ¿A qué me refiero? Que se hacen obvias las influencias mutuas y las particularidades también. El caso es que la muestra que se exhibe en Die Augen recoge la labor de dos autores separados por la distancia, pero entrecruzados en el ejercicio de la actividad pictórica.
El primero que cito es Jaime Arimany (1908-1995). Este artista pertenece a la primera generación de estudiantes de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y obtuvo su segunda formación en el extranjero. Por ende, su pincelada se distinguió por ser generosa en pigmento y color. Empastada, la luz es clave en sus registros. Atitlán, Amatitlán y otras visiones urbanas o no, fueron parte del inmenso legado que el artista dejó.
La colección también incluye obra de otro artista relevante, Miguel Ángel Ríos (1914-1991). Autor que además de haber fundado la galería de arte más antigua del país —Galería Ríos, 1945— es conocido por darle bríos a la técnica de la acuarela, con la cual alcanzó muchos de sus grandes méritos. Ambos autores fueron parte del grupo TRIAMA, y su producción se encuentra localizada en colecciones particulares y familiares.

12 Festival: Pendientes de un hilo

2009-08-24T10:04:00.000-07:00

Ya son doce festivales del Centro Histórico. No hay duda; el esfuerzo de sus organizadores ha desembocado en algo muy claro y contundente: en él hay arte para todos y para rematar, de calidad incuestionable.
Entre el 13 y el 23 de agosto, el mes de la Virgen Patrona de la Ciudad, se enraizó un festival que exalta el rescate de su Centro Histórico y la capacidad mágica que éste posee para convocar y atraer a los capitalinos. Es el corazón de un centro urbano que se negó a morir y que hoy late con una fuerza cultural que no conoció en el pasado. Hoy el kilómetro cero y sus alrededores, es de los jóvenes y el punto que da vida al mismo ya no es el Palacio Nacional si no el Centro Cultural Metropolitano (Antiguo Palacio de Correos). En otras palabras, la zona uno está más viva que nunca.
Un lujoso catálogo da fe de lo señalado. Este, enriquecido por diversas firmas, es un registro que servirá de reclamo a las futuras administraciones ediles si no cumplen con su misión de protegerlo y hacerlo crecer. El programa lo abrió la Orquesta Sinfónica Juvenil Municipal, que a su vez se derivo de la exitosa Escuela Municipal de música (2006). Ver ésta reunión de jóvenes, de todos los estratos, compartiendo talento es inspirador. Hay un futuro para Guatemala.
La UP ha acogido a diversos grupos teatrales que han propuesto desde sus diferentes perspectivas. Algunas de las funciones han contado con la sala llena a más de un setenta y cinco de su capacidad. El sueño de las compañías hecho realidad gracias a la seguridad que se respira en el área y a la reputación de la institución anfitriona.
En lo concerniente a lo visual entre otras actividades, los maestros de la Escuela Municipal se decidieron y organizaron su muestra colectiva. Once artistas de distintas edades, que se han volcado con la energía de un titán, a formar una generación de artistas. Una burla, un juego, una crítica en tono de broma fue el acicate para adentrarse e indagar en los hábitos y las formas de relación más enraizadas en nuestra cultura. El TEG, con su misión educativa y David Pérez (de la Escuela Municipal de Arte) complementaron la visión plástica dentro del edificio que lució con distintas propuestas.
Y de la ¿Feria del libro? Bueno, pues quedó enmarcada dentro de esta multitudinaria gestión de visión más ordenada. En el parque central (ese lugar en donde se dieron la mano con ilusión nuestros abuelos y se enamoraron nuestros padres), se pueden localizar desde novedades editoriales hasta joyas perdidas en el tiempo. Con desidia espera que alguien, tal vez un nuevo Luis Luján Muñoz, las encuentre y las lleve a su biblioteca.
El espacio se hizo pequeño. Entre lo que se puede visitar, en Casa Mima, está Pendientes de un Hilo. La muestra más reciente del ceramista Rigoberto Castañeda. No se la pierda. Busque su catálogo en el Centro Cultural Metropolitano.

Mujeres de Santa Rosa

2009-08-17T10:02:00.000-07:00

Durante años, Ingrid Roldán ha dedicado su vida a consolidar valores de la cultura guatemalteca.
Ya en sus reportajes sobre las artes en general o lo relativo al desarrollo de la sociedad guatemalteca —multiétnica, plurilingüe y pluricultural— la fotógrafa siempre ha encontrado el matiz correcto y respetuoso para abordar cada tópico.
Directa y sencilla, Ingrid Roldán atrapa, desde su esencia más pura, el espíritu digno de cada una de sus retratadas. Además del registro en sí mismo, cuenta historias relacionadas con la cotidianidad de la mujer de provincia. De este modo, sin distraerse con discursos panfletarios superfluos, la artista capta lo femenino aprovechando su entorno comunitario y, de paso, la dinámica social y cultural en la que éstas se mueven.
Sí se ha de entender a la mujer como ente formador, es quizás con esta exposición en donde mejor se puede percibir. No importando su circunstancia social, las féminas de Roldán exudan fuerza, determinación y encanto. Si bien la situación sociocultural en la que se mueven muchas de ellas dista de ser la ideal, queda claro que el proceso de deshumanización por el que pasan las latinoamericanas pareciera no vencerlas. Allí están como pilares aportando fuerza motora y condicionando desde su posición de madres, hijas o abuelas. Desde esta perspectiva son verdaderas punteras sociales que trabajan en tareas de hombres sin amilanarse. Fuertes, marcadas por el agobiante trabajo, el mapa de su piel solamente viene a dar otro misterio más a su miradas.
A lo antropológico se suma lo artístico. A la par, la capacidad periodística de Roldán. Adición de valores que provocan por la sencillez de su composición y el balance tonal de negros, grises y blancos. Esta sinceridad de la imagen no solo abre su lectura sin mayores trámites. Provoca por lo vertical, lo frontal del retrato en sí. Es, en otras palabras, un perfil estético lleno de pequeñas sorpresas que no dependen de lo técnico sino del intuitivo encanto que le impregna la autora. Si por un lado las imágenes fluyen, también hay aspectos formales por destacar. En este caso, el encuadre, manejo de la luz y los elementos que caben en esas ventanas mágicas de su trabajo.
Las fotografías de Ingrid Roldán reflejan madurez. La visión que esta profesional posee de su propio entorno. La conciencia plena de pertenecer a una sociedad diversa y llena de aristas. El haberse desarrollado en un campo dominado por varones y conquistar su espacio sin necesidad de codazos, le otorgan una filosofía de la vida que le permite apreciar su entorno como protagonista y no solo como observadora. En este sentido, en sus impresiones, hay un respeto especial que fortalece las imágenes, proponiéndolas como algo natural y no desde esa tendencia actual de exponer la vida de seres humanos desde una vitrina como objetos raros. Esa esencia humana es lo que trasluce en esta propuesta.

José Alfredo Chang

2009-08-10T10:01:00.000-07:00

Se fue un miembro querido de nuestra comunidad teatral. Su muerte, envidiable. Falleció en santa paz de Dios mientras dormía y probablemente, ni se dio cuenta.
En esto fue todo lo contrario a su senda creativa siempre tan llena de vida. José Alfredo era inquieto y activo ya que incursionó en varios géneros y supo sobresalir con talento en distintos campos de la creación individual y colectiva.
Su carrera se inició en 1983 con el musical Hello Dolly. Allí, bajo la dirección Alma Monsanto, nos conocimos y desarrollamos una amistad que se iría entrecruzando personal y profesionalmente a lo largo de nuestras actividad artística. Chang participó en más de cincuenta producciones y su necesidad de expresión le llevó a transitar en los campos de la coreografía, dramaturgia, diseño de vestuario y la exploración de medios experimentales en el escenario.
Entre sus libretos más conocidos destacan Sobre Cascaritas y Cascarones, Sucedió en la Posada de la Estrella, De A a B… Percepciones sobra la vida y Un alto en el Portal de las Cien Puertas, trabajo que escribimos juntos a petición de Consuelo Miranda y que tenía como objetivo un homenaje a Miguel Ángel Asturias y César Brañas… Hay una anécdota y una coincidencia. Esta producción se presentó en el Paraninfo Universitario y una de las obras de Brañas requería campanadas. Alguien de la vieja guardia nos dijo que no se nos ocurriera llevar una campana al escenario y menos con un trabajo que trataba sobre muertos y aparecidos. Por supuesto quién le iba a decir que no a doña Consuelo. Más de alguno de los actores (el chino y yo entre ellos) vimos al hombre que miraba la obra desde el balcón derecho del desaparecido escenario del Paraninfo Universitario. Ahora que volvimos a poner algo de Brañas en escena, es increíble pensar que el estreno de Amor, odios y otras traiciones fue para hacerle un homenaje póstumo a nuestro amigo.
En sus coreografías también están, entre otras no documentadas, las que creó para el montaje de Yerma de Federico García Lorca. Sus logros fueron muchos y entre ellos se lista el premio Opus que alcanzó con el diseño del vestuario de José El Soñador. Trabajo, punto a parte, que se salía del común denominador de lo que se hacía en aquel momento y que brillaba con luz propia por el colorido psicodélico que insufló al montaje. También obtendría la Medalla Millenium por su desempeño escénico.
Malvados, tiernos, mordaces, incisivos, cálidos o cómicos. El abanico de personajes por los que transitó no sólo nos recuerda a un versátil actor ya desaparecido. Nos traen a la memoria al compañero cuya ausencia estamos llorando hoy. En fin, al elemento que siempre crítico sumaba valores a lo que hacíamos.
Tres espacios lo extrañaran especialmente. Artestudio Kodaly, La Escuela Superior de Artes de la Universidad de San Carlos (en donde daba clases y a cuya primera generación pertenecía) y el elenco del Juan Tenorio en donde desempeñaba el papel del Escultor. Descansa en paz, querido amigo.

Estrenamos mañana

2009-08-03T10:00:00.000-07:00

Desde que comencé a hacer teatro, en 1982, mi vida ha sido una mezcla de aprendizajes constantes. Esta senda artística está plena de buenos directores y compañeros talentosos.
No puedo más que anotar que he tenido muchísima suerte. Los libretos han sido diversos y con temáticas variadas, con resultados que siempre aterrizaron en lo humano y todos sus matices, tanto cómicos, como dramáticos.
Desde que llevé a escena La importancia de llamarse Ernesto, Eva Perón y más adelante Textos de adolescentes para adultos, todas con el apoyo y experiencia de Wanda Gabriela Ramírez (compañera escénica y amiga de toda una vida), hubo un resurgimiento de motivaciones y necesidades que estábamos manejando ya una década atrás, con la supervisión de maestros como Luiz Tuchán o la desaparecida Consuelo Miranda.
Fue con Textos que se conformó Aquelarre Teatro Contemporáneo, y con él un equipo que se ha ido enriqueciendo en recursos con rapidez inusitada. Hoy, los integrantes activos del colectivo: Raymundo Rosales, Roberto Arana, Daniela Castillo, Julio De León y un servidor, no salimos de un trabajo y ya empezamos otro. Pero, más importante aún, somos fortalecidos con el apoyo de otros artistas consolidados como Gretchen Barnéond, William García-Silva, Vallardo Díaz, Silvia Carolina Obregón, Carlos Estrada o Francisco Trujillo, entre otros, que creen en nosotros y en lo que producimos.
1649 me acercó a un viejo amigo y compañero de las tablas: William García-Silva. Obviamente el intercambio de inquietudes se convirtió en flujo de ideas durante el desarrollo de Esto no es una pipa. La seguridad de William respecto de que estábamos haciendo arte y su manifiesto interés en que uniéramos fuerzas nos llevó a soñar con un proyecto más ambicioso que los que habíamos hecho hasta el momento. Quien nos despertó del sueño y nos puso a trabajar en serio fue su esposa Silvia Carolina Obregón… de no ser por ella no habría libretos, vestuarios, horarios de ensayo y un cierto orden que entre artistas siempre se traduce a caos.
No me extraña que a nuestra productora, Lorna Stewart, se le parara el pelo por la velocidad con la que tomó forma el proyecto y la inminencia del evento. Ni yo lo puedo creer, estrenamos mañana. Claro, hay que anotar que si existe una obra que cuente con alianzas estratégicas es ésta. Muchos amigos, empezando por mi socio Luis Escobar, y hasta mi papá, nos echaron una buena mano organizativa… el programa de mano es prolijo en donantes: fundaciones como la Monteforte Toledo o G&T Continental, Casa Santo Domingo, el IGA, La Universidad del Valle y el Ministerio de Cultura. Galerías como Carlos Woods, Arthis, las Damas del Club Rotario Guatemala Sur o Casa y Estilo. Colectivos como Hecho en Guatemala o La Torana y nuestros amigos de toda la vida: La Altuna o los editores sobre la obra de María Elena de Lamport, son solo algunos de los nombres que fortalecen nuestro trabajo artístico, y que permitieron el proyecto más ambicioso que he llevado a escena. Un verdadero hormiguero en función de cumplir un objetivo. Llevar al escenario una obra de artistas consolidados como Shakespeare, Plauto, Pardo Bazán, Wilde, Moliere, Laparra. Vega, Schiller, García Lorca, Zorrilla y Édgar Allan Poe.

Álvarez y Grajeda

2009-07-27T09:57:00.000-07:00

Por la inmediatez y la naturaleza efímera de las exposiciones de Luis Álvarez y Guillermo Grajeda Mena (entre otras actividades), estoy dejando para más adelante la segunda parte del artículo sobre Joaquín García y su sala de espectáculos: Solo Teatro.
Luis Álvarez nació el 3 de junio de 1917. Sus estudios formales los empieza en la Escuela de Bellas Artes (hoy Escuela Nacional de artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla) en la década de 1930, bajo la tutela de importantes artistas como Enrique Acuña Orantes, Humberto Garavito y Ovidio Rodas Corzo, entre otros representantes del paisajismo. Corriente a la que se sumaría primero como estudiante y luego como uno de sus más sólidos representantes. Es así como el nombre de Luis Álvarez queda inscrito en la historia y de paso, con el correr del tiempo, como el último representante de los “maestros de la luz” al sobrevivirlos a todos. Para anotarlo más claramente, su nombre cierra un listado que abre Acuña y Agustín Iriarte (ambos nacidos en 1876) y que integran autores como Rafael Pérez De León, Antonia Matos, Alfredo Gálvez, Carmen de Pettersen, Carlos Rigalt, Antonio Tejeda Fonseca, Jaime Arimany o Miguel Ángel Ríos, para citar algunos nombres.
La vida creativa de Álvarez, además de longeva es meritoria. Ya en el rescate del patrimonio de la nación –restauró, entre otros bienes inmuebles, los retablos, imágenes y pinturas de La Merced en Antigua y San Juan El Obispo—, o desde su perspectiva como pintor, donde aporta singulares empastes que le sirvieron para diferenciar las sombras de las luces con un toque personalista y muy especial. Hoy, a sus 92 años, sigue pintando y pueden percibirse variaciones por demás significativas. Don Luis Álvarez es autor de la escena Corte de Café que aparece en el los billetes de 50 quetzales. Su trabajo se exhibe en importantes pinacotecas, como las de los Bancos de Guatemala e Industrial, así como otros museos particulares.
En la Antigua Guatemala, en Casa Santo Domingo, se presentan por primera vez desde que murió Guillermo Grajeda Mena en 1995, una colección de 57 dibujos (incluyendo un autorretrato) pertenecientes a los fondos de la colección MONESCO.
La selección está integrada por piezas de dimensiones pequeñas realizadas sobre papel e incluye trabajos creados en tintas, a partir de los años 1950 hasta poco antes de su muerte. De tal suerte que pueden apreciarse desde dibujos conmemorativos hasta bocetos que prefiguran algunos de sus murales en la Academia de Geografía e Historia y el Museo de la Democracia, Escuintla, hoy en muy mal estado de conservación.
Grajeda es uno de los representantes más vigorosos de la Revolución de 1944, junto a otros artistas vitales de la plástica del siglo XX guatemalteco, como Dagoberto Vásquez Castañeda, Juan Antonio Franco y Roberto González Goyri. Coincidentemente compartió aulas y maestros con Luis Álvarez. La participación de Guillermo Grajeda Mena fue fundamental en el proceso de creación y la fundición de los murales del Centro Cívico. Esta muestra, incomprensiblemente, ha pasado totalmente desapercibida.

Joam Solo

2009-07-20T09:52:00.000-07:00

En varias entrevistas me han preguntado por qué me decidí a hacer teatro serio en un medio que suele ser hostil a las representaciones escénicas de esa naturaleza. Mi respuesta está dividida por varios eventos.
Uno de ellos me lleva a los inicios de la década de 1980, cuando, siendo yo un estudiante de psicología, vi a un entusiasta joven haciendo actividades teatrales en la Universidad Rafael Landívar. Aquel muchacho de abundantes cabellos, tan escasos hoy como los míos, era Joaquín Estuardo García (Joam Solo). Su primer ámbito de acción, 1980 a 1982, lo realizó con el grupo de teatro de la Facultad de Arquitectura, llamado La Mancha.
En 1982 ambos audicionamos para obtener un papel en la obra Romeo y Julieta, que iba a dirigir Ricardo Mendizábal (Q.E.P.D.) en el Gadem. Pasamos la prueba pero yo no pude salir en la obra, así es que tampoco lo conocí personalmente en ese momento.
La casualidad quiso que en 1982 los dos hiciéramos el mismo papel en dos montajes de naturaleza muy diferente en el IGA, uno detrás de otro. Él, en La Casamentera, y yo, al fin, como debutante en el musical Hello Dolly: este rol fue el de Bernabé Tuker. Hasta ese momento realicé el sueño de parecerme a él. Todavía no éramos amigos, pero en mi visión, Joaquín ya era un señor actor. Cosa fácil de comprobar por los registros que existen de su labor.
No fue raro que con su capacidad creativa y formación como arquitecto, también se especializara en escenografías. La primera de ellas fue para Maribel y la Extraña Familia (1984), con el que además obtendría una de sus nominaciones a los codiciados premios Opus, entregados por el desaparecido Patronato de Bellas Artes. Según la información que tengo, a partir de aquellas fechas hizo casi todas las escenografías de los montajes en los que participó.
Como actor ha estado bajo la tutela de innumerables directores: entre ellos destacan los nombres de Guillermo Ramírez Valenzuela, Dick Smith, Ricardo Mendizábal, Judith Armas y Miguel Cuevas (coreógrafos); Luiz Tuchán, Ricardo Martínez, Javier Pacheco, Jean-Yves Peñafiel, solo para mencionar algunos.
También ha encontrado dimensión como director. La Sirena Varada llegó tempranamente en 1988, y un año después su primer montaje para niños. A partir de aquel momento la suma de proyectos creció tanto que llegó por fin la necesidad de tomar sus propios espacios creativos. En otras palabras, adueñarse positivamente de escenarios que supo hacer suyos con propuestas magnificadas desde su visión.
Hay que destacar también el tamaño de Escenográfica, entidad donde ha realizado fantásticos decorados de magnitud inconmensurable y naturaleza diversa. Todo ello desembocó en una nueva etapa. Desde el 2005 tuvo el coraje de hacerse cargo de una sala y fundar Solo Teatro (en la zona 13).
Esto último es un mérito aparte, ya que pudiendo tomar el camino más fácil, optó por trabajos fundamentados en la búsqueda y encuentro de valores artísticos en los que arriesga todo el tiempo su inversión.

Sagrada Familia

2009-07-13T11:30:00.000-07:00

Dentro de un marco de diversidad y respeto universal, el Centro Cultural de España organizó en junio varias actividades que tienen que ver con el tema homosexual.
Argumento delicado porque, además de polémico, suele despertar suspicacias en un contexto en donde “está más de moda el imperativo pastoral que el condicional humano”. La intención del tinglado giró en torno a la “libertad en cuanto a la opción sexual de los individuos y sus propios derechos sexuales”. Frontera que muchos pretenden ignorar con argumentos muy manidos.
El listado incluyó un amplio repertorio que abarcó talleres, cine, exposiciones y otra serie de eventos que atrajeron colectivos muy variados tanto de lesbianas como de gays. Escenarios que pusieron en un primer plano la problemática del homosexualismo en un ambiente en el que se ejerce la discriminación desde cualquier perspectiva que se pueda apreciar. Ya sea por origen cultural, pensamiento ideológico, religioso o la preferencia sexual, sólo para citar algunos campos pantanosos de discusión.
Dos actividades relacionadas con el campo de las artes visuales destacaron y pueden ser aún visitadas hasta el 17 de julio. Una de ellas está localizada en el Centro de Formación (antiguo edificio de la Compañía de Jesús, en Antigua Guatemala). Se trata de Historias de Amor. Según la documentación, la acompaña refleja cómo los artistas han comprendido “un acontecimiento de la reciente historia de los derechos civiles en España: la legalización del matrimonio entre personas de un mismo sexo”.
La muestra es heterogénea e incluye pintura, dibujos, ilustraciones, técnicas mixtas, cómic, fotografía y diseño gráfico. Esto, para reflejar un marco cultural hacia la concienciación y el debate. En esta exhibición anota el curador Pablo Peinado, el arte actúa como cómplice para hacer llegar un mensaje de libertad y normalidad.
Sagrada Familia está en el Centro Cultural de España (Cuatro Grados Norte). Las características de la muestra sacuden la conciencia desde el nombre. La pareja de artistas propone una visión consolidada de las relaciones entre dos varones (Leo, Dani y su perro Piolín) a partir del respeto y la importancia de la estabilidad dentro del hogar. Los autores, Chichiao y Giannone, se adueñan de técnicas tradicionales como lo son los textiles. Paralelismo que no sé si es intencional pero que amarra la homosexualidad con acciones humanas ancestrales.
Bagaje, el guatemalteco, que se aunó a la versión chapina de la muestra, ya que algunas comunidades de tejedores aportaron cuatro “lienzos” de dimensiones y bellezas considerables. Si se deja de lado lo estético, que en esta colección pesa debido a la calidad de los bordados que van contando la historia propuesta, el mensaje lo que denota es una riqueza de vida en la que la plenitud y la seguridad prevalecen sobre los tabúes y otras convenciones. No está demás señalar que algunas de las telas fueron bordadas por un colectivo indígena gay que opera en Atitlán.
En ambos casos —Historias de Amor y Sagrada Familia— habrá varias actividades paralelas cercanas a su cierre. Si tiene interés en asistir o consultar respecto al tema, puede llamar al 2385-9066 / 67 y 70.

Juannio (final)

2009-07-06T11:28:00.000-07:00

Su constante necesidad de formación llevó a Fátima Anzueto a Perú, y más adelante, a Rusia. En Guatemala, más allá de la ENAP, buscó en la universidad nuevos horizontes a los cuales aferrarse…
Su propuesta está emparentada con los movimientos Op art: a partir de una toma general fotográfica, Anzueto recorta un fragmento seleccionado y recompone la imagen buscando una concordia visual, en la que el patrón se repite creando una nueva visión. Ésta, armónicamente compuesta, crea una ilusión óptica vibrante e independiente —similar a las imágenes multiplicadas de los caleidoscopios— que condiciona su lectura y que invita a adentrarse en ella inevitablemente, debido al flujo que producen las retículas que unen cada segmento. Al basarse en un principio que ya conoce bien y luego de una investigación, encontró una analogía para el desarrollo de su trabajo.
Se trata de los óculos que se practicaban en los muros de las fortalezas para espiar hacia la calle. Invirtiendo el principio, es el público el que se ve impulsado a espiar por los puntos de fuga que convergen siempre hacia el centro.
Alejandro Anzueto acaba de tener una notoria exposición fotográfica en Casa Santo Domingo. En este caso se inclinó por la intervención de un objeto —crucifijo—, el cual decoró con vibrantes colores fluorescentes. Y si se ha de pensar en la alusión del Pop Art, también hay que listar en esos contenidos a Christian Cojulún, José Colaj, Abel López, Carlos Pérez, Éver Rodas, Carlos Fitzgerald y Marco Tulio Roquel, quienes, como Anzueto, se apropian de una imagen y la intervienen para obtener los resultados diversos de acuerdo con la realidad de cada autor.
Me agradó encontrarme, entre los seleccionados, a dos de las artistas de hecho en Guatemala, Patricia de Valladares y Pina Pinetta. Ambas autoras, como todo el colectivo al que pertenecen, salieron hace buen tiempo de su punto de comodidad, para empezar a aportar elementos al medio pictórico guatemalteco. Ello, a pesar de la oposición misógina del ámbito. Además de ser líderes positivas dentro del campo de la gestión cultural, ambas pintoras son poseedoras de iconografías y paletas particulares. Como grabadoras también han encontrado eco y material para proponer.
El rubro de artistas invitados se sustenta por obra que pasa por otro tipo de curaduría fuera de concurso. En este caso es el plato fuerte, en cuanto a que la selección se nutre con trabajos de artistas consagrados por la historia y el mercado extranjero. La colección, se nota, fue realizada con una clara conciencia y entendimiento.
Entre la obra de fallecidos hay que destacar el proyecto para el Banco de Guatemala, de Carlos Mérida; Arriba, de Dagoberto Vásquez, y sin título, de Robert Von Zimmerman.
Zimmerman, al igual que los mencionados, fue una de las figuras sobresalientes de Juannio durante la década de 1960. Murió trágicamente hacia 1978, luego de haber producido basándose en referentes locales y extranjeros. Cuarenta y cinco años de una entidad pro guatemaltecos y su dimensión en la sociedad. En apenas cinco años será inscrita como Patrimonio Nacional, y hasta las autoridades tendrán la obligación de protegerla.

Juannio (III)

2009-06-29T11:25:00.000-07:00

Si bien en las tomas de Permuth no abundan los retratos, es a partir de la psicología del objeto y la relación de éste con lo humano como él logra esa identificación entre el observador y la imagen. En su caso particular, puede encontrarse numerosa información sobre su labor en Internet.
Juan Pelayo Castañón (segundo lugar), Beatriz Echeverría y Gerardo Iván Gularte (ambos finalistas) deben considerarse dentro de la corriente emergente, aunque la segunda parece haber pasado ya por una larga formación. Los puestos que alcanzaron son meritorios, pero no tengo mayores puntos de apoyo en otros trabajos de ellos para adentrarme en lo que hacen. En todo caso habrá que indicar que dentro de la caja Cabal, producida en el Taller de Gráfica Experimental (Centro Cultural Metropolitano), hay una referencia anterior muy similar a la “vieja inadecuada” de Gularte Paredes.
Otra pieza muy influenciada, en este caso por la figuración de Marlov Barrios, es la de Sergio Valenzuela. Este artista ha logrado gran difusión de su trabajo en otros eventos de similar naturaleza y en exposiciones colectivas. No solo posee un buen dominio del pincel, sino que maneja con soltura la aplicación del pigmento. Entre sus virtudes destaca su capacidad como dibujante y su entendimiento espacial.
También dentro del bloque finalista están las obras de Enrique Castillo y Luis Enrique Simón, ambos ex alumnos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Castillo, uno de los discípulos más logrados de Daniel Schafer, se asienta como pintor en toda la dimensión de la palabra y con muy buena mano. Intenso en el color y limpio en la aplicación del mismo, ya en lo lineal como en lo que sugiere por medio de siluetas, el autor ha despegado con ideas propias hacia una carrera que luce más que prometedora.
Por su lado, Luis Enrique Simón se desarrolla dentro de un campo más conceptual con un objeto, cuya misión es más la meditación que lo estético. Su ascendiente indígena le lleva por la senda de la memoria histórica. Más que una instalación, este objeto se convierte en un estandarte de ideas relacionadas al conflicto armado y el sufrimiento del pueblo guatemalteco. Bien, en cuanto a que se ahorró elementos (sangre, armas, fosas y otras cosas usuales).
Los seleccionados para catálogo lo abren los hermanos Anzueto. Fátima y Alejandro. Fátima es egresada también de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, y Daniel Schafer la atrajo a su grupo de estudiantes porque encontró en ella capacidad suficiente para interrelacionarse artísticamente con ella.
Es por esto que le dedicaré un espacio especial dentro de esta serie. Su producción se caracteriza por una esencia artesanal y tecnológica. La autora se manifiesta desde una voluntad de armonía absoluta. Condición que se da desde la fusión de inquietudes espontáneas (y aprendizajes académicos) que nutren todo lo que hace. Ya desde sus tiempos de estudiante era visible por su individualidad y la seriedad con la que enfrentaba las misiones que se imponía...
(Continuará).

Juannio.com

2009-06-22T11:25:00.000-07:00

Desde que tengo este espacio en 1996 he escrito, salvo excepciones extraordinarias, sobre Juannio, sus distintas dimensiones y misiones.
Trabajo que podría parecer redundante, pero que tiene el objetivo de hacer conciencia permanente acerca del enorme peso que conlleva para sus organizadores mover una actividad cuyos fines son recaudar fondos para beneficio social sin fines de lucro. Al mismo tiempo y por descontado, cada año se inaugura un escenario singular y serio para las artes del país.
¿Dimensiones? Habilitar guatemaltecos para que se integren en una sociedad que no los comprende y que, en el peor de los casos, los rechaza por ser diferentes es una de éstas. Educar niños especiales en países en vías de desarrollo —como Guatemala, el tercer mundo en su más dramática expresión— es un trabajo que se vuelve cuesta arriba, porque se efectúa a partir de programas muy específicos.
En otras palabras, el Instituto Neurológico de Guatemala o las obras que promueven entidades similares como FUNSILEC o Artes Muy Especiales requieren de una cadena de profesionales que condicione la formación de cada estudiante. Entre éstos destaca el psicólogo que evalúa al niño, el médico que dictamina su estado de salud, el otorrinolaringólogo —por lo general, tienen otros problemas que solucionar antes de entrar de lleno en su formación— y especialistas diversos según el problema más desarrollado que cada uno tenga.
Los resultados, que pocas veces son visibles de inmediato, son grandes triunfos y una labor magisterial que pocos quieren asumir, puesto que para terminar de fregar, es mal pagada.
Aun así, hay maestros de educación especial que toman su “misión” con carácter de apostolado. A lo anotado hay que añadir que, por ser una instrucción personalizada, se hace en aulas acondicionadas y grupos muy reducidos —cinco estudiantes máximo— que puedan presentar algunas similitudes. Como ven, las dimensiones se agrandan en pos de las misiones.
Y el pensamiento va de la mano del regaño tanto para algunos artistas como para sus coleccionistas. Hacer negocios debajo de agua y luego salir felices a proclamar a los cuatro vientos que consiguieron la pieza brincándose las trancas es robarles oportunidades a los niños. Por ello, a estas pujas ya no se invitan a los artistas y se vigila de cerca a los indeseables. Justos han pagado por pecadores. Este es un evento en el que todos ponemos algo de nuestra parte y en el que la ética profesional debe pesar sobre todo. Si usted se pregunta ¿estará hablando de mí?, probablemente es porque lleva su pecado a cuestas.
Producciones artísticas serias. El comité organizador de la subasta trabaja todo el año en la búsqueda de esquemas coherentes de curaduría que puedan dar garantías a los benefactores del Instituto Neurológico. La muestra puede visitarse en el Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida y, aunque la puja ya pasó, aún se pueden adquirir obras en el precio base más un pequeño porcentaje de ley…

Juannio 2009

2009-06-15T11:22:00.000-07:00

Encuesta reveladora

2009-06-08T11:35:00.000-07:00

Hace un par de semanas me llegó a las manos un documento que ya desde el título me llenó de curiosidad.
Era la Primera Encuesta de Público de las Artes Escénicas en la Ciudad de Guatemala, mayo-noviembre 2008, auspiciado por ADESCA. Trabajo que surge como parte del “Taller Integral para el Desarrollo de Estrategias de Desarrollo de Público para las Artes Escénicas en Guatemala, 2008”.
Sus contenidos, en algunos aspectos, me sorprendieron y en otros solo me dieron certezas de experiencias que me son muy familiares, y que más adelante comparto con ustedes.
Ya desde la presentación del trabajo se pueden apreciar los niveles de crisis en los que las artes escénicas formales y los teatros están atravesando. No hablo acá, por supuesto, del redituable jolgorio que gobierna las pseudosalas que contribuyen con la mala educación de los sentidos y el detrimento de espectáculo escénico.
Allí se apunta la teoría de la “enfermedad del costo de las artes escénicas” (mal de Baumol), en la que “mientras la economía global tiende a la reducción de la cantidad de horas hombre para obtener un producto de consumo diario, una puesta en escena (teatro, danza o música) requiere casi la misma cantidad de horas/hombre que hace cien o hasta 200 años, por lo que sus costos, al ser confrontados con la economía global, tienden a subir exponencialmente”. Concluye el párrafo con una idea obvia que ha hecho que muchos artistas escénicos abandonen el trayecto por convertirse en un camino cuesta arriba.
Entonces, ¿cómo financiar un trabajo digno al que por falta de recursos publicitarios pagados va a asistir poco público, y cuyos costos son mayores que las expectativas de cubrir los gastos generados en el evento? O más terrible aún, de dónde va a surgir un salario digno para los artistas que participan de la propuesta si el interés por el teatro serio o de búsqueda no llama la atención desde que la guerra interna lo mató.
Aunque no aborda el tema desde esa perspectiva, eso es lo que refleja el estudio central que, si entendí bien, aún está en su fase inicial.
Any way. Así lo expresarían los asiduos visitantes de los centros comerciales que en su vida han puesto un pie en un teatro… la encuesta incluye una página, la nueve, cuyo encabezado anota “algunos datos notables”. Entre ellos que las salas serias solo llenan una tercera parte de su capacidad a pesar que en el presente se hacen más obras de teatro.
Que la mitad de los encuestados no pagó por su admisión (eso a pesar que solo uno, de cada cinco eventos, es gratuito). Positivo es que el público que va a los teatros (no a los cafés teatros) tiene formación universitaria y, por ende, criterio. Es por ello que quien asiste a las salas va por la rama que se presenta. También está claro que quienes asisten con asiduidad al teatro son otros artistas.
El informe impreso del trabajo se reparte de modo gratuito en las salas de teatro, y lo puede solicitar también a ADESCA, en el Centro Cultural Metropolitano.

DIE AUGEN

2009-06-01T14:54:00.000-07:00

El pasado jueves quedó abierta al público la galería de arte Die Augen (Los Ojos), propiedad del oftalmólogo Carlos León, quien funge como su director.
La nueva sala, que ocupa dos niveles de un edificio, ofrecerá exposiciones periódicas en las que serán incluidos tanto artistas consolidados como emergentes. León creó el espacio como un lugar de apoyo y difusión, para que contribuya a cumplir con la función social que le corresponde dentro del desarrollo de la nación. Además de los usos administrativos y las funciones que tiene una galería, la Die Augen quiere crear una dimensión activa, dinámica, que sea un testimonio del acontecer cultural y que muestre un auténtico perfil de la comunidad a la que pertenece (C. León).
Además del mecenas, hay una figura muy importante detrás de todo esto y que se convierte en una garantía para la seriedad de los proyectos… la directora artística: Julia Vela.
Esta notable de las artes escénicas está poniendo toda su experiencia y energías en matizar una galería que seguramente va a estar marcada por la pluralidad. El catálogo de apertura es el mejor ejemplo ya que, junto con artistas como Rodolfo Abularach o César Izquierdo, se exhiben trabajos de artistas populares de poblaciones aledañas del lago de Atitlán y Comalapa. En este sentido Vela expresa que “Die Augen se ofrece al público como un centro de diálogo y nuevas propuestas conjuntas entre… curadores, críticos, artistas, promotores y marchantes, con la conciencia de que el Arte, como institución occidental, debe replantearse a la luz de nuestra realidad latinoamericana, y sus políticas requieren de una visión democratizadora acorde con la época en la que vivimos, en la que el arte deja de ser un bien de lujo, una pieza de contemplación y colección, para convertirse en una práctica viva y transformadora”.
En el recorrido destacan piezas sobresalientes por distintas razones. El retrato de Olga Arriola, pintado por Dagoberto Vásquez en 1945, antes que él partiera a especializarse a Chile, durante el gobierno de Arévalo, no es algo que se pueda ver usualmente.
En el trabajo ya se pueden apreciar algunos de los elementos de síntesis que el artista fue perfeccionando a lo largo de su carrera. Otro retrato de características destacables es el de un púber realizado por el panza verde José Miguel Leal, en 1906, y que aparece listado como sin título. El trabajo denota a un autor con muchas luces y oficio. Si estudió pintura en Guatemala tuvo que haberlo hecho con los autores cercanos a los artistas que trabajaron para Reyna Barrios y, por ende, con Durini, Doninelli, los hermanos Chávez, Santiago González, los hermanos Penedo y hasta Justo de Gandarias. Por su calidad, sin duda, habrá que investigarlo más a fondo.
De Elmar Rojas hay una acuarela de pequeñas dimensiones de 1969, de cuando existía Vértebra. La obra posee contenidos que demuestran la osadía de Rojas para criticar al sistema y el modo como el autor reinterpretaba sus fuentes de inspiración para crear un universo pictórico paralelo a la realidad. Como los listados, hay otras producciones interesantes.

Serigrafías en la sala Carlos Mérida

2009-05-25T11:54:00.000-07:00

En el marco de “Arte en mayo”, la Fundación Rozas Botrán dedicó un espacio especial a la técnica serigráfica.
Bajo la premisa “por los más necesitados”, se inauguró el pasado miércoles 13 de mayo, en el Museo Nacional de Arte Moderno, una variada colectiva en la que también se incluyen pinturas, fotografías, xilografías y esculturas de diversos autores. La pluralidad que compone el conjunto permite ver trabajos en los que destacan creaciones de esencia popular, pasando por paisajismo y hasta expresiones más contemporáneas. De este modo los artistas se unen a los coleccionistas en una visión humana que pretende ayudar a otros.
La serigrafía es considerada un refinamiento de la impresión con plantillas. Las impresiones más antiguas de las que se tiene memoria provienen de las Islas Fidji y fueron realizadas por los nativos para imprimir telas en un sistema muy primitivo pero eficaz: recortaban patrones en las hojas de los platanares y luego aplicaban tintes orgánicos (vegetales) sobre cortezas y tejidos. Los japoneses llegaron a aplicar hasta cinco colores. La técnica fue evolucionando durante la Edad Media ya que se utilizó, inclusive, para decorar naipes y otro tipo de ornamentos. Esto último se logró gracias a una maquinaria manual más sofisticada en la que se utilizó madera.
El proceso moderno en color se hace por medio del estarcido. Este método consiste en el traslado de un dibujo o diseño de una superficie determinada a otro soporte. Esta manera es utilizada también en la pintura mural para pasar el diseño de un cartón al muro sobre el que se pintará al fresco. Tradicionalmente se realizaba perforando los contornos del dibujo en el papel o cartón con orificios alienados a través de los cuales se señalaban marcas con barritas de hulla o bien se hacía pasar polvo de carbón u otro pigmento. En el proceso manual se fija el estarcidor a una malla de seda —tupida y estirada— sujeta a un bastidor de madera. El color se aplica con un rodillo, uno por vez, esparciéndolo a través de las partes recubiertas de la pantalla.
La maquinaria actual se ha refinado hasta las últimas consecuencias. Sin embargo, cuando el proceso es artístico y no industrial, siempre es necesaria la presencia de un artista que vigile y acompañe todo el trayecto hasta el final. Es allí donde Ramón Ávila, y ahora su hijos Ricardo e Isabel, han jugado un papel fundamental en el desarrollo de la serigrafía en Guatemala.
La colección que hoy se exhibe en esta sala proviene de la empresa familiar Arte Papel, S.A. La misma es parte de una extensa colección que ha sido cuidadosamente producida y que incluye el trabajo de reputados artistas fuera de la república.
Es muy significativo que este encuentro se dé en una sala dedicada a uno de los padres de la gráfica moderna guatemalteca: Carlos Mérida.
Este artista realizó —desde 1928 y hasta 1984 (año de su muerte)— múltiples aportes en el campo del grabado. En este sentido, el Museo Nacional de Arte Moderno de Guatemala posee la colección más importante que existe de toda su producción gráfica.

El ángel de la luna llena

2009-05-18T11:47:00.000-07:00

Desde que el cine surgió en Guatemala, de a poco, se vuelve costumbre ver aparatosos montajes escenográficos en distintas locaciones del país.
Los llamados a castings ya no son tan esporádicos, y la lista de candidatos idóneos, en lista de espera, suele ser muy numeroso. Hay artistas, directores, camarógrafos, guionistas, productores y más. Todo un universo que a penas se está abriendo paso y que se define ya por una fuerza de voluntad y el deseo de hacer.
Si montar una obra de teatro es caro, hacer una película lo es mucho más. El resultado de cada convocatoria es la sumatoria de múltiples dígitos que, por lo grande, puede hacer tambalear cualquier proyecto. De allí que El Ángel Producciones invita al público a compartir créditos en los filmes que produce de modo alternativo. Esto a partir de la subasta de las obras visuales del cineasta, pintor y arquitecto Méndel Samayoa y la de otros artistas que donaron su trabajo para tal efecto.
La convocatoria es para este jueves 21, en la Hacienda Santa Fe (2a. avenida 13-40, zona 10), a partir de las 19.30 horas. Además de las obras y su certificado de autenticidad, el donante tendrá un diploma que lo certifica como mecenas del cine.
¿Quién es Méndel Samayoa? Este chapín comenzó su carrera como fundador de AC&B Efectos Visuales, en los años de 1980. Más adelante, luego de un contrato como director de arte para un equipo chileno, fue invitado a Santiago de Chile, en donde permaneció 10 años. Allí, según las notas curriculares, aprende “la disciplina y el rigor de una industria real, la tecnología de punta de un país bien provisto y el arte de Screenwriting”, que marcan hoy su perfil en el medio. Es a partir del cambio de milenio que comienza con una serie de éxitos que le posicionan como aquilatado artista y que a la vez hacen visible el cine guatemalteco en el panorama internacional. Entre su filmografía ya como director, productor o creativo se listan los títulos Donde acaban los caminos, Felonía, Advertencia dual, Looking for Palladin y La paciente.
Es a partir de esta experiencia visual que su trabajo plástico se enriquece y toma una dimensión diferente. En ella suma créditos, además de lo expuesto, tanto su experiencia con la fotonovela popular Pasión por un beso como por su videocómic Sweet Dalila. Ambos géneros han sido poco explorados por otros profesionales en este país.
El Ángel de la Luna Llena Cine Independiente o El Ángel Producciones es una entidad que ha alcanzado notoriedad, debido a una serie de reconocimientos entre los que se listan por lo menos ocho premios Ícaro (2004-2008), el ser finalista en las selecciones de Strasbourg, Francia y Nueva York Latino Film Festival (2008), dos Orlando Hispanic Festival (2008) y el estar seleccionado para participar en otra serie de festivales alrededor del mundo. Esta empresa la codirige con Cecilia Santamarina, quien también posee una trayectoria apreciable en el medio. Solo resta apuntar que la idea de esta columna es la de resaltar que para que nuestro cine siga su camino es necesario darle un empujoncito. No falte. Su presencia es vital.

Y... ¿El show debe continuar?

2009-05-11T11:37:00.000-07:00

La fragilidad del espectáculo escénico. Es una idea recurrente que me ha estado dando vueltas en la cabeza desde hace semanas debido a una serie de eventualidades dispersas, disímiles y desconectadas que desembocan todas en este pensamiento fatalista.
Hay diversidad de espectáculos que se desarrollan sobre un escenario. El éxito de la empresa, al menos en Guatemala, pareciera radicar más en la cantidad de plata que se utilice en promocionar el evento y no en la calidad del mismo. Una buena obra de teatro, de búsqueda, debería y debe depender más de otras cosas que de la publicidad. Por ejemplo, una crítica bien fundamentada obra milagros en Europa, EE. UU., la Argentina o México. Acá, sin embargo, hay mucha gente que ojea los medios de comunicación todos los días que jamás se detiene en los contenidos y jamás capta los esfuerzos que hacen los editores y columnistas de opinión por orientar al lector hacia otros derroteros.
La semana pasada partió para Estados Unidos, ya agotado de buscar espacios, oportunidades y el reconocimiento que se merece, un excelente actor, dramaturgo, escenógrafo y sobre todo, director de teatro: Mayro de León. Dicho sea de paso, este multitalentoso hombre también es pintor, escultor y cineasta, ¿qué es lo que hace que otros con menos luces logren llegar a metas que verdaderos artistas, como él, no alcanzan?
Hace un par de semanas, la doctora Lucrecia Méndez de Penedo (URL) convocó a Alfredo Porras Smith, Guillermo Ramírez Valenzuela y a mí, para que platicáramos con los estudiantes del doctorado de Literatura Hispanoamericana sobre nuestras experiencias como teatristas. Tres generaciones bien diferentes y resulta que, salvo las vicisitudes históricas de cada momento, todos hemos enfrentado problemas similares.
Nuestros casos, sin embargo, son muy diferentes al de Mayro debido a que, a pesar de que lo que hacemos no es el show instantáneo que abunda por todos lados, por alguna razón sí contamos con espacios en los que podemos expresar nuestros hallazgos creativos. Somos, probablemente, excepciones, y eso no quiere decir que no nos cueste luchar. Más allá de haber llegado al punto de confianza absoluta, tenemos claro que si cejamos en este momento nuestra labor quedaría en el limbo, como la de tantos otros.
En otro orden, pocas veces había pensado que una catástrofe podría afectar dramáticamente la situación de las artes escénicas. ¿Una catástrofe? Ninguno de los dos huracanes que asolaron al país recientemente perjudicaron nuestro ritmo de trabajo pero… ¿y si el enjambre de temblores de hace unas semanas se hubiera materializado en un terremoto? Y lo impensable, ¿si una temporada se ve afectada por la amenaza de una pandemia y esto termina de espantar al público de las salas? Hasta la fecha, en los 27 años que tengo de hacer teatro, jamás se me había pasado por la cabeza la ausencia total de público. Tal vez el pensamiento que más me atormenta es que si se dejara de hacer teatro —hablo de los trabajos efectuados con conciencia absoluta del hecho artístico con todas sus premisas y logros— ¿lo notaría la Historia? ¿Lo extrañaría alguien?

Esto no es una pipa

2009-05-04T11:29:00.000-07:00

En los martes de teatro experimental, Guillermo Monsanto presenta una adaptación de la obra Esto no es una pipa, original de Eduardo Halfon, acerca de la vida del pintor Carlos Valenti.
Valenti es un artista enigmático e interesante: falleció muy joven (a los 24 años), su pintura abre un ciclo en el arte del siglo 20 guatemalteco y en vida se relacionó con artistas y escritores muy importantes.
La obra trata, de esa relación entre personajes y la trasmisión de la visión que esos protagonistas tenían de Valenti. Desde esa perspectiva Halfon creó una ficción en la que se recrean las acciones y pensamientos artistas como Rafael Arévalo Martínez, Agustín Iriarte, Carlos Mérida, o Rafael Yela Günther.
El guión se desarrolla en distintos tiempos narrativos, lo que representa un reto tanto para la dirección como para la actuación ya que los actores brincan, en una sola escena, al futuro y al pasado. Diez actores y una actriz tienen la misión de plasmar en escena una trama profunda, que fluye entre los siglos 19 y 20. Se presenta los martes de mayo y junio en el teatro IGA, a las 19 horas.
Admisión Q50.

Elena Paz y Paz

2009-04-27T11:19:00.000-07:00

Desde el pasado miércoles se exhibe -en la galería “Lucía Gómez, Arte Contemporáneo”- la retrospectiva de la artista Elena Paz y Paz.
La colección reúne múltiples piezas entre esmaltes, esculturas, pinturas y collages. Técnica, la primera, que domina sobre toda la muestra y que marca de especial manera la trayectoria de la activa autora.
Entre el anecdotario de una larga vida llena de compensaciones hay una historia que me llamó especialmente la atención ya que perfila su temple. Cuando terminó la formación como maestra de educación primaria no podía ingresar a la universidad porque se necesitaba el título de bachiller y éste no estaba disponible para señoritas. Por lo mismo se matriculó, no imagino cómo lo logró, en el Instituto Nacional Central Para Varones junto con otras dos jovencitas. En la San Carlos obtuvo, por supuesto, la Licenciatura en Pedagogía.
Elena Paz y Paz empezó su tránsito por las artes, precozmente, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Más adelante, en la década del cincuenta, exploró las bondades del óleo al estudiar y representar el trabajo de grandes maestros de la pintura universal. Poco después, trabajó la escultura y se adentró en temas eminentemente estéticos que tomaron como base la figura humana y algunos de los elementos que la componen. De este lapso surgen dos monumentos públicos. El de Belarmino Molina, desaparecido tras el terremoto de 1976 y que se localizaba en el parque central del Municipio de San Juan Sacatepéquez y el otro, una madre con su niño frente al edificio de Maternidad del Hospital Rooselvelt en la zona 11.
Las inquietudes y la necesidad de seguir explorando la llevaron al artista chileno Eduardo Gaya. En aquel lapso, 1962-1967, compartió inquietudes de formación a la par de artistas guatemaltecos como González Goyri (Roberto), Garavito y Ochaeta. Estuvo con ella otra personalidad hoy olvidada de la técnica, quien también desarrolló hasta las últimas consecuencias el esmalte: Marta Duran de Schwank.
El Batik y la Joyería llegaron en los años setenta cuando radicó en la ciudad de Kansas (USA). Conocimiento, este último, que la llevaría a proponer obras mixtas que le darían un carácter personalista a su producción la cual llegó a incluir trabajos con plata a la cera perdida. De aquella época hay, inclusive, objetos de carácter utilitario como cofres, espejos así como diversidad de collages. En plena producción le tocó enfrentar el secuestro y posterior recuperación de su esposo. Con él partió temporalmente a Belice y allí, debido a las limitadas posibilidades de conseguir materiales para hacer esmaltes, retoma el pincel para adentrase en la pintura de paisaje y en una serie de retratos familiares cargados de la nostalgia íntima y dolorosa proporcionada por el exilio y la forzada separación de los suyos.
Su exposición es, entonces, el resumen de una vida diversa y bien fundamentada. El guión museográfico permite ver encuentros, aciertos y propuestas sintetizadas desde la perspectiva de una artista en constante evolución. En su producción se pueden apreciar un perfil de síntesis y de color específicos y por ende, muy propios.

Luna de Herrera

2009-04-20T10:29:00.000-07:00

Hablar de una artista del siglo XIX a la cual se le reconozca su lugar dentro del exclusivista mundo masculino de las artes nacionales no es nada común.
Que su legado haya trascendido hasta el presente y que en distintos momentos haya sido discutido, registrado y comentado en importantes retrospectivas como 100 años de retrato en Guatemala (Fundación Paiz), o los compendios de la Academia de Geografía e Historia, tampoco es usual. En el presente, Silvia Herrera U. lleva a cabo otra investigación que será presentada al público en breve, auspiciada por la Fundación Pantaleón.
Esta fundación es una organización privada apolítica, cuya intención es fortalecer el avance de las actividades económicas del país. Fue fundada en 1992 por iniciativa de los accionistas de las organizaciones de los Ingenios Pantaleón y Concepción. Desde su perspectiva impulsan programas específicos que apoyan el desarrollo educativo, social y económico del país, en especial en el área rural guatemalteca. Al mismo tiempo pertenece al Consejo de Fundaciones Privadas de Guatemala (CFPG), una organización que comparte metas similares con otras organizaciones no gubernamentales.
Esta entidad, entre múltiples funciones, proyecciones y misiones, cerró un importante convenio de intercambio con la Universidad de Texas (EE. UU.) y su Departamento de Investigaciones Mesoamericanas. Su función será la de albergar a académicos de cualquier nacionalidad que investiguen disciplinas relacionadas con el arte en sus distintas manifestaciones, la cultura social y la escritura prehispánicas.
Para ello restauraron, con todos los requisitos de ley previstos por el Consejo de la Protección de la Antigua Guatemala, una propiedad que data de finales del siglo XVII, la cual arquitectónicamente es un museo en sí mismo. Según la información que aparece en las páginas web de la referida universidad, La Casa Herrera funcionará como un sitio flexible e interdisciplinario, donde los eruditos pueden construir y presentar grupos de estudio, simposios, reuniones, exposiciones y conferencias. Además, mantendrán una biblioteca y un laboratorio tecnológico.
En este marco académico, la Fundación Pantaleón se decidió por el rescate definitivo de la obra, memoria y dimensión histórica de la artista Delfina Luna. El equipo interdisciplinario que ha trabajado en el proyecto (Silvia Herrera, Ileana y Carlos Gálvez, de Foto Europa, los restauradores Lucía Pérez y Efraín Contreras y mi persona); el celo de los contenidos de la investigación correspondiente y las consecuencias que pueda causar la reunión de las piezas de esta artista, serán la segunda parte del proyecto que seguramente seguirá creciendo. Trabajo, todo, que desvela indicios apasionantes que vuelven al presente una figura muy lineal y especial del siglo XIX.
La Sala Delfina Luna de la Casa Herrera cuenta, de momento, con 25 pinturas de diverso género y dimensiones variables. Destacan retratos familiares y religiosos, entre otros géneros. Dejo, para no quemar contenidos del libro, otro par de columnas dedicadas a esta artista.

Dos nuevos libros

2009-04-13T10:28:00.000-07:00

Casi simultáneamente se entregaron dos novedades editoriales —de lujo— enfocadas en el conocimiento de imágenes, ornamentos y tradiciones católicas guatemaltecas: Nazarenos de Guatemala y Contemplaciones.
La primera es obra del fotógrafo José Carlos Flores y se centra en el registro de 23 tallas del Nazareno localizadas en templos de todo el país. Esculturas, todas, que son únicas en cuanto los sentimientos individuales de los artistas que las crearon. Por lo mismo están consideradas como trabajos de belleza extraordinaria y eslabones fundamentales en la historia y la estética del arte nacional.
Entre las características que potencia el libro Nazarenos de Guatemala, repunta el énfasis que Flores hace respecto de los complementos en cada obra. Tanto su orfebrería, como las túnicas, bordados y elementos suntuarios que engalanan las imágenes, resaltan a la par de las peculiaridades del encarnado y características físicas de las estatuas. Detalles que ofrecen una visión poco usual y propician un encuentro más íntimo. Además de identificar la locación exacta de las piezas, brinda un valioso material que permite seguir el rastro de la obra desde el momento que fue creada hasta el presente. En este sentido cada Señor posee su propia y apasionante historia. Uno de los segmentos especiales del libro es el dedicado al Niño Jesús Nazareno de la Demanda. La sutil belleza de esta creación es incomparable, lo que se hace más visible gracias al esmero con el que fue presentado. Como corolario, el autor reseña los usos procesionales y los momentos relevantes que las esculturas tienen dentro del calendario cuaresmal. En apoyo de la base documental se encuentran las acertadas colaboraciones de Carlos Enrique Berdúo y Mauricio Chaulón.
Contemplaciones, por su lado, reúne un valioso material analítico de la historia, arte y cultura de la Semana Santa guatemalteca. La dirección y origen del proyecto estuvo a cargo de Felipe Aguilar quien compartió créditos, en la investigación de campo, con el académico Johann Melchor. A ellos se sumó un equipo interdisciplinario que contribuyó con el rigor de la obra.
Las visiones del pasado y el presente abundan desde perspectivas que no olvidaron la especial topografía guatemalteca. Fotografías antiguas presentan de modo didáctico el ayer de la tradición nacional y el esfuerzo de las cofradías para impregnar de mayor dignidad una festividad que está más que enraizada en el corazón de los católicos. Panorama que se multiplica ampliamente ya que en la ilustración contemporánea participaron muchos de los mejores fotógrafos del país.
Entre tanto capítulo destacable hay uno que me llamó mucho la atención: “Consideraciones prehispánicas alrededor de la Semana Santa”. Éste fue desarrollado por Juan Antonio Valdés. En él se adentra en una profunda investigación, bien articulada, sobre las procesiones prehispánicas que fortalece con imágenes extraídas de murales y vasijas arqueológicos precolombinos. Otros créditos que fortalecen el proyecto son los nombres de Alfonso Molina, José Belgara, Julio Orozco, Haroldo Rodas y Miguel Álvarez Arévalo, entre otros.
Ambos libros, ya para terminar, son verdaderas joyas y constituye documentos indispensables dentro de toda biblioteca. No espere para tenerlos.

Camino al Gólgota

2009-04-06T10:24:00.000-07:00

Edwin Castro está exponiendo su obra reciente en el Cantón Exposición de G&T Continental.
Este artista es además de fotógrafo, reportero y periodista. Su labor repunta por sus constantes contribuciones al campo de las tradiciones y el folclor de Guatemala. Temas que han sido exaltados por medio de diversidad de reseñas periodísticas y conferencias en entidades educativas, culturales, religiosas y diplomáticas.
La Semana Santa y toda la actividad relativa a ella, es una de las inquietudes que registra con más constancia. Con esta exposición se apunta méritos significativos en la rama de la instantánea de ocasión debido a la dimensión con la que propuso un tema por demás recurrente. Tiene ojo y no desaprovecha el momento propicio para sacar “la foto”. Si por un lado se pueden calificar muy bien sus impresiones desde las perspectivas del color y la composición, se hace necesario señalar que es por otros valores que la colección se desborda.
La muestra está constituida por una sucesión de hallazgos afortunados desde donde propone su visión de espiritualidad. En otras palabras, no es una exposición más sobre la fecha y las posibilidades estéticas que la misma ofrece. La serie, entonces, trata sobre las personas y el modo como exteriorizan el sentimiento de su fe. Sentimiento qué, sin duda alguna, es parte integral de las inquietudes de autor porque logra trasmitirlo muy bien.
En lo personal he de reconocer que el encuentro con la exposición me llegó por dos hechos ajenos a la misma. El primero de ellos fue el haber visto a un muchacho muerto dentro de su carro en pleno corazón de Cuatro Grados Norte hace una semana. El de boca en boca –que en este país funciona demasiado bien- asevera que le suministraron una sustancia narcótica para robarle. Algo creíble por todo lo que se escucha y se lee. El segundo llegó con las notas rojas que aparecieron en los medios de comunicación la semana que se inauguró Camino Al Gólgota. Reportajes que cambian de protagonistas pero que, en lo que toca a la seguridad y los derechos que afectan al ciudadano promedio, no han variado un ápice desde hace mucho tiempo ¿Alguien sabe si ya se esclareció el asesinato de la pianista Dorothy Áscoly? Disquisiciones que al contraponerlas con la invitación del evento me impactaron porque, como ya anoté, los protagonistas que aparecen en la imagen eran una buena porción de chapines ejerciendo su derecho a vivir en paz y a desarrollarse libremente dentro de sus creencias.
El recorrido de Castro se convierte, desde esta perspectiva, en un camino de luz en el que todos los involucrados trabajan en cordial convivencia. Un mundo paralelo y multitudinario que eclipsa las noticias y que refleja a un pueblo capaz de coordinarse para hacer las cosas bien. Amén de la Dolorosa, el Jesús de la Merced y dejando de lado que el artista tomó como referencia una actividad católica, las dieciséis fotos demuestran con mayor fuerza que somos un pueblo que queremos vivir en paz, libertad y que todavía hay esperanza.

Artistas contemporáneos (2da. parte)

2009-03-30T10:20:00.000-07:00

José Manuel Mayorga retrató con su teléfono celular un cuadro familiar —en este caso, el equipo cercano a Cultura Hispánica— que se ajusta a una visión romántica del siglo XIX.
De allí surge la coincidencia de su fotografía con los estatutos planteados desde la Alianza Francesa y la organizaron de la disímil reunión de los artistas con sus propuestas. En otras palabras, Mayorga no trabajó por el encargo curatorial, sino que localizó en su repertorio trabajos que dialogarán con la idea planteada por Gérard Saurin.
Otra obra de Mayorga hace honor a su trabajo visual. En ésta reemplaza “las bañistas” de Cézanne por las fotos de unos adolescentes bañándose en una rivera acuática. Ahí investigó en la biografía de Cézanne y encontró un pasaje de su juventud relatada en un texto de Émile Zola. En el charco verde —nombre de la obra— las formas y el lenguaje del cuerpo se traducen en una escena iluminada por la luz de la tarde, a orillas del gran lago de Nicaragua, en la Isla de Ometepe, donde tres jóvenes disfrutan de baños de sol y agua, mientras las horas pasan y se acerca el momento de despedir un año que termina (José Manuel Mayorga). De nuevo hay espacio para la metáfora y un campo lúdico para la especulación.
Con el tema de Las bañistas, Ricky López optó por una propuesta más literal, plena de color, donde lo técnico toma un papel preponderante. En Libre Ocaso la naturaleza es protagonista, al ser violentada por la presencia de una musa y su instrumento musical. Éste está colocado en la sala de exhibiciones queriendo ser parte de una instalación. Otra artista que se inclinó por un trabajo fiel a la realidad fue Clara de Tezanos. Para ello creó toda una escenografía, muy detallada y gráfica, del lugar del crimen (de Marat). La ambientación, elocuente por sí misma, no deja nada a la imaginación aunque no se desmerece ante los contenidos del resto ya citado.
Más difícil la tiene el trabajo de Alexander Chavarría Zuleta. Pese a las dimensiones de éste, su mural no deja de ser un híbrido obvio del trabajo de Marlov Barrios y Walterio Iraheta. El único punto que puede destacarse (si se quiere ser bondadoso) es el de la violencia y el autorretrato que el artista ha recalcado desde su asalto y agresión en un autobús capitalino. En este sentido se puede interpretar un dolor interno aún no resuelto.
El trabajo en general posee una carga intelectual que se hace difícil de resumir en dos columnas —por ello hay hojas guías que facilitan su comprensión a los neófitos e incluso a algunos iniciados en la sala de exhibiciones—. La muestra es recomendable porque maneja lenguajes contemporáneos y se basa, como anoté la semana última, en un elaborado pensamiento curatorial. Es de resaltar tanto el guión museográfico como la museografía correspondiente de Enrique Castillo.

Artistas actuales

2009-03-23T01:10:00.000-07:00

En la Alianza Francesa se presenta la colectiva Artistas Contemporáneos de Guatemala y Maestros Franceses.
Ya desde allí se puede intuir que la reunión obedece a un diálogo matizado desde una puntillosa perspectiva curatorial. Charla que en apariencia se desprende, con notable independencia, de otras convocatorias europeas como la celebre Picasso y los Maestros.
El ejercicio reflexivo tuvo, entonces, el objetivo de honrar a creadores franceses de los siglos XVIII y XIX a partir de una meditación profunda resultante de una selección particular: Marat assassiné / Marat asesinado (1793), Jacques Louis David; Le radeau de la Méduse / La balsa de La Méduse (1819), Théodore Gericault; L’atelier du peintre / El estudio del pintor (1855), Gustave Courbet; Le déjeuner sur l’herbe/ El desayuno en el prado (1863), Edouard Manet; L’exécution de l’Empereur Maximilien/ La ejecución del Emperador Maximiliano (1867), Edouard Manet; Baigneuses / Bañistas (1874-1875), Paul Cezane.
La convocatoria para la contraparte guatemalteca incluyó la posibilidad de expresarse en distintas disciplinas de la amplia gama de las artes visuales y dejó como requisito explicito, el ser residente en este país.
Fátima Anzueto tomó como soporte la herramienta del videoarte. En este caso utiliza un texto íntimo de Marie Anne Charlotte Corday que trasluce, según la autora, una pauta abstracta que va definiéndose a partir de una secuencia de imágenes textuales. Éstas, en referencia a un objeto concreto -caja de madera- que termina siendo el ente simbólico de la obra. Año Dos, La partida del ciudadano reinterpreta la obra de David centrándose en el texto de la carta que tiene Marat en la mano, en el cual aparece el nombre y apellido de su asesina… (Gérard Saurin).
Dulce Bocado, de Audrey Houben, se adentra en los terrenos de la meditación. La ¿instalación? casi podría pasar inadvertida de no ser porque el tema que trata golpea por sus contenidos asimilados desde la cruda realidad. Su cavilación gira torno a la violencia mortal y sus estadísticas por género y edad. El tema de partida –La balsa de la Medusa lo escogió “porque nuestra nación, nuestro barco, nuestro cuerpo, nuestra alma, están a la deriva…”
Gérard Saurin acota que más allá de una postura sociológica, política o ecológica muy afirmada, fuera de toda estética convenida, la obra de Audrey Houben plantea nociones artísticas pertinentes entre las cuales se podría señalar interrogaciones respecto a la permanencia de la obra de arte y a su temporalidad, su relación al mercado, su impacto y/o su relación con el público (parafraseado).
Siempre lúcido respecto a lo conceptual, José Manuel Mayorga, demuestra los alcances de sus discursos metafóricos con Estudio Ambulante. En ese caso la propuesta no solo juega con la sutil idea de una hipotética invasión del poder español (cultural) dentro del homónimo terreno francés. Acción ésta, si se quiere, obvia para el que se mueve en los territorios de galerías de arte. Al mismo tiempo y producto de una situación espontánea, según parece, alcanza a crear una imagen que con simplicidad se ajustaba a los perfiles para estar en la exposición…

Arte Subasta 09

2009-03-17T16:12:00.000-07:00

Desde hoy se puede visitar, en el Museo Ixchel de Traje Indígena, la pinacoteca que el Club Rotario Guatemala Sur propone para su subasta anual.
Esta actividad se inició en 1975 con el fin de recaudar fondos para ayudar a forjar un mejor país. En el presente la entidad fortalece las misiones de instituciones como FUNDAMEX que se hace cargo de niños superdotados de escasos recursos, La Fundación Castillo Love cuya misión ha sido alfabetizar niñas del área rural y la Fundación Fernando Iturbide que ha desarrollado un programa vital en la prevención del VIH que incluye visitas a espacios poco visitados por otras entidades sanitarias de carácter público. Es de esta forma que tanto rotarios como iniciativa privada, artistas y coleccionistas, se solidarizan para cumplir varios fines por demás plausibles.
La selección ofrece algunas variantes en cuanto a los creadores emergentes. En este sentido se pueden encontrar alternativas de productores desconocidos que pueden ser considerados como verdaderas promesas y por ende, inversión a largo plazo. También hay obra para los que buscan trabajos de artistas consolidados. El listado lo encabeza, el decano de los pintores de Guatemala, José Luis Álvarez (1917) quien es considerado el último impresionista vivo del siglo XX y cuya obra suele centrarse en los contrastes de luz sobre los históricos muros de la ciudad de Santiago, la Antigua Guatemala.
Con él exponen autores de generaciones más recientes como el matérico César Izquierdo, Eugenia Beltranena, César Barrios o Alfredo García. Todos ellos con aportes a la historia del arte del país en las distintas expresiones por las que se han adentrado.
Entre los grabadores destaca la obra de tres autores: Guillermo Maldonado, Francesca Pitzo y Mónica Torrebiarte. Aunque los tres están proponiendo desde el estampado xilográfico, los resultados individuales quedan a la vista. Maldonado se focaliza en dos temas que son recurrentes en él; la fauna y lo urbano, ambos manejados con una soltura que los hace sobresalir entre toda la colección expuesta.
Las impresiones de Pitzo también incluyen una visión zoológica. Su perspectiva tiende a buscar un universo idealizado muy cercano al concepto que podría tenerse del Jardín del Edén. Asimismo exalta la figura femenina como entidad trascendente en la naturaleza.
Torrebiarte por su lado sigue ahondando a partir de su serie “Otro Reino”. Sus respuestas las presenta desde las perspectivas delicadas del entomólogo. En lugar de imprimir sobre papel lo hace sobre delicados brocados.
Es mucha la oferta en esta actividad. Escultura, pintura, grabado y una ingeniosa instalación al estilo Warholiano. Entre las primeras hay que localizar con especial atención una talla directa sobre mármol naranja realizada por Diana Fernández. En pintura hay más de ochenta opciones y entre ellas, una especial recomendación personal. Se trata de la vibrante acuarela de Teresa María Ceballos porque además de dominar la técnica sin problemas, propone. En el grabado, además de lo mencionado, hay una serigrafía firmada del fallecido maestro Dagoberto Vásquez Castañeda. Vale la pena recordar que la subasta tiene como finalidad una acción loable. Sea usted cómplice de ella.

Oswaldo Cercado en Galería Guatemala

2009-03-09T16:09:00.000-07:00

La Fundación G&T Continental, en alianza estratégica con otras entidades culturales, le rinde un merecido homenaje al desaparecido artista Oswaldo Cercado (1942-2008).
La muestra se inaugurará hoy 9 de marzo, a las 19 horas, en la Galería Guatemala (6a. avenida 9-08 zona 9 ubicada en el vestíbulo del banco G&T Continental).
Aunque era originario del Ecuador, nacionalidad que siempre lució orgulloso, se le considera también artista guatemalteco debido a la pasión que sintió por Guatemala y sus aportes a la evolución del paisaje tradicional. Su enamoramiento por esta nación le hizo radicar acá desde 1969. También, desde ese momento, empezó a manifestarse por un paisaje más sintético, pleno de vibrantes coloridos, que fueron desembocando en visiones surrealistas de parajes y localidades del occidente, Antigua Guatemala, las costas del Pacífico y el Atlántico, además de la Capital y los caseríos de sus municipios.
El legado que dejó tras de si pesa tanto por sus contenidos como por lo prolijo y generoso de la paleta. Reflejo, sin duda, de la seguridad que el autor poseía tanto en la aplicación y mezcla de colores sui géneris, como en la certeza absoluta del trazo. A su labor se suma el hecho que llegó a reunir una importante pinacoteca de artistas nacionales.
“Su formación la realizó en la Escuela de Bellas Artes de Guayaquil entre 1957 y 1964. Cuatro años después expuso colectivamente en la Universidad de San Carlos, la Casa de la Cultura de Quetzaltenango, el salón de la Asociación de Periodistas y desde 1973, en la galería de arte El Túnel, entre otros salones oficiales, particulares y propios” (Prensa Libre, 24 de noviembre de 2008).
Conocido por el amor a su familia, al vino, los amigos, la vida y la pintura, Cercado además de creador visual también fue docente. Trabajo al que siempre se volcó con infinita energía, sabiduría y bondad. Con Cercado hasta el más limitado se convertía en pintor. Su taller fue siempre un cálido receptáculo de farándula y discípulos.
Las pinturas que hoy se exhiben provienen principalmente de una colección particular. El curador que la reunió posee ojo y garbo, cosa que queda muy claro al ver todos los cuadros reunidos. Muchos de ellos fueron creados entre el 2007 y 2008, año este último en que Cercado falleció. Los lienzos dejan a la vista una riqueza pletórica en color. Se aúna a lo apuntado, siempre, su visión particular del paisaje rural y urbano que, aunque muy característicos de él, demuestran que como artista aún andaba buscando y aportando significativas variantes.
Entre las vistas que se presentan hay una de Antigua Guatemala. Ésta me llamó especialmente la atención porque me lleva a una ciudad en la que crecí y que es muy al caótico orbe que hay en la actualidad. A los óleos de este orden se suman dos dibujos femeninos a carboncillo de los años sesenta y una tinta de sus célebres mercados. Sea pues este homenaje para rendirle tributo a quien con su creación, se lo brindó más que positivamente a este país.

El tesoro de La Merced (3a. parte)

2009-03-02T16:05:00.000-08:00

Como ya señalé, entre los múltiples tesoros que resguarda el Museo de la Merced se encuentran importantes trabajos en formatos domésticos.
Este tipo de obra por lo general se localiza todavía en propiedad de particulares y fueron encargadas a los talleres escultóricos porque estaban relacionadas directamente con las devociones familiares. De allí su nombre. Guatemala, hay que tenerlo en cuenta, posee un lugar especial en la historia del arte latinoamericano debido a su imaginería, así como México y Perú con la pintura.
Las piezas citadas en el artículo anterior: “Piedad”, “Virgen de los Desamparados”, “San Ignacio de Loyola” y “Descendimiento” encabezan la lista de otras igualmente importantes. Los creadores de aquel momento eran artistas que trabajaban con modelos dictados por la Iglesia y especialistas calificados desde los cánones de la Santa Inquisición y las Academias correspondientes que los acreditaban. El procedimiento era recibir desde Europa (o México) un grabado con la imagen a desarrollar. A partir de este modelo el artesano, ya fuera pintor o escultor, agregaba elementos personales para insuflar su personalidad a cada trabajo.
En el caso de la estatuaria participaban varias manos. El escultor tallaba los modelos que luego eran intervenidos por él o los encarnadores valiéndose de un efectivo proceso en el que se utilizaba ubre de cordero para la aplicación del encarnado. Otro artesano se encargaba de aspectos pictóricos que complementaban detalles relacionados con heridas, moretes, cejas, lunares u otras marcas específicas de cada santo y también de los ropajes. Cuando estos últimos tenían “estofados” en oro o plata, intervenía otro autor.
Si en el conjunto se incluían detalles ajenos de orfebrería, pues también un joyero. Sumario que redundó en una refinada producción tanto de uso eclesiástico como particular. La pintura probablemente no eran tan complicada pero cuando era de grandes dimensiones se producía en un taller con ayudantes y aprendices. Fue un momento muy especial para las artes del país y en este museo están ambas disciplinas muy bien representadas.
El “Descendimiento”, para regresar a la imaginería doméstica, es un caso muy particular dentro de la colección mercedaria ya que es todo un relato, muy detallado y compuesto de múltiples piezas, de un pasaje de la vida de Cristo. Siete personajes bíblicos asisten a la Virgen María en el descendimiento de Jesús de la Cruz. Aparte del contenido simbólico para los católicos, la escena dramática es una suma de psicologías vertidas a la madera con magistral energía. Su composición corresponde al Barroco y el modelo fue una pintura (estampa) de Rubens. Comparando la pintura con el trabajo anónimo que se exhibe en Guatemala, se puede percibir la dimensión de los autores que realizaron el conjunto escultórico. Para una verdadera obra de arte, no importa el tamaño. Pensamiento este último que se puede aplicar a otras piezas en mayor formato como la “Santa Ana con la Virgen”.
No hay artículo que pueda reflejar tanta riqueza. Recomiendo comprar la reedición del libro El Tesoro de la Merced y averiguar cómo fortalecer al patronato que custodia tan valioso legado.

El Tesoro de la Merced

2009-02-23T15:51:00.000-08:00

Anoté la semana pasada que el jueves 12 de febrero visité el Museo de la Merced. También sugerí que el inmueble colonial que lo alberga es un testimonio en sí mismo y la colección que allí se exhibe, digna y reveladora de la capacidad de sus arquitectos y artistas.
También dejé apuntado que el guión museográfico quedó a cargo del historiador Roberto Andreu. Entre los muchos valores humanos hay que señalar la ilustrada utilización espacial sugerida por la arquitecta (y museógrafa) Mirella Beverinni ya que, sin intervenir los muros históricos, consiguió un sistema de exhibición en el que no se pierde la importancia del edificio. Al mismo tiempo facilitó la apreciación de lo que se exhibe con una justa dimensión individual de cada objeto, propiciando su proximidad sin que estas joyas corran riesgos.
En 1997, cuando aun no había ni esperanzas de recuperar el convento de las siempre destructoras manos gubernamentales, se publicó el libro Tesoro de la Merced. La edición general quedó a cargo de Ana María Urruela de Quezada. La obra registra la esencia que motivó la fundación de esta nueva institución cultural. Entre los autores que fundamentan el peso de aquel aporte se encuentran Gustavo Ávalos Austria, Dieter Lehnhoff, Luis Luján Muñoz y Ricardo Toledo Palomo, entre otros. El libro complementa de sobra la visita al tiempo y al museo.
El recorrido se divide en cinco secciones y la primera es la tocante al edificio. En la parte introductoria se puede seguir la historia de los mercedarios y los jesuitas en Guatemala a partir de determinadas pinturas que representan a hombres notables para ambas órdenes. También es perceptible la dimensión de la tragedia telúrica de 1773 que obligó la traslación y se hace visible lo que se quedó olvidado en el pasado y qué se consiguió hacer resurgir -con esplendor- en una locación empobrecida por las guerras españolas, la independencia y la inestabilidad política del siglo XIX.
La sala “brillos de plata” no tiene nada que envidiar al salón de platería guatemalteca del museo Franz Mayer en México. Este tipo de piezas pertenecen a lo más granado de los orfebres y sus joyeros coloniales. Desde navetas, estandartes, relicarios y otras piezas con diversidad de usos simbólicos y litúrgicos, el recinto se hace notar por la luminiscencia que emana.
También existe un espacio para las exposiciones temporales: “Devocionarios”. En él se presentan al público, dependiendo de la temporada litúrgica, objetos relacionados a las distintas devociones. Es allí en donde se pueden apreciar creaciones cuya misión es salir en procesiones o dedicados a distintos tipos de acciones de fe. Hay, incluso, casullas ricamente rematadas en joyería, sedas hiladas en oro, y plata.
Y por último, el espacio que da nombre al museo. Es allí en donde se encuentra escultura doméstica y eclesiástica. Entre las primeras hay que señalar especialmente las pequeñas tallas de la “Piedad”, la Virgen de los Desamparados, San Ignacio de Loyola y el Descendimiento… (Continúa).

El Museo de la Merced

2009-02-16T15:42:00.000-08:00

El jueves recién pasado tuve el privilegio de visitar el nuevo museo anexo a la Iglesia de la Merced. Templo que, dicho sea de paso y sin perder su condición espiritual, reúne una de las colecciones más sólidas de arte barroco y neoclásico del país.
La existencia del nuevo espacio cultural resalta la idea de que, con voluntad y entereza, todo es posible. A qué me refiero: la colección de tesoros que protege se está exhibiendo en un edificio histórico rescatado de la desidia y la ignominia política. Se trata del antiguo convento de la orden mercedaria, hoy bajo la custodia de los jesuitas y un patronato que celosamente encabeza la señora Ana María Urruela de Quezada quien trabaja junto a otras destacadas personalidades de la iniciativa privada.
Tanto el convento, como la iglesia, se construyeron después de los terremotos de Santa Marta de 1773, en un período más o menos inmediato al de la traslación de la ciudad acontecida tres años después de aquellos movimientos telúricos. No sería hasta el 16 de junio de 1802 que el padre provincial, Luis García, presentaría al Real Ayuntamiento los planos de la iglesia que se había comenzado a erigir poco antes. El 2 de marzo de 1810 la Junta Superior de Hacienda aprobó los planos para el convento.
El 7 de junio de 1872 Justo “Rufián” Barrios –para utilizar el apelativo con el que se le recuerda en ciertos ámbitos- suprimió las órdenes religiosas y repartió a discreción los conventos entre dependencias del estado e incluso particulares.
Aunque la ley protegía los bienes muebles de la Iglesia, también algunos de sus objetos preciosos se perdieron en el evento. En el proceso también cambiaron de manos muchas obras de gran valor histórico y monetario.
La Merced fue una de las más afectadas y hoy, en el recorrido de lo que se ha rescatado, se puede apreciar la magnitud del ultraje al que fue sometida. De lugar de recogimiento pasó a ser un espacio más para la tortura y los ajusticiamientos. Fe de ello lo da la pared agujereada por los balazos y perdigones producidos por los fusilamientos efectuados dentro de la cárcel que allí funcionó. Ver este vestigio acongoja.
Hoy, ya de nuevo en manos de sus custodios, el espacio se llena de un hálito especial relacionado con una parte de las raíces históricas del pueblo guatemalteco. Si bien, ya no será usado como hogar para los sacerdotes, la dignidad con la que fue erigido y rescatado queda a la vista. Es impresionante la diferencia entre el bullicio de la ciudad y el silencio y armonía de su interior. Al centro del patio colonial hay una nueva fuente que, siendo moderna, amarra el pasado con el presente. Los vestigios de la anterior están a la vista, al mismo tiempo de haber quedado protegidos por la nueva integración.
El edificio, al igual que pasó con el Museo de la Catedral Metropolitana, fue acondicionado de tal manera que la colección exhibida se percibe sin perder la función para la que fue creada. Si entendí bien, quien acondicionó las cuatro salas y creó el guión general fue Roberto Andreu… (Continúa).

Se buscan

2009-02-09T15:32:00.000-08:00

Con fines estrictamente de investigación y guardando la discreción correspondiente, se están localizando obras y/o información de varios artistas visuales nacionales y extranjeros activos en Guatemala en distintos lapsos.
Aunque no se trata de una sola investigación, muchos de los protagonistas interactuaron juntos en los mismos escenarios o se cruzaron en el tiempo perteneciendo a distintas generaciones no ajenas entre sí. A pesar de que muchos documentos muy bien fundamentados dan noticias de su presencia en determinado período, son pocos los ejemplos físicos que permiten hacer palpables sus aportes.
Por lo anotado, es importante hacer un registro que valore las producciones en distintas colecciones y que reafirme lo que se sabe sobre los distintos autores. La primera solicitud gira en torno a la próxima inauguración de la sala-museo en honor a la pintora Delfina Luna de Herrera, en la ciudad de Antigua Guatemala. Esta artista nació en 1827 y murió en 1912. La intención es la de buscar obras y manuscritos que complementen la investigación que ahora se encuentra en marcha. La fuente de las mismas será confidencial para la seguridad de las piezas y el anonimato de sus propietarios y será utilizada en un análisis que se publicará en un libro, guardando siempre la discreción correspondiente.
La artista solía hacer trabajos de índole religiosa y retratos... algunas fuentes indican que produjo bodegones y registros arqueológicos. Entre su obra pública destacan dos lienzos de la cúpula de la Iglesia de la Merced de Antigua Guatemala. Para contactarnos puede comunicarse a los siguientes e-mails: dgmonsanto@hispavista.com y shu@unis.edu.gt poniendo en el asunto del mensaje: Investigación Delfina Luna.
Con las mismas características, para otro libro, se están localizando papeles y trabajos realizados por el artista suizo Francisco Durini y otros creadores que arribaron con él al país. Entre ellos destaca el catalán Tomás Muhr (autor del monumento a Cristóbal Colón). Durini fue contratista, pintor y escultor. Llegó a Guatemala durante el gobierno de Justo Rufino Barrios y mantuvo una intensa actividad entre Europa, Centro América, Sudamérica y México como arquitecto, ejecutor o importador de obras artísticas de diversa índole hasta 1920, que es cuando muere. Las crónicas indican que fue excelente dibujante. Entre su obra pública destaca el fray Bartolomé de las Casas que se exhibe en los jardines exteriores de la iglesia de la Merced, en la Antigua Guatemala.
Del período de José María Reyna Barrios hay interés de localizar producciones específicas del artista Justo de Gandarias. Muchas de ellas le dieron fama en París, alrededor de 1878. A ellos se suman otros trabajos en bronce, porcelana, madera, mármol, cemento y otros metales industriales que quedaron catalogados en distintas exposiciones universales en Europa y Chicago, que llegaron con él a Guatemala en 1895. Entre estas piezas hay además planos arquitectónicos, obras pictóricas o escultóricas en pequeño formato y otras tantas de dimensiones mayores como La Fortuna, el busto de la Reina Regente, La Parisien, Japonesa y Japonés (de las cuales hay una pareja en bronce en el Palacio Real de España), entre otras muchas creaciones. La dirección a la que se pueden comunicar es dgmonsanto@hispavista.com… el listado continúa.

Valenti (Final)

2009-02-02T09:33:00.000-08:00

En la semblanza que Agustín Iriarte realizara en 1928, para el catálogo de la primera retrospectiva de Valenti, el artista creó un perfil que permite recrear en parte no sólo el espíritu del fallecido, sino algunas de sus motivaciones creativas.

En ella, Iriarte reafirma el pensamiento de que Valenti comenzó como su pupilo y no como su compañero de clases en el taller de Santiago González. De hecho facilita visualizar a un joven músico que, con el beneficio de la compañía del artista, se transformó en pintor. Otro punto que lo hermana a Carlos Mérida quien también tenía muchas posibilidades con el piano. En el Museo Nacional de Arte Moderno hay un carboncillo de Mérida al piano y en la colección del Dr. Morales otro de Mérida trabajando en su estudio de pintura, entre distintos ejemplos atribuidos a él en otras colecciones.

“Notaba —cuenta Agustín Iriarte— cierta tristeza y desencanto, no comprendiendo cómo un adolescente no tuviera esas ilusiones y alegrías propias de su edad. Cuando sonreía era únicamente con ironía y cuando hablaba era breve y conciso en sus pensamientos. Era un observador”.

También da noticia, en esa reseña, de la constante comunicación epistolar que mantuvieron mientras Iriarte permaneció en la Academia de Bellas Artes en Italia (1908-1914). “Preguntábame a menudo —continúa— de los países y museos que visitaba, de los maestros que más me atraían y de las obras o estudios que me ocupaban, haciéndome indicaciones sobre ésta o aquella escuela. Quiero estar contigo, me decía ya en París, yo también sueño en Italia... En todas sus cartas, que aún conservo, como en su persona había observado, se traslucía ese fatalismo y decepción… París, la gran Ciudad Luz de que antes me hablara lleno de entusiasmo, parecía no llenar sus aspiraciones. Parecíame un atormentado”.

En París se inscribieron en la Academia Vitti, bajo la tutela del fauvista holandés Kees Van Dongen y del español Hermenegildo Anglada Camarasa. Su residencia la tenían en el 32 Rue des Fossés-Saint-Bernard, lugar en donde se pegaría “dos tiros al corazón” que le cegaron la vida. Por lo breve del lapso y por lo poco fechado que de él hay en Guatemala, es sólo con los trabajos más obvios que se puede asumir lo que allá estaba haciendo: “Puente Sobre el Sena”, es un trabajo urbano con dimensiones modestas que reflejan la visión Impresionista, no académica, por la que transitaba en aquellos momentos. La ausencia de presencia humana, la selección pictórica de los ocres y fríos, matizan un espíritu melancólico dentro del conjunto. Pintura que contrasta con los coloridos de otros óleos contenidos en el legado Morales. Probablemente, por la naturaleza compositiva de la obra y por tratarse de desnudos masculinos, sean de ese momento “San Jerónimo II” y “Varón al Desnudo”.

La muestra finalizó este fin de semana pero la obra de teatro de Halfon, que narra su historia, se presentará los sábados a las cuatro de la tarde en el Colegio Mayor de Santo Tomás, auspiciada por Casa Santo Domingo y Aquelarre.

Carlos Valenti (IV)

2009-01-26T09:38:00.000-08:00

El Teatro Colón –finalizado en 1859- fue, durante años, el único centro oficial dedicado a cultura artística. Si bien ese panorama se amplió a las artes visuales con las actividades del “Palacio de Mármol” (construido por la administración de Reyna Barrios), los teatros estilo neoclásico (departamentales) o las actividades de Minerva (de Estrada Cabrera), siempre fue ese edificio el que atrajo a los sectores allegados a las artes escénicas y la farándula que desfiló por sus camerinos.

En este caso también hay registros de Valenti, Iriarte y Moncrayón que guardan ciertas coincidencias en cuanto a temas relacionados con las actividades que allí se desarrollaron. En el caso de Valenti —“Director de Orquesta” o “El Brindis”— bien podrían corresponder a esos espacios culturales paralelos en el que se movían los artistas.

El artista Luis Robles desarrolló en 2001 un trabajo de tesis para su licenciatura en historia del arte analizando la obra de Rafael Rodríguez Padilla y localizó, de 1908, una tinta que puede entenderse en la misma línea sintética. En su investigación también anota que Rodríguez exploró la caricatura (al igual que Valenti, Iriarte y, por supuesto, Moncrayón). El hermano de Valenti, Emilio, regentó un taller de Fotograbado que necesitaba este tipo de encargos.

No se sabe en qué momento Valenti entabla relación con Jaime Sabartés. El catalán arribó a Guatemala a principios de siglo cuando contaba con veintitrés años. Luego viajó a Nueva York y a su regreso al país, hacia 1908, es que conoce a Carlos Valenti y seguramente también a Carlos Mérida, con quienes desarrolla una amistad y ¿cierta tutoría? Si bien, se le considera como una influencia en Mérida, es probable que por el tipo de obra académica que ambos ejercían en aquellos momentos, fuera Valenti quien captara su atención crítica.

La asociación de Sabartés con estos jóvenes artistas, sin demeritar los alcances del catalán, fue manipulada en beneficio biográfico de otros creadores que se relacionaron con él durante las dos siguientes décadas. Esto por la importancia que Sabartés desarrolló —mucho más adelante— como secretario personal de Pablo Picasso. Si se ha de pensar en que Jaime Sabartés ejerció alguna influencia en el biografiado, habrá que aventurar que fue en lo relativo a ciertas composiciones muy específicas: entre ellas —“El Beso”, “Idilio Campestre”, “Idilio” y el propio “Retrato de Jaime Sabartés”. Pese a ello no hay obras de otros contemporáneos que se asemejen a lo propuesto por Valenti en estos trabajos. La pintura de Carlos Mérida era académica por aquellas fechas. De hecho, Sabartés apadrinaría su primera muestra en 1910 la cual estaba compuesta por copias de escenas bíblicas, bodegones y paisajes románticos. Esto marca una gran diferencia con las vistas contemporáneas de Valenti y otros trabajos agrupados en la colección de Morales. Por lo mismo, habrá que poner en razonable duda dicha premisa.

El viaje a París en 1912 fue fugaz. En el camino se quedó Hernán Martínez-Sobral quien terminaría estudiando en la Academia de San Carlos en México… (Continúa, final).

Tres Puntos...: Valenti III parte

2009-01-19T09:13:00.000-08:00

Carlos Valenti vio tempranamente un paisaje compuesto por brochazos, generosamente empastados y largos, que se apartaban de otros estilos académicos.
Impresionista, al principio, la luz jugó papel preponderante en la exaltación de sujetos a partir no de sus detalles sino del volumen contrastado de sus formas. En el conjunto lo que destacaba era un bucolismo singular y personal. En este caso el diálogo surgía de la manera de proponer su visión al espectador. Curiosamente, contrario a lo anotado y como lo demuestra el dibujo “Paisaje de Árboles” la esencia de aquellas tablas de modestas dimensiones partía de la línea como punto de referencia.
Del panorama Valenti y sus amigos extraían detalles de las yuntas que pastaban en las inmediaciones del río De Las Vacas, la Puerta Del Norte o a la vera del Cerro del Carmen. Es precisamente de estos detalles en donde más abundan las coincidencias temáticas entre Valenti, Martínez-Sobral e Iriarte. Algunos lápices, inclusive, muestran al mismo semoviente bosquejado desde diversidad de ángulos (no fue posible reunirlos en esta exposición pero sí es factible encontrar los de Valenti en el Museo Nacional de Arte Moderno y los de los otros dos artistas citados en el catálogo publicado por la Fundación Paiz, en mayo de 2005, con motivo de su exposición retrospectiva). Todas estas obras, si se ha de pensar que se realizaron en conjunto, fueron creadas antes o cerca de 1906.
No todo está fechado y es difícil decir a qué momento pertenecen creaciones que lucen como muy individuales. Aun sin poseer calza, sorprenden porque se ven como creación específica que se aleja de los resultados, también personalistas, de sus otros condiscípulos.
Aunque siguió realizando paisaje, hay varios ejemplos de antes de 1912, con temas más oscuros y misteriosos. “El Beso” e “Idilio Campestre” dan buena idea de aquellas propuestas. También hay otros productos sobre papel muy singulares y que denotan una búsqueda interna hacia la síntesis, cuando no transformación de las formas.
Pero había, además, otros puntos de encuentro con el resto de su generación. Probablemente por el tipo de trabajo que tenían González (y el propio Iriarte o su hermano Emilio que trabajaban en diseño gráfico), los artistas a su alrededor se interesaron en la confección de alegorías. Aunque hay documentos de historia del arte que indican que el Art Noveau (el “nuevo arte”) no entró a Guatemala hasta después de los Terremotos de Navidad (1917-18), existen publicaciones y fotografías muy tempranas que utilizaban sus elementos para crear distintos tipos de alegorías. Los Álbumes de Minerva entre ellos o las fotografías de Alberto Valdeavellano, son excelentes ejemplos.
“Vanidad”, “Abundancia”, “sin título I”, pertenecen a este orden de ideas ¿Eran ejercicios o iban a ser utilizados para ilustrar algo específico? Existen algunos ejemplos contemporáneos de estas propuestas en los cuadernos de dibujo de Agustín Iriarte. Posiblemente eran contemplados como parte de algún curso de libre creatividad, composición de decorados… En todo caso esto lleva a otro importante y vital escenario: El teatro Colón (Continúa).

Carlos Valenti y su círculo (II)

2009-01-12T09:17:00.000-08:00

Hay que ver en la esencia de los documentos en que lo mencionan sus contemporáneos, una solidaridad especial que no se dio, de la misma manera, entre el resto de ellos.
Todos –escritores, pintores, músicos y poetas- respondieron al compromiso de su amistad con Valenti manteniendo vivo el hálito del autor a través de su obra y el recuerdo del amigo perdido en una exaltación permanente ¿Fue Valenti un soñador atrapado en un círculo de soñadores? Lo más seguro es que sí. Ese atributo es el que captó el escritor Eduardo Halfon en su novela Esto no es una pipa de la casa, Alfaguara, y que se refleja en la obra de teatro que pronto estará en escena.
Un punto de encuentro con sus tendencias creativas lo proporciona su relación de alumno con el escultor Santiago González, hacia 1904. Valenti recibía clases de dibujo y pintura en las salas del desaparecido convento de San Francisco a la par de varios educandos que, más adelante, se convertirían en la primera generación artística del siglo XX. González, a su vez, trabajaba para la casa contratista de Antonio Doninelli y entre sus trabajos más significativos se encontraban la realización de tímpano neoclásico del Monumento a Minerva y las decoraciones estilo Art Noveau de la balaustrada del Mapa en Relieve. Además de poseer la fama de haber sido ayudante de Rodín, tenía prestigio como buen dibujante. Sus discípulos registraron, todos, ese mismo nivel.
Como parte de la formación, los artistas iban a pintar a espacios abiertos como el Potrero de Corona o el Cerrito del Carmen, entre otros. Hay suficientes evidencias entre las obras de Hernán Martínez-Sobral, Rafael Rodríguez Padilla, Carlos Valenti y Agustín Iriarte, que permiten traslapar similitudes, diferencias e inclusive aportes de cada uno a la pintura de paisaje. Para aquellas fechas Valenti contaba con alrededor de quince años de vida. Uno de sus amigos cercanos, Agustín Iriarte, veintiocho. Por esa diferencia de edades y por ya ser en aquel momento Iriarte un artista con reputación de tal, habrá que ver en éste a una influencia decisiva tanto para Valenti como para sus condiscípulos.
Era aquella generación a la que pertenecía Valenti sensible y bien dispuesta al arte. Curioso, porque el ambiente guatemalteco no era el mejor para desarrollarse en ese campo profesional. Si bien todavía había encargos por parte del gobierno y de algunos particulares, el interés que el oficialismo precedente había logrado insuflar, decayó notoriamente con las políticas conservadoras del presidente Manuel Estrada Cabrera. La obra de aquellos años reflejaba, entonces, diversidad de intereses relacionados con la tradición artística y en contados casos como el de Carlos Valenti o el de José Cayetano Morales, Moncrayón (mucho mayor que él), ligeras variantes respecto al trazo y la utilización del color.
El paisaje, que venía practicándose desde el siglo XIX, se independizó temáticamente de las ruinas arqueológicas y el registro de ciudades como Antigua Guatemala, para dar lugar a los espacios abiertos que circundaban la ciudad capital, Amatitlán, San Lucas Sacatepéquez e incluso, otras localidades aledañas…

Carlos Valenti

2009-01-05T09:22:00.000-08:00

Hace apenas cien años, en 1909, Carlos Valenti estaba en plena producción… también, conocería, más o menos por aquella época, a uno de sus grandes amigos: Carlos Mérida.
El nombre de Valenti lleva consigo la garantía de una creación que, en poco tiempo y a pesar de la juventud del autor, aportó elementos a la pintura de su tiempo. Además trae a la memoria una Guatemala de principios de siglo XX, muy diferente a la que se vive hoy. Aquella era tierra de soñadores, poetas, músicos… artistas todos que tenían que demostrar su talento con las manos, su capacidad de mezclar colores o la manera que moldeaban la materia. Claro, eso fue hace cien años y los usos y costumbres son otros hoy.
La semana pasada cerré el artículo de fin de año comentando que pronto, este 24 de enero, se estrenará la obra de teatro Ésta no es una Pipa (Carlos Valenti), de Eduardo Halfon, en el teatro de Casa Santo Domingo. El libreto es una adaptación del libro homónimo Ésta no es una Pipa, Saturno cuya ficción entremezcla personajes históricos en una posible relación que desvela el drama final del trágico pintor. Evento muy atractivo porque hay muchas personas vivas que se cruzaron el tiempo con algunos de los aludidos en el play.
Es bueno recordar que durante todo este mes se exhibe en la sala Marco Augusto Quiroa del Corredor de los Museos, la colección que perteneciera al doctor Manuel Morales.
Según Agustín Iriarte fue Valenti “rebelde a todo lo académico, el carboncillo, el lápiz o el pincel corren sin freno ni reparo, no se detiene en el detalle, ni se preocupa en borrar un solo trazo. A líneas sobrepone líneas, a colores sobrepone colores. Y es precisamente esa aglomeración de colores y de líneas, brotados al parecer, sin orden ni concierto el elevado concepto de su obra dinámica, agresiva, impresionable y realista por excelencia” (1928).
Si se toma en cuenta que Carlos Mauricio Valenti nació en Francia (1888) y falleció allí mismo (1912) lo primero que sobresale es que fue un autor precoz que brilló con luz propia, muy tempranamente y durante un lapso verdaderamente corto en Guatemala. Lo que se conoce de su producción son unas setenta piezas entre bocetos y pinturas al óleo. De ellas, más de cincuenta se focalizan en una sola pinacoteca muy respetada: la Colección del Doctor Manuel Morales (hoy en manos de otro particular que ha sabido hacer eco a la dimensión del tesoro que tiene entre manos). Gracias a esta colección, el empeño de sus amigos e historiadores independientes, Carlos Valenti, su legado y aportes, han sido apreciados y revalorados, cada cierto período, durante el siglo XX y lo que va del XXI.
Cuando la obra está junta, siempre hay algo nuevo que relacionar y que aportar. ¿Habrá sido Carlos Valenti el punto de encuentro con una generación de características brillantes? Habrá que ver en la esencia de los documentos en que lo mencionan sus contemporáneos, una solidaridad especial que no se dio, de la misma manera, entre los demás... (Continúa).

Galería Wer y otras exposiciones (I)

2008-12-29T09:26:00.000-08:00

A la par de la Galería Antigua, en la misma manzana, la Galería Wer expone la obra de tres autoras diferentes entre sí pero que guardan objetivos comunes respecto al campo de las artes: producir trabajos con carácter estético sin olvidarse de los estatutos adquiridos durante su formación plástica.
Me refiero a la muestra con la que se cerró la conmemoración del X aniversario de la Galería anfitriona y clausuró el festival del visitante 2008. Se trata de Beberly Rowley, Germania y Olga Arriola de Geng.
Las dos primeras autoras han estado bastante alejadas de las galerías de arte de la capital y por ello se hace difícil visualizar las evoluciones por las que han pasado en la última década. En todo caso el perfil de sus propuestas gira por lo general en torno a la mujer, la belleza y la sensualidad natural que el género exuda. La línea, paleta y hasta composición, las identifica dentro de las escuelas norteamericanas. Grabado, escultura y otras expresiones técnicas las aúnan a Olga Arriola de Geng quien, dicho sea de paso, es una creadora sui géneris.
La señora Geng acaba de exponer en el Museo Nacional de Arte Moderno y su trabajo se exhibe en espacios privilegiados de la ciudad capital. En este caso se presenta como grabadora poseedora de figuraciones y coloridos que ha sabido hacer suyos a partir de una mezcla de técnicas convencionales y experimentales. Su aporte al campo de las artes abarca desde investigaciones etnológicas hasta aciertos en distintos campos de expresión entre los que caben la cerámica y vidrio. Por esos méritos recibió un galardón otorgado en 2008 como artista del año por la galería Wer.
Junto a ellas expuso Lily Palomo de Jauregui. Lamentablemente por lo concurrido de la inauguración no llegué a encontrar su trabajo. También hay que mencionar a la escultora Rae Frese Leeth, quien no aparece mencionada en la invitación, pero que trabajó un par de obras realizadas con Germania. Además hay que mencionar el salón que aquel espacio le dedica al ceramista cubano Orestes Sánchez quien fue invitado a participar con lo más reciente de su producción creativa.
De la Galería Wer hay que caminar hacia el Centro de Formación de la Cooperación Española. Allí se presenta Mirando Hacia el Sur, un montaje que, por sus características museográficas, se apega más al sentimiento artístico del presente. En esencia, el trabajo curatorial y las salas que lo albergan, están encaminados hacia la reflexión, confrontación de ideas y el conocimiento de la génesis de pensamientos que las concibieron. Es existencial e imposible que se salga indiferente del recinto.
Casa Santo Domingo también tiene una oferta de primer orden. Se trata de la retrospectiva del mítico Carlos Valenti y la colección que de él llegó a atesorar el doctor Manuel Morales. La misma se exhibe en la Sala Marco Augusto Quiroa y está provocando actividades paralelas como lo es la puesta en escena, próximamente, de Esto no es una Pipa (Carlos Valenti) de Eduardo Halfon.

Libros dulces y otras exposiciones

2008-12-22T09:30:00.000-08:00

El establecimiento de Doña María Gordillo es uno de los puntos nostálgicos de la tradición gourmet del dulce nacional. Desde el proceso de producción hasta su venta en la histórica sala de ventas de la Antigua Guatemala, es aquella tienda la que conecta el imaginario con las memorias infantiles, recuerdos familiares y el mundo lúdico de los sentidos.
El libro que honra su trayectoria (y la de otros centros de carácter más popular) fue escrito por Miguel Álvarez y Julio Román, bajo el auspicio de G&T Continental.
Entre otros valores interesantes del documento, destacan los registros de pinturas de origen indígena que denotan la importancia que la dulcería posee en las culturas del interior. En este sentido, el tema permite abrirse hacia un espacio paralelo que perfila una parte esencial, positiva, de la personalidad nutritiva y mestiza nacional.
La revista Perspectivas de Arquitectura y Diseño No. 05 está dedicada a la firma que regentan los arquitectos Víctor Cohen y Guillermo Pemueller desde 1972. Además de una entrevista a ambos, vistas de construcciones de edificios y casas particulares, la publicación incluye un artículo dedicado a los dibujos de Arnoldo Ramírez Amaya, de Antonio Prado Cobos.
Bajo el título Proyecciones de Arte, Prado esboza contenidos de lo que pronto será un estudio más completo sobre la producción del artista citado. Acompañado de su análisis y el desglosamiento del trabajo, hay un anexo que puntualiza la atención hacia uno de los cánceres que está viviendo el mercado de las artes visuales: la falsificación de obras de arte. En este sentido el artículo obtiene otro cariz que invita a adentrarse en el tema. Efectivamente, hoy por hoy, la obra de Ramírez Amaya es burdamente falsificada.
Mientras los establecimientos artísticos de la ciudad capital se preparan para cerrar por sus vacaciones de fin de año, los de algunas comunidades del interior están listos para recibir vacacionistas con diversidad de ofertas. La Galería Antigua, por ejemplo, expone la obra de tres escultores contemporáneos: María Girón, Alejandro Leal y Arturo Maldonado. Girón y Leal exhiben regularmente por lo que no detallaré su trabajo. Sin embargo a Arturo Maldonado es muy difícil verlo exponiendo su obra más íntima.
Este artista es uno de los ceramistas más importantes del país y junto a Olga Arriola de Geng, formaron a una nueva generación especializada en la rama. Sus diseños se construyen bajo premisas estéticas modernistas en las que tanto el color como la composición juegan papeles de primer orden. La línea y el matiz son básicos en su producción. Las esculturas que muestra en esta ocasión denotan el alto sentido que Maldonado le da al movimiento y a la posición que el objeto ocupa en el espacio. En ellas propone desde las perspectivas que el escenario le brinda y la experiencia que como fotógrafo teatral posee. Es así como sus figuras antropomorfas adquieren un sentimiento especial y vívido… (Continúa)

Tres libros muy especiales

2008-12-15T05:48:00.000-08:00

La semana pasada se entregó —bajo el formato de libro— una compilación de documentos escritos por Roberto González Goyri. El trabajo, auspiciado por Adesca e impreso en Editorial Serviprensa, se dio a conocer al público con el nombre: Reflexiones de un Artista. Obra que se sustenta desde el pensamiento de un hombre muy ordenado cuyas propuestas creativas le valieron espacios privilegiados en la historia del arte nacional.
La variedad en sus contenidos, la manera sencilla, espontánea, clara y humana con la que González Goyri transmitió sus ideas, aportan mucho para el entendimiento de la ideología de su lapso de acción. Al mismo tiempo desvelan otras facetas de los perfiles intelectuales por los que el autor transitó. De este modo se hace fácil percibir su pensamiento respecto de las artes visuales y las múltiples variantes que exploró con éxito indiscutible.
En sus notas también hubo espacio para exaltar el trabajo de otros artistas nacionales y extranjeros. Entre muchos hay que destacar los realizados acerca de la labor de maestros como Dagoberto Vásquez Castañeda, Roberto Ossaye, Carlos Mérida, Arturo Martínez, Rodolfo Abularach, Humberto Garavito, Magda Eunice Sánchez y Luis Díaz. Material que se enriquece con otras temáticas como las relativas al Centro Cívico y la génesis de sus murales in situ o el discurso que escribiera para su última exposición en vida en el Paseo de los Museos de Casa Santo Domingo, pocos días antes de su deceso.
El otro libro fue publicado en el 2006 por Magna Terra Editores y entregado para conmemorar el 40 aniversario de la Universidad Del Valle de Guatemala. Se trata de la Antología de artículos de historia del arte, arquitectura y urbanismo de Jorge Luján Muñoz que, por ser un material extraído de distintos compendios dispersos, posee un valor documental relevante tanto para profesionales como para estudiantes e interesados en los temas que el tratado propone.
De modo claro, sin perder su esencia académica, el autor ilustra datos interesantes de arquitectura colonial como el fascinante edificio circular del Monasterio de Capuchinas o los componentes de planos de la ciudad de Santiago de Guatemala en la segunda mitad del siglo XVIII y hasta las observaciones sobre problemas que se presentan en la conservación de monumentos. Otros temas abarcan la arquitectura neoclásica en la Nueva Guatemala de la Asunción en manos de uno de sus primeros arquitectos Pedro de Garci-Aguirre.
En lo práctico se adentra en la relación comercial de obras de arte entre España y la Guatemala colonial. En lo visual presenta un valioso estudio acerca del miniaturista Francisco Cabrera y sobre la pintura del paisaje guatemalteco. Otro de los capítulos más interesantes es el de su propuesta sobre la tradición clásica durante los festejos establecidos por Manuel Estrada Cabrera: “Las Minervalias”.
El tercer libro fue entregado al público el jueves recién pasado, bajo el auspicio de la Editorial Galería de G&T Continental. La obra apela a nuestra memoria inmediata del paladar ya que trata sobre la historia de la dulcería de doña María Gordillo y otros centros productores de dulces típicos… (Continúa).

Casa Santo Domingo y 1649

2008-12-08T08:29:00.000-08:00

El pasado 30 de noviembre Aquelarre Teatro Contemporáneo estrenó, en la nueva sala de Casa Santo Domingo, la obra 1649 del dramaturgo Rubén E. Nájera.
La pieza, premiada en los Juegos Florales Centroamericanos de 1989, destaca por sus contenidos y por la ficción que el autor crea a partir de sucesos y personajes reales como la inclusión del Capitán General, Don Diego de Avendaño o el extraño meteoro incandescente que apareció el 14 de abril de aquel año en los cielos de la capital Santiago.
En la historia implícita paralela, el gobierno español está empobrecido debido a múltiples problemas relacionados con el aparato que sostiene a la corona. Los administradores coloniales no manejan con la claridad necesaria el servicio a su soberano y la madre patria. Es por ello que en enero de 1648 se solicita al rey que autorice que el ayuntamiento cobre renta a los descendientes de los conquistadores y a los pobladores, para sufragar gastos. Contrariamente la iglesia local pasa por buenos momentos y es por aquella época que se está trabajando en enriquecer artísticamente los templos de Santo Domingo y San Francisco el Grande. Contraste en el manejo de fondos que Rubén Nájera deja ver en el desarrollo de su lectura. Amor, odio, venganza, desolación, templanza, son algunos de los sentimientos que surgen al paso en la evolución del trabajo actoral.
Nájera además de la dramaturgia sobresale por una basta producción de sólidos ensayos. Su obra teatral posee un sentimiento especial respecto del rescate de las artes escénicas serias de Guatemala. En este sentido no hace concesiones. Es por ello que distintos directores nacionales y extranjeros, han llevado a la escena trabajos como Historias para la hora del Baño, Quicab, El Huésped de Longinos (La Gran Noche del Mundo), Borreau, Sacra Conversación, Clitemnestra ha Muerto, El Monje y otras piezas entre las que también se encuentran creaciones dirigidas a los infantes. Nombres que no sólo le dan un sentido a la historia reciente del teatro guatemalteco, sino que lo fortalecen y le brindan contenidos formales.
El proceso de evolución del trabajo de 1649, su lectura y los posteriores ensayos, fueron acompañados por Rubén Nájera y otros profesionales invitados que nos ampliaron la panorámica y el contexto en el que se desarrolla la trama. Dimensión que se hace apreciable y que toma un sentido especial, cuando se presenta en un espacio como Casa Santo Domingo, en donde todas las referencias están a la mano y pueden ser percibidas de modo particular por el público. A estas dos instituciones de la cultura se suma un elenco que yo, como director de la obra, considero de lujo. Vallardo Díaz, Vivian Sánchez y William García Silva lo encabezan. Marcela Colom, Roberto Arana, Raymundo Rosales y mi persona (de Aquelarre). Y las jóvenes promesas Antoine Gely y Alexandré Alarcón (de Artestudio Kodaly). Todos contribuyen a crear la magia. Visite www.aquelarrecontemporaneo.blogspot.com

Salón nacional de las artes visuales

2008-12-01T00:36:00.000-08:00

El 17 de noviembre comencé una serie de artículos relacionados con el “Salón Nacional de las Artes Visuales” que interrumpí debido al sensible fallecimiento de Oswaldo Cercado.
En el primer artículo anoté que, para su existencia, se requerían políticas culturales claras, que la sala no estuviera sujeta a los usos de intereses de promoción social oficialista y que ésta se ajustara a las necesidades de la obra y no al revés que las colecciones se adecuaran a las del edificio. Hay que recordar también que aquella publicación y ésta fueron motivadas por una convocatoria que llegó desde el Palacio Nacional de la Cultura. ¿El objetivo específico? crear la base teórica en busca de la conservación de la colección existente y la difusión de ideas fundamentadas en el encuentro de valores contemporáneos en el campo de las artes visuales. El proyecto no es nada sencillo de lograr debido a los escasos fondos que los distintos gobiernos invierten en el Ministerio de Cultura y la educación a través y para las artes.
Entonces es en el presupuesto que sustente dicha sala en donde se puede visualizar otro renglón a considerar para su configuración. El tema conduce de la mano a la contratación del personal adecuado para dicha empresa y su independencia de los intereses ideológicos palaciegos.
Es obvio que un museo de esta naturaleza, que además contenga una galería de dimensión nacional, debe ser manejado por peritos en la materia y no por burócratas seleccionados por criterios que nada tienen qué ver con el universo artístico. Directores, curadores, museógrafos, restauradores, diseñadores gráficos, encargados capacitados de las salas… toda una batahola administrativa por la que nuestros gobiernos no han estado dispuestos nunca a pagar como corresponde.
A la par, la sala ideal debería implementar un centro de documentación voraz (por la exhaustiva búsqueda del material correspondiente y su proyección al público interesado), aunado a una videoteca bien equipada. Preguntas y disquisiciones que, como siempre, caerán en el vacío hay muchas ¿En dónde están los materiales que crearon y organizaron Víctor Vásquez Kestler o Dagoberto Vásquez Castañeda? ¿Será cierto que fueron quemados en el traspatio del Ministerio de Cultura hace unos años? Si no, qué bien, hay que reclasificarlos y llevarlos a donde se puedan estudiar. Tengo entendido que la pinacoteca de arte popular (que nada tiene que ver con la que se exhibe en el Palacio) no aparece por ningún lado.
Si se ha de hacer un museo con una colección que ya está rezagada en cuanto a trabajos contemporáneos, también tendrá que considerarse la adquisición de nueva obra para fortalecerla. Gran parte de la actual –de la cual hay que hacer una purga- o fue donada por los artistas o llegó recibida a cambio de pírricos premios otorgados en distintos certámenes nacionales. Si las preguntas son muchas, los compromisos son mayores y nada cosméticos. De paso se podría hacer mucho por fortalecer las artes escénicas, musicales y las letras. Hay que crear espacios de inclusión inteligente y no de inclusión romántico. Espacios de provocación y proyección de ideas (podría continuar).

Oswaldo Cercado (Ecuador 1942- Guatemala 2008)

2008-11-24T14:39:00.000-08:00

Murió Oswaldo Cercado… un hombre de pinturas y vinos. De espíritu colorido y festivo. Cálido, ameno y amante de Guatemala, tierra que supo hacer suya, honrarla y que respetó a través de lo pictórico.
Simpático, anecdótico, este creador supo dedicar espacio a la docencia mientras narraba historias que hacían correr los minutos y que, en lo personal, me hacen recordarlo con nostalgia.
Su formación la realizó en la Escuela de Bellas Artes de Guayaquil, entre 1957 y 1964. Cuatro años después expuso colectivamente en la Universidad de San Carlos, la Casa de la Cultura de Quetzaltenango, el salón de la Asociación de Periodistas y desde 1973, en la galería de arte El Túnel (entre otros salones oficiales, particulares o propios).
Su primera muestra personal en este país la realizó en la sala Enrique Acuña Orantes de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Poco antes de que se le otorgara aquel privilegio, le tocó demostrar sus habilidades al pasar por una prueba de fuego con varios y respetables artistas académicos. El reto le llegó porque estos autores le hicieron ver que dudaban de sus capacidades para realizar un paisaje bajo las reglas formales correspondientes a este tipo de expresión. Ya en la montaña, todos eligieron un punto de vista desde el que pudieran guardar la privacidad de su trabajo… comenzaron a desempacar los bártulos y a prepararse para hacer el boceto inicial y fijarlo, como se requería para luego aplicar color. En esas estaban cuando Cercado dijo que había terminado. A los otros no les quedó más remedio que volver a guardar sus materiales y reconocer que los había dejado gratamente impresionados.
Las interpretaciones que Cercado desarrolló respecto del paisaje guatemalteco no pueden calificarse como una evolución de la corriente. Fueron un aporte debido a que él propuso otros cánones de luz. A esa visión personal de la campiña ecuatoriana, se sumaron valores tonales –indígenas- desglosados de las peculiaridades regionales del altiplano chapín y sus sinuosas montañas. A ese paisaje académico opuso lo que él llamó su trabajo “de línea personal”. Se trataba de producciones cuya luz contrastante avasallaba por los colores intensos que irradiaba. En el caso de los nocturnos antigüeños, se apropió de matices que llegó a hacer suyos y que otros autores no han podido recrear.
Como retratista fue fiel y certero tanto en facciones como en las particularidades de quien posó para él. También rememoró fisionomías de personajes históricos como el Hermano Pedro, exhibido en el museo del mismo nombre en San Francisco El Grande y los retratos de Don Pedro de Alvarado y Beatriz de la Cueva, en el Hotel Antigua, entre otros muchos. Es quizás, en este ejercicio donde más alardeó de sus capacidades. Brochazos rápidos y tonos sobrepuestos sumaban volúmenes que substituían transparencias.
Dejo esta memoria para recordar que hay artistas, artistas y artistas –o sea, creadores de diferente índole- que merecen ser registrados para el futuro y reconocidos en vida por sus méritos. Descanse en paz maestro Cercado.

SALÓN NACIONAL DE LAS ARTES VISUALES

2008-11-17T14:36:00.000-08:00

Se podría pensar que esta sala existe -o ha existido- a lo largo de la historia reciente de las artes de Guatemala.
La idea de la misma o su conformación y la dimensión que debería tener, de ser una realidad, surgió como parte de los “conversatorios” organizados recientemente en el Palacio Nacional de la Cultura. Ejercicio que, aunque repetitivo por ciclos, sirve para hacer visibles las deficiencias oficialistas en materia artística, arrastradas desde 1821.
Variedad de temas fueron los que se abordaron. Por lo mismo, los registros de las reuniones son valioso material para analizar lo que distintos especialistas opinan respecto de temáticas de carácter histórico o de actualidad. Entre ellos se mencionó el de una galería nacional para el rescate del patrimonio reciente de los guatemaltecos. El tema se trató el 12 de noviembre.
A partir del respiro revolucionario de 1944, hubo nuevas iniciativas tocantes al desarrollo de las artes. Para aquel entonces, algunas salas hacían la función de galerías nacionales y en ellas se exhibían los trabajos de artistas emergentes y consolidados. Las dos más importantes fueron la Enrique Acuña Orantes (ENAP) y otra que operaba en un salón de la Oficina de Turismo. Una con recursos otorgados por los esfuerzos de los pintores y la otra, organizada a la brava. En el presente podrían incluirse, además de las citadas, la del Kilómetro Cero (Palacio Nacional), el activo Museo Nacional de Arte Moderno y la galería del Banco de Guatemala. Esta última, la única que cuenta, además de los recursos físicos, con un presupuesto que honra a quien expone en sus instalaciones.
¿Galería nacional? ¿Para qué? Una de las respuestas gira en torno al rescate, preservación y difusión del legado de más de 700 piezas que se custodian en las bodegas del Palacio Nacional, tildado románticamente, de la Cultura. Artículos que, según la persona que las catalogó (para que no sigan caminando hacia derroteros desconocidos), están en grave peligro debido a plagas y la ausencia absoluta de recursos para su preservación. A ello hay que sumar que las obras de arte están sujetas a los usos de un edificio que, por ser histórico, se convierte en un quebradero de cabeza para hacer guiones museográficos activos.
No se trata de no hacer nada. Esto es algo que dejó muy claro la intención de los organizadores del evento. Hay mucho trabajo por delante y para ello hay que abordar directamente algunos temas respecto de la función principal de tan esperado establecimiento. La voluntad de crear una política cultural eficaz y no entender esta sala como una bandera social para lucir trajes, joyas y hacer política (como siempre ha sido), es una de ellas. A partir de allí hay que caminar hacia la idea de hacer un edificio específico o comprometerse a que el existente funcione como tal y se prepare adecuadamente para las necesidades que corresponden a una institución tan específica… (Continúa).

Dialma Smith (Final)

2008-11-10T14:33:00.000-08:00

“Entre las anécdotas está la vez que Beto Navas le prendió una veladora a la Virgen para que nos ayudara a jalar público y por poco quema el teatro. Eso sí, después de eso la gente no cabía en el teatro.
”O la vez que Cromwell Cuestas, en ‘Camelot’, me pasó haciendo ojo pache mientras lo llevaban cargado frente a mí Guenevere la responsable de su muerte, supuestamente muerto. Tuve que esconder la cara entre las manos para que la carcajada que solté pareciera más bien un sollozo… Podría contar mil cosas sobre Fryda. Una de ellas tiene que ver con Alcira Goicolea, y quisiera referirla porque demuestra el ambiente que existía en nuestro teatro. Fryda y Alcira se llevaban muy bien... En una ocasión, la persona que tocaba el piano en la obra no pudo llegar, por lo que Dick llegó con Alcira para ver si ella no nos hacía el favor de tomar su lugar. A Fryda se le agrandaron los ojos -¿Y Alcira sabe tocar piano, pues?- me preguntó maravillada. ‘Como para que no’, le contesté, orgullosa de mi amiga, ‘Tiene un diploma de pianista que obtuvo en Roma, en la Academia de Santa Cecilia durante los años que su hermano fue embajador de Guatemala en Italia. Además es licenciada en historia. Y habla cuatro idiomas’. A lo que Fryda respondió, con su chispa usual: ‘Pues mire no más, y yo que creía que era tan ignorante como yo…”.
¿Cómo conjugó su papel de empresaria con el de actriz? “Pues sencillamente no lo conjugué. Por presiones de mi familia tuve que abandonar las tablas. No podía seguir haciendo todo lo que hacía en el teatro, ser madre y, además, empresaria. Especialmente porque no tenía la más mínima experiencia en los negocios. Tenía que renunciar a algo. Ciertamente no iban a ser mis hijos, que han sido siempre lo más importante en mi vida. Así que le dije adiós al teatro. Pero la experiencia teatral me ayudó mucho a enfrentarme con un mundo en aquel entonces muy machista y para mí desconocido.”
Y de don Dick Smith ¿qué nos puede contar? “Del actor y director de teatro no puedo decir nada, es el público quien debe dar su opinión. Pero como esposo puedo decir que es uno de los hombres más humanos que he conocido. Es una persona totalmente desinteresada, afable y humilde en lo que concierne. Jamás lo oigo juzgar mal a nadie y contadas veces hablar mal de nadie. No conoce la palabra envidia ni rencor. Sé de gente, no mucha por cierto, que lo ha criticado y le ha hecho daño y nunca le oí decir nada en contra de ellos. En diciembre cumpliremos cincuenta años de matrimonio: en todo ese tiempo nunca lo he visto tomado y, enojado, sí y no un par de veces. Jamás me ha levantado la voz, ni a mí ni a mis hijos. Es tan ecuánime que trata a todo el mundo de la misma manera: muestra la misma cortesía para nuestra empleada que para la persona más encopetada que conocemos. Ve siempre el lado positivo de todo y bromea constantemente; sin embargo de la única persona que se burla es de sí mismo”.

Dialma Smith

2008-11-03T01:00:00.000-08:00

Ocurrente y con memorias muy precisas, la señora Smith nos presenta un panorama que por lo general se escapa a los registros usuales.
En suma son esos recuerdos, que los documentos no registran, los que conforman el escenario tras bambalinas que crean un imaginario paralelo de los artistas. Anécdotas, accidentes y situaciones, que no solo nos hacen vivir, si no que nos dan el sentimiento de pertenencia al teatro y nuestros amigos. Entre estas memorias está la primera vez que, en un recital de su maestra Ruth Jacobs, le tocó cantar en público…
“… A un cierto punto ella decidió hacer una especie de clausura (…) ante la presencia de familiares y amigos (…) Canté una canción de la obra que íbamos a representar con Dick. Ya de regreso a la casa, mi marido me felicitó. —No cantaste nada mal— me dijo, —pero lo mejor fue la postura que adoptaste para hacerlo, con la mano sobre el piano. Se veía bastante profesional—. Tuve que explicarle la verdad, no podía engañarlo. No era pose la mía, le aseguré. Me tuve que agarrar del piano porque si no me caía de lo mucho que me temblaban las piernas”.
Poco después vino “Mi Bella Dama”, una obra emblemática en los recuerdos de Dialma…
“(…)el actuar en Mi Bella Dama fue un placer inigualable para mí, puesto que sabía que contaba con el apoyo de mis compañeros. Para entonces ya había llegado a amar el teatro. Me fascinaba en todos sus aspectos (…) me dio la oportunidad, no solamente de conocer a fondo las obras de escritores, en algunos casos autores clásicos, sino de traducirlas, así como algunas canciones. Me encantaba diseñar los trajes, buscar telas para realizarlos, tallarlos. Tuve, además, la dicha de trabajar y llegar a conocer a personas encantadoras y, por encima de todo, a un cierto punto, pude cantar de manera espontánea, sin miedos ni complejos, gracias a la seguridad en mí misma que Beto Navas (mi profesor de canto después de que Ruth falleciera), me había infundido. El canto para mí, se había convertido en un nuevo, grande amor.
¿Quiénes fueron sus mejores compañeros?
“A todos los estimé, a cada uno por una razón especial, y por muchos sentí gran cariño. Pero a los que sentí más cerca de mí, fueron Fryda Henry y Beto Navas (…) Terminando de actuar en “Camelot”, me di cuenta de que me encontraba esperando mi cuarto hijo. Nació en marzo siguiente, por medio de una cesárea anunciada. La operación iba a tomar lugar a las 8 de la mañana por lo que ingresé al hospital la noche antes. Cuál no sería mi sorpresa cuando, a las seis pasadas, veo entrar a Fryda a mi cuarto. No me lo podía explicar, no solamente porque sabía que Fryda no era madrugadora, sino porque el hospital era muy estricto con las visitas fuera de hora(...). ¿Qué hizo para que la dejaran entrar? le pregunté. —“Pues dije que era su mamá”— ¿Y cómo se lo creyeron?” volví a preguntar, aún más sorprendida. “Después de todo sólo me lleva cuatro años.” Me dirigió una de sus mejores sonrisas picarescas. —“¿Y para qué soy actriz, pues?”— En esas estábamos cuando llegó una enfermera. —“Fíjense”— nos dijo, bastante agitada, —“que allá afuera tenemos un gran problema. Hay una señora que asegura que es su mamá, y nosotros le hacemos ver que no es posible porque su mamá ya está con usted. Y la señora está furiosa”— Nos vimos obligadas a explicar la situación a los encargados de la puerta, pero el encanto de Fryda logró conquistarlos y le permitieron quedarse con nosotras hasta que me llevaron a la sala de operaciones… (Continúa).

Dialma Smith (2a. parte)

2008-10-27T01:00:00.000-07:00

Desde la semana pasada estoy llevando a mis lectores la entrevista que la artista Dialma Mini de Smith me concediera recientemente.
Carismática, aguda y poseedora de especial encanto, la señora Smith, respondió con sinceridad y humildad a lo requerido. Entre ello, la pregunta referente a ¿qué obstáculos encontró al inicio de su carrera en los años sesenta?
“… el más difícil de superar lo encontré nuevamente en mí misma. Comencé a pensar que quienes trabajaban con nosotros pensaban que yo obtenía los papeles principales por ser la esposa de Dick, que no me los merecía. Hecho que yo sentía algunas veces, pero que me resultó muy obvio durante el último ensayo de Mi Bella Dama. La obra constituía un gran reto para cualquier actriz, dejemos a un lado para alguien con poca experiencia como yo. Dick y yo teníamos una escena, solo los dos, muy dramática, que repasábamos en casa para no quitarles el tiempo a los demás. Por fin llegó la noche del ensayo general, en que tuvimos que incorporarla a la obra. Había mucho ruido en el teatro: la expectación por el estreno inminente y la discusión de los últimos detalles hacía que la sala pareciera un poco un mercado, pero en cuanto llegó el momento que Dick y yo nos quedamos solos en la escena, todo el mundo buscó una silla donde sentarse y reinó un silencio, para mí, aterrador. Era la prueba de fuego, le tenía más miedo a esa prueba que a la noche del estreno. Interpretamos la escena ensayada. Cuando terminó el silencio continuó. Yo sentía que los ojos se me humedecían: Debo haberlos defraudado, pensé. De pronto, todos, al unísono, comenzaron a aplaudir. Me encontraba tan aturdida, que me costó captar el sentido de ese aplauso, pero de allí en adelante, el actuar en Mi Bella Dama fue un placer inigualable para mí, puesto que sabía que contaba con el apoyo de mis compañeros”.
¿Cómo ha cambiado el panorama desde aquella época y qué variantes ha observado en el teatro chapín?
En cuanto a las variantes que he podido observar en el teatro desde mi época hasta ahora, diré que lo que más me impresiona es darme cuenta de la cantidad de jóvenes que aspira a trabajar en el teatro. Antes no era así. Había un prejuicio muy fuerte en contra de los actores. Y me alegra muchísimo que éste haya desaparecido porque demuestra que se está viendo la vida desde una perspectiva más amplia. Por otra parte, pienso que antes había más dramaturgos y muy importantes y muchos actores, muy buenos y de larga trayectoria. Había muchas obras de teatro en escena, a pesar de que los actores no podían ganarse la vida haciendo teatro, cosa que no sucede hoy en día. Además, por la naturaleza política de las obras, era peligroso participar en ellas. Eran los tiempos de la insurrección y, aunque la gente lo pensaba mucho antes de salir de sus casas, los teatros siempre contaban con público.

Un encuentro con Dialma Smith

2008-10-20T01:00:00.000-07:00

Empresaria, actriz y cantante. Quienes la vieron en el escenario del Teatro del Puente, en el IGA y otros memorables espacios, la llevan en la memoria y el corazón.
Luego de un sabático excepcionalmente largo –casi veinte años- hay por fin una promesa de un retorno inminente a las tablas. Habrá que esperar poco menos de un año. Saliendo del formato usual de esta columna y con el afán de dejar un registro reciente, le hice algunas preguntas que comparto a continuación.
¿Cuándo y bajo que circunstancias se interesa hacer teatro en Guatemala?
“Dick (Smith), comenzó a colaborar con el Community Theatre, un grupo que producía obras únicamente en inglés, para poder conocer gente, hacer amistades. Poco a poco eso lo llevó a lo que ha sido desde entonces la pasión de su vida: el teatro. En aquel tiempo (principio de los años 60), Dick trabajaba en una finca, en la que pasaba la mayor parte de la semana. Cuando regresaba a la capital corría, ya sea a ensayar o a participar en alguna obra, de manera que ya casi no lo veía. Cansada de estar siempre sola me dije: ‘O me dedico yo también a la cosa esa, o me separo de mi marido’. Opté por lo primero”.
¿Qué dificultades encontró?
“El primer obstáculo que encontré fue en mí misma, en mi timidez extrema. Como sabrás, yo perdí la visión en un ojo desde muy niña: el ojo estaba allí, en mi cara, pero era deforme. Por lo tanto pensaba que aparecer en escena me estaba totalmente prohibido. Dick me convenció de que podía tomar parte en el papel de Titania, en la obra El sueño de una noche de verano, de Shakespeare, que estaban por llevar a escena. Se iba a presentar en el teatro al aire libre, de manera que de tan lejos mi defecto no se notaría. Acepté. Luego, en 1970 me operaron. Hicieron un trabajo excelente y por primera vez en mi vida me vi y me sentí persona normal. Aún en plena recuperación, Dick comenzó a hablarme de la próxima obra que sería una musical con sólo dos actores: el y yo. Mamá me animó a que aceptara: ‘Así terminarás por quitarte ese complejo tonto que tienes’, me dijo. Y para rectificar su apoyo, nos ofreció el uso local donde Dick instaló el Teatro del Puente… Entonces encontré otro gran obstáculo. No éramos conocidos y éramos solo los dos en escena… La noche del estreno contamos seis personas en el teatro, una de las cuales era la señora que llegaba a lavar y planchar a mi casa. De mi familia, ya de por sí tan pequeña, solamente mi madre se encontraba allí. Fue duro. Pero no solamente me enseñó que the show must go on, como dicen los ingleses, sino que el actuar en un teatro semivacío me fue aminorando el miedo a la gente, cosa que me sirvió mucho en el futuro. Y, debo agregar, me ayudó no solamente en lo que al teatro se refiere” (continúa).

Tierra de Leyenda

2008-10-13T11:19:00.000-07:00

En el Instituto Guatemalteco Americano se está presentando una obra teatral de carácter costumbrista.
La recomendación de la propuesta viene de la mano del nombre de su autor y director, Ricardo Martínez, y el elenco artístico y técnico que lo acompaña. El programa celebra, además, los meritorios 20 años del grupo Diez Junior.
Para dar orden a las ideas del párrafo anterior hay que arrancar esbozando un perfil de Martínez, su labor en el campo de las artes y la manera como enlaza sus habilidades creativas. Como pintor, pertenece a la generación del ochenta (el grupo MADERA), cuya expresión refleja un sentimiento especial hacia el color y distintos tipos de formas humanoides, antropomorfas o abstractas, plasmadas sobre tela. Experiencia que el autor ha sabido trasladar a todas sus escenografías. En el caso de Tierra de Leyenda, la trama se desarrolla dentro de una pintura del desaparecido artista Roberto González Goyri.
En el campo de la gestión y promoción siempre ha brillado como coprotagonista en la conservación del patrimonio cultural de la nación. A partir de su posición en el Banco de Guatemala, a la par de la visión y buena voluntad de sus colegas también sensibles al tema, la entidad se ha convertido en adalid en el rescate de nuestros valores artísticos en distintas áreas. Esta es otra coincidencia que se refleja tanto en la escenografía ya sugerida como en la temática del play. Es, entonces, desde las leyendas básicas que cohabitan en nuestra idiosincrasia, que Martínez propone un trabajo en que lo cotidiano y lo popular se mezclan con el misterio contenido en las historias de la Llorona, la Ciguanaba, el Sombrerón y los aparecidos, entre otras leyendas.
Con letras originales y musicalización también compuesta para la ocasión, la obra se ve fortalecida por la utilización de recursos y efectos que le dan un aire contemporáneo. Entre ellos, el que aporta el cortometraje “la leyenda del ayudante inesperado”, en blanco y negro, que corre y se resuelve en buenos términos. La narración la ejecuta nada menos que el historiador Héctor Gaitán y entre los créditos destaca una de las celebridades de la televisión nacional, el actor Tito Rivera.
El elenco lo encabezan artistas de primer orden como Bitty Herrera, Mario Roberto Galdámez, Sonia Marcos (quien además se hizo cargo de las coreografías) y Sergio Paz. Los cuatro con personajes muy bien estructurados en los que se dejan ver componentes de escuelas teatrales fundamentadas en el conocimiento de recursos formales aplicados a una amplia experiencia escénica. A ellos se suma, con buen pie, Brenda Santizo (quien se luce como eficiente comparsa en su desempeño con Herrera y Marcos). Debuta con ellos Roxana Morales.
Si bien la obra está sugerida en horarios para niños, en realidad ha de pensarse en ella como una propuesta para todo público. El esfuerzo de producir un trabajo nuevo, respaldado por tanto talento y con componentes únicos (en los que incluso cabe una pintura gigante en la que conviven títeres y humanos) no se ve en la escena guatemalteca muy a menudo.

Jaime Arimany

2008-10-06T11:20:00.000-07:00

Uno de esos espacios de discusión y reciprocidad de ideas lo proporcionó el trabajo que realizó Antonio Tejeda Fonseca en las excavaciones arqueológicas que se realizaron en diferentes asentamientos de la república.
Con él viajaban en excursión otros autores entre los que aparecen, inclusive, autoras como Carmen de Pettersen. Existen infinidad de ejemplos que permiten conjeturar que Arimany también viajó y pintó in situ.
En Jaime Arimany se perciben hallazgos en cuanto al manejo de la luminiscencia. Por ello fue seleccionado para la exposición de Casa Santo Domingo el autorretrato donde él, a contra luz, resuelve los problemas correspondientes. En esta obra no sólo difiere en cuanto a estilo con el que realizó a su esposa, vestida de traje regional español, con un abanico en la mano, sino que se aleja de los dos desnudos contenidos también en el guión museográfico. Ese óleo resume su interés por “el resultado de la luz incrustada en sus cuadros” (Delia Quiñónez, 1994).
Sus bodegones, más que ejercicios académicos, atesoran contrastes de color aplicados en formas reconocibles pero no fehacientes. En este sentido y como se puede apreciar en su paisaje, comenzó a caminar hacia un sentimiento de síntesis afín a las tendencias que se estaban desarrollando a su alrededor durante el corredor democrático 1944-1954. Lo interesante es que supo ser fiel a sus motivos y ahondó en ellos hasta prácticamente unos días antes de su fallecimiento en 1995. No importaba en dónde se encontrara, si había pincel, soporte y pigmento. Pretextos siempre encontró. Ya en su estudio, ya en la naturaleza.
El color, fuerte, intenso, fue aplicado gestual y contundentemente. Es como que si el artista se hubiera propuesto terminar sus cuadros en pocos minutos para que los matices que veía no se transmutaran con el cambio de la luz. Empastes generosos se deslizaron sobre el lienzo, haciendo contornos de apariencia descuidada y nerviosa. Con lo denso provocó sombras y contrastes. Valiéndose de la suelta pincelada, colocaba las ideas para que el observador las leyera. En esto era impresionista. En esas creaciones cupo una nueva idea de figura humana que se alejó diametralmente de sus retratos de estudio. Principalmente porque el hombre podía percibirse como elemento del paisaje y no como protagonista.
Casas, algunas insinuaciones arqueológicas, cultivos, se suman a panorámicas en esta exposición. Siempre, integrados a una visión en la que no cabían individualidades porque todo era parte de un conjunto. Inclusive, cuando hay algún detalle que resalta por la posición que ocupa en el entorno, éste sirve para acentuar la idea de elemento de paisaje, sin que el resto pierda importancia.
La naturaleza, sus colores y su impacto. La paleta que utilizó fue rica. Es esa riqueza la que distingue, día con día, temas que reflejó incansablemente. De allí que podría conformarse un guión museográfico destinado a demostrar las innumerables variaciones por las que puede pasar una misma vista. De esta forma no sólo cuentan las rocas, los movimientos del agua, el crecimiento de arbustos o cultivos diversos

Jaime Arimany

2008-09-29T11:27:00.000-07:00

No hay documentos a la vista que permitan asumir las fechas por las que anduvo en las distintas escuelas en las que continuó su formación.
Sin embargo no es aventurado sugerir que los desnudos seleccionados para la exposición de Casa Santo Domingo fueran creados durante su estancia en Europa. Esto debido a las similitudes estilísticas que guardan con los realizados hacia 1930 por Antonia Matos (Academia de París).
Es interesante comprobar, pese al tema del desnudo tan similar, las diferencias en las pinceladas y composición de estos dos artistas. Habrá que recordar que ambos siguieron más o menos el mismo camino y que en su educación influyó, de modo determinante, su experiencia de estudiar en el extranjero.
En Guatemala, en 1928, pasaría a ser cofundador y parte activa del grupo TRIAMA. Nombre surgido de las iniciales del apellido de los artistas que lo integraron: Antonio Tejeda, Ovidio Rodas, Rigoberto Iglesias, Jaime Arimany, Óscar Murúa e Hilary Arathoon, todos ellos, máximos exponentes de la corriente paisajista del país. En 1930 expondría en la ENAP (Diccionario Histórico Biográfico de Guatemala). De ser correcta esta fecha, el director de la entidad era, en aquel momento, Humberto Garavito. Otros documentos personales sugieren que fue una década después.
¿Por qué es importante resaltar este encuentro? Bueno, porque Humberto Garavito fue el paisajista más visible del siglo XX y una de las mayores influencias de la expresión. Sin embargo, los listados como miembros de TRIAMA y en este caso específico, Jaime Arimany, parecieran haber desarrollado particularidades que los alejaron del estilo en el que se expresaba Garavito y esto se puede calificar como una evolución hacia nuevos derroteros. Hay que interpretar este encuentro, que de todos modos se dio, como una motivación hacia la búsqueda de elementos que aportaran nuevas visiones para la disciplina.
Años más adelante —¿hacia 1942 ó 43?— pasaría a ser parte fundadora de la agrupación “Arcada”. Allí compartió de nuevo con Tejeda, Rodas, Iglesias y Murúa. Además estarían con ellos Leopoldo Alcaín, Federico Schaffer, Alfredo Gálvez Suárez, Humberto Garavito, Enrique de León Cabrera, Miguel Ángel Ríos y José Luis Álvarez, el único superviviente del grupo listado. Álvarez es considerado el último de los “maestros de la luz impresionista” de Guatemala.
Lo más interesante es entender cómo todos esos paisajistas encontraron el tiempo para proponer en momentos poco favorables para cualquier tipo de expresión artística que no perteneciera al entorno oficial o a las nuevas corrientes que ahondaban otros artistas de la generación del cuarenta. Los documentos relacionados a Garavito suelen indicar que este artista fungió como maestro e influencia de los listados. Probablemente ese fue el caso de los más jóvenes. Lo que sí es obvio fue el intercambio de ideas que fue fortaleciendo la producción de algunos de los involucrados. Uno de esos espacios de discusión y reciprocidad de ideas lo proporcionó el trabajo que realizó Antonio Tejeda Fonseca en las excavaciones arqueológicas que se realizaron en diferentes asentamientos prehispánicos de la República.

Lily y Alicia...

2008-09-22T11:34:00.000-07:00

En mayo de 2008 me tocó vivir una oscura experiencia que me llevó de la mano para escribir la obra de teatro Lily Monster. Trabajo que uní a otro ejercicio que había realizado hace unos doce años llamado Alicia en el País de las Maravillas.
Este último fue dirigido por Consuelo Miranda en 1997 como cierre de un curso de teatro avanzado que ella dirigía en Artestudio Kodaly. Los resultados no dejan de sorprenderme y agradarme ya que el público y los medios de comunicación acogieron positivamente la propuesta. Una obra de esta naturaleza –explora la bipolaridad, esquizofrenia y las alucinaciones- no hubiera podido llevarse a escena sin un elenco muy especial. Es de éste, el valioso material humano, de quien quiero dejar un registro debido a que ninguna de las entrevistas y reportajes se ocupó mucho de él.
Por empatía, admiración y respeto a su capacidad histriónica, Vivian Sánchez se ha convertido en una de las actrices invitadas de forma permanente a las obras en las que estoy involucrado. Su manera de acoplarse a las instrucciones dictadas desde la dirección y el poco tiempo que hay que dedicarle para la concepción de sus personajes, la hacen la profesional ideal para desempeñar distintos roles, sin importar el género. Lo mismo se puede decir de Rochy Arce. Su porte camaleónico, el compromiso con el que se adentra en sus papeles, sorprendentes visiones en los contenidos del guión, aunado a una chispa, carácter y memoria muy especiales, la definirán dentro de la historia del teatro nacional sin lugar a dudas.
Ana Lilian Silva, compañera de tablas por muchos años, aportó algo más que su actuación en el play. Escribió una alegoría sobre la muerte con la cual cerré Alicia en el País de las Maravillas para dar un color muy distinto a algo que, una década atrás, había sido tratado por la señora Miranda como comedia. En la dinámica y en consonancia con Silva el desarrollo de su personaje se luce el adolescente Luis Pedro Sosa quien lleva al público por un clímax en el que el miedo es el coprotagonista. Ambos saben apropiarse del momento y emocionar al público. Como personaje misterioso, eficaz y sensual, queda entre ellos la figura silenciosa de Patricia Salvatierra quien matiza su trabajo desde perspectivas intuitivas valiosas.
De los Aquelarre, el grupo al que pertenezco ¿qué puedo decir? Daniela Castillo, Julio de León, Raymundo Rosales, Roberto Arana y Marcela Colom están transitando por una vía muy particular. Se trata del teatro de búsqueda y con ello están aportando ideas y energías que no solo revitalizan las mías, si no que me obligan a seguir buscando para darles a ellos yo también. Si quieren saber más de nosotros entre a aquelarreteatrocontemporaneo.blogspot.com.
La última función de Lily Monster y Alicia en el País de las Maravillas será el día de mañana, a las 20.15 horas en el teatro del IGA. Luego, si la economía lo permite, iremos en diciembre a la República Dominicana a un Festival Internacional.

Jaime Arimany

2008-09-15T11:35:00.000-07:00

Casa Santo Domingo está presentando, desde el sábado 13 de septiembre, una retrospectiva del paisajista Jaime Arimany… Arte visual guatemalteco.
Las historias individuales que sostienen su presencia a lo largo del siglo pasado, tan limitado en documentos razonados, siguen tomando forma con este tipo de presentaciones. A partir de la aparición de coincidencias, aportes o peculiaridades, se desvelan y enlazan trabajos de artífices que crearon tanto desde perspectivas individualistas como grupales.
Pese a la escasez de espacios expositivos en la primera mitad del siglo XX, la falta de mercado y de condiciones visibles para el desarrollo cultural artístico en la nación, sus protagonistas hollaron con constancia el terreno empujados por el afán de exponer los productos de sus habilidades. Jaime Arimany pertenece a ese bloque. Si le hubieran dado a elegir, probablemente hubiera optado por ser pintor y no empresario. Sin embargo no tuvo expectativas para sobrevivir holgadamente de lo que hacía en el primer campo profesional (como todos sus contemporáneos) y se convirtió en un prominente hombre de empresa, cabeza familiar que, además, era artista. Como muchos halló el tiempo y con pasión creó un numeroso legado del cual se exhibe, en esta ocasión, una mínima parte. Apenas cuarenta y tres lienzos. En estos óleos es posible apreciar elementos suficientes para visualizarlo dentro de un contexto y proponerlo como uno de los paisajistas más relevantes de su tiempo.
El caso de Jaime Arimany es muy interesante debido a la longevidad de su carrera y los numerosos ejemplos pictóricos que le sobreviven. Trayecto que se puede rastrear desde inicios de la década de 1920, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Aunque los documentos de la entidad no dejan claro en qué momento fue inscrito, su ingreso tuvo que haberse efectuado antes de 1924, cuando era apenas un adolescente. Él aparece, ese año, en una foto de promoción junto a otros autores entre los que se destacan los nombres de Antonia Matos, Salvador Saravia y Óscar González Goyri. Es sugestivo verlo registrado a la cabeza del glosario -no alfabético- de los “alumnos distinguidos” en la Revista de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Otra posición que le coloca en un momento vital de las artes del país.
La fecha permite, entonces, localizarlo como parte de la tercera generación de paisajistas guatemaltecos de la centuria, a la par de otras fulgurantes figuras dedicadas a la exploración y desarrollo del “realismo regionalista”. Relación que facilita identificar el tipo de formación inicial por la que pasó. Más adelante continuaría especializándose en la Academia de San Carlos (México), la Ottis (Los Ángeles, EE. UU.) y la Academia Grand Jaumeri (París, Francia). Hacia 1940 ya había participado en varios cursos organizados por el Museo Metropolitano de San Francisco (EE. UU.). También, en ese momento, obtuvo el Gran Premio Internacional otorgado por The Arts and Crafts Club (New Orleans, EE. UU.), institución de la cual pasó a formar parte activa como miembro (continúa).

Funsilec

2008-09-08T11:37:00.000-07:00

Son muchas las entidades que aportan beneficios a la sociedad a partir de actividades relacionadas con el arte. Por lo general artes escénicas y visuales, sirven de gancho para atraer a un tipo de público muy particular: aquel que atesora o asiste a un evento con la intención de ayudar.
En las artes plásticas se maneja con mucho éxito la modalidad de las subastas o, como en el caso de la Fundación para la Superación Integral de Menores con Lesión Cerebral, Funsilec, las exposiciones-venta. Estas tribunas redundan en múltiples beneficios. Entre ellos está que hacen visibles a cierta porción de artistas que exploran técnicas y estilos considerados como tradicionales por los más conceptuales. Asimismo, a través de sus catálogos, se convierte en centro de registro de las modas expresivas por las que transitan los autores convocados. En otras palabras, juegan un papel fundamental como elementos de promoción y al mismo tiempo, a manera de fuentes referenciales. Estas convocatorias son por invitación.
Cinco años han pasado desde que Funsilec organizó por primera vez esta exhibición. Su proceso de maduración, aunado a la selección –o curación- de lo que exhibe al público, le va otorgando su espacio dentro del conglomerado institucional que se dedica a esta forma de recaudación pero… ¿Cómo se organiza un evento de esta magnitud para que sea rentable y confiable? Bueno, eso depende de los padrinos y la conciencia con la que se apliquen para alcanzar las metas. En el caso de los artistas hay que señalar que entre más concientes estén de la importancia que juegan en la producción de fondos, más van a poder colaborar. Este año la entidad le dedica un espacio especial a la obra creativa del artista Elmar René Rojas. En el pasado fueron objeto de la misma deferencia Magda Eunice Sánchez (quien incluso se interesó en conocer el centro), Ramón Ávila y Efraín Recinos.
Por el otro lado hay patrocinadores que han llegado a dar una mano debido a la seriedad con la que sus promotores visualizan la actividad. Sin perder de vista el entendimiento de la dimensión que posee la empresa: conseguir recursos para programas educativos que mitiguen las deficiencias de niños con serios daños neuronales. Trabajo que en el presente se está materializando en un centro específico para su desarrollo educativo.
El trabajo es agotador y, por supuesto, la misión siempre cuesta arriba. Es así como Funsilec mantiene una acción febril que la ha llevado a organizar bingos, charlas de diversa índole, cadenas de pizza, fiestas, conciertos y cuánto se les ocurra. Todo ello se traduce en métodos integrales para el desarrollo de habilidades, métodos de oxigenación del cerebro, terapias a partir del contacto con la naturaleza y un repertorio de programas específicos e individuales elaborados según el perfil individual del educando. Además de caro, sus aplicaciones son lentas y descorazonadoras, pero siempre brindan frutos. Aún así el espíritu de estas madres no se apaga.

La ENAP (2ª. Parte)

2008-09-01T11:39:00.000-07:00

Ochenta y ocho años han pasado desde su fundación en 1920. Como todas las escuelas de arte oficiales del país, superando carencias con imaginación y voluntad infinita.
Luego de publicada mi columna del lunes pasado recibí algunos e-mails pidiéndome que amplíe algunas ideas vertidas en ella. Entre esos pensamientos, lo relativo a los estudiantes que ingresan a la academia y las condiciones en las que lo hacen.
Por la manera en que se le ataca, la ENAP pareciera no haber sido nunca el universo ideal para la enseñanza, ha funcionado en distintas épocas como un imán para postulantes de todas las regiones del país. Por ello es muy fácil encontrar entre las promociones de educandos un conglomerado pluricultural, multiétnico y plurilingüe, muy complejo. Circunstancia que complica la panorámica docente ya que además de necesitar maestros atípicos y sensibles al arte, deben poseer una disposición extra para mantener la motivación de sus pupilos. Cualquier estudio que obvie este perfil está condenado a hacer fracasar el objeto del mismo: el futuro de los estudiantes.
Si bien la buena intención es que se formen integralmente, la meta será procurar no distraer el impulso vocacional de un selecto grupo de muchachos que, temprana e inusualmente, saben lo que van a hacer el resto de su vida. Punto en el que aventajan a muchos otros estudiantes de educación media de su misma edad.
Por supuesto, hay que implementar nuevos conocimientos. El arte hoy ha evolucionado hacia otros derroteros que es necesario conocer. También hay que tener presente que las nuevas tecnologías expresivas no borran ni substituyen las del pasado. Los artistas tienen que saber hacer una línea recta, las bases de la escultura tradicional, la psicología del color, en fin. Por el otro lado los problemas inmediatos de la ENAP son muy sencillos: necesita presupuesto para operar.
Maestros que trabajen dentro del campo conceptual y lleven a los neófitos por su senda ya están dentro del plantel. Sin embargo la amenaza de corte de luz o la falta de pago de la línea telefónica son problemas de a diario (y no hablo solo de la presente administración). Bajo estas circunstancias ¿es válido decir que no operan a tope por incapacidad?
En otro orden de pensamiento, hay que entender que materias como la química, por supuesto sirven en su formación. Los restauradores de patrimonio deben manejarla para no destruir los trabajos que estén en sus manos. Matemáticas, pues además de desarrollarles la lógica, puede servirles para intervenciones espaciales de distinta naturaleza. Probablemente estos conocimientos lleguen durante la especialización que decidan seguir en su camino. Y es allí donde las alianzas estratégicas pueden funcionar. ¿Qué pasaría si especialistas del Instituto de Antropología e Historia o del Consejo Para la Protección de la Antigua Guatemala entraran a impartir cursos específicos? Esto no solo beneficiaría a los alumnos y maestros, sino que redundaría en otro tipo de profesionales. El tema da para mucho ¿verdad?

¿Perspectivas para la ENAP?

2008-08-25T00:36:00.000-07:00

Muchos años han pasado desde que se fundara por golpe de suerte la hoy ENAP.
En efecto, un ministro de Instrucción Pública sensible —Dr. Arroyo— y tres artistas inquietos: Hernán Martínez-Sobral, Jaime Sabartés y Rafael Rodríguez Padilla, consiguieron que del 10 de mayo de 1920 el presidente Carlos Herrera firmara el acuerdo que permitió organizar al primer personal que laboraría en la institución.
Anatomía y perspectiva fueron los cursos que impartieron Martínez-Sobral y Sabartés. Rodríguez, su primer director en funciones desde el 22 de abril de ese año, enseñó dibujo y escultura. Los resultados redundaron en una promoción que aportó nombres de primer orden para las artes visuales de la nación, como Antonia Matos, Jaime Arimany o Salvador Saravia.
Pese a este comienzo halagüeño, los problemas para mantener a flote esta casa de estudios se hicieron patentes inmediatamente. Apenas el 15 de mayo, cinco días después de la firma del presidente, un nuevo ministro se oponía a su funcionamiento, para lo cual argumentaba trabas de todo tipo, las cuales fueron denunciadas por la Prensa por Rafael Rodríguez Padilla. ¿Qué fue lo que sostuvo en aquel entonces la precaria situación de la escuela? ¿Vocación?
Han transcurrido ya 88 años y los problemas de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) parece que no han cambiado demasiado. Como si fuera una piñata a la que todos quieren dar de palos para ver si cae algún dulce. Aunque ahora hay un equipo impresionante que regaló Japón, es imposible sacarle mayor provecho. ¿Son malos los maestros que laboran allí? No y nunca lo han sido. Sin embargo, habrá que preguntarse cómo se puede motivar a un equipo docente recibe un sueldo cada seis meses, luego de interminables trámites, sin vacaciones pagadas, IGSS y sin prestaciones a las que tendrían derecho por los servicios que prestan. ¿Ah? Empecemos por allí.
Las consultorías han reafirmado algo que se sabe desde hace mucho tiempo: es necesaria una reforma curricular. Sin embargo, ¿de dónde saldrá la plata para realizarla? ¿Qué maestros —que encima tienen que ser muy específicos— quieren trabajar bajo las condiciones descritas? Hace falta, claro, que los muchachos que ingresan cada año puedan equipararse para optar a las universidades del sistema, pero ¿cuál es la formación que estos adolescentes traen de las escuelas del interior del país o de las de la capital?
Todo son interrogantes y lo peor es que, pese a tanta buena intención, no hay respuestas inmediatas porque no existe voluntad política de hacer las reformas de manera adecuada. Solo promesas.
Sin embargo, llama la atención que, pese a todo, los artistas que pasan por sus empobrecidas clases salen a flote. Estos, hoy igual que hace casi 90 años, compensan tanta precariedad con ideas renovadas. Basta dar un vistazo a los catálogos que registran su paso por las bienales, subastas y exposiciones, para comprobarlo. ¿Dónde estudiaron artistas como Enrique Castillo, Fátima Anzueto, Benvenuto Chavajay o Mario Santizo? Pues en la ENAP. El listado es grande y muy visible.

Museo Numismático de Guatemala

2008-08-18T00:16:00.000-07:00

En otras ocasiones le he dedicado espacio a la labor que el Banco de Guatemala realiza en la conservación y difusión del patrimonio nacional bajo su custodia.
Respecto al manejo y conciencia de sus fondos artísticos, es casi la única organización estatal que invierte en sus legados y alcanza con esto, resultados que otras entidades no poseen (ya por falta de imaginación o por la escasez de recursos económicos). Si bien existen distintas pinacotecas oficiales, es esta la que se ha responsabilizado de proyectar su repertorio dentro de los cánones esperados para cuidar algo que es de todos los guatemaltecos. Desde programas educativos, hasta registros como libros y artículos específicos en publicaciones diversas, a la prevención y hasta restauración de sus murales e históricos edificios, lo convierten en una institución única a imitar.
El banco puso a disposición del público, en 1996, el Museo Numismático de Guatemala con resultados admirables. Ubicado en el corazón del Centro Cívico, en lo que fue la zona de cajas generales y la bóveda de caudales, esta sala transporta al visitante por distintas etapas de la historia del país hasta aterrizarlo en el presente. Al mismo tiempo aprovecha el espacio para crear una sala digna en la que se le rinde homenaje al pintor y muralista Carlos Mérida.
A partir de seis ejes temáticos: Época Prehispánica, Época Colonial, Independencia y Federación Centroamericana, Época de la República, Banco Central y Banco de Guatemala, el guión museográfico trasmite nociones históricas desde una perspectiva atractiva y dinámica. Y es que aunque el objetivo de su creación gira en torno a la moneda como objeto de valor intercambiable, los elementos que acompañan la presentación dejan ver un país que en muchos aspectos se perdió en la memoria del tiempo.
Entre las rarezas que se exhiben están las fotografías de la antigua penitenciaría, cuyo solar ocupa hoy buena parte del edificio. A ellas se suma una panorámica del Parque Central antes de 1892, en la cual es posible apreciar el aspecto que tenía el área por aquellas fechas. Eso, entre otras visiones particulares que crean un ambiente eficaz para revestir el contexto en el que el dinero de cada época se movía.
El museo, entonces, es un mapa del progreso de la nación. Entre maquinaria de diversa índole (ya sea para troquelar o para diseñar monedas), obras de arte (pinturas de Alfredo Gálvez Suárez; la escultura del presidente Orellana, de Rafael Rodríguez Padilla: o las recreaciones de Tache Ayala y las alegorías mayas de Mayra Klée), enseres de lujo (como los objetos personales, cuajados en joyas, del presidente Justo Rufino Barrios, entre muchas otras), la visita es un verdadero deleite. También es una buena oportunidad para acercarse al delicado trabajo correspondiente al diseño de papel moneda y otros títulos monetarios, el cual en algún momento se realizó en el extranjero con lujo inigualable. Cabe mencionar el refinado trabajo del tallador de la Casa de la Moneda, Juan Bautista Frener. El museo se localiza en la Plaza Carlos Mérida, en la 7ª avenida 22-01 zona 1 y el sitio desde la Internet es www.banguat.gob.gt.

EVOLUCIÓN… HECHO EN GUATEMALA

2008-08-11T05:00:00.000-07:00

Hace siete años, Ana Silvia Ramírez (directora del Instituto Guatemalteco Americano), invitó a las artistas que conforman este grupo para mostrar al público sus acuarelas. Aquellos trabajos no dejaban de ser académicos en cuanto a la utilización de recursos pero, esto es importante, había algo que las diferenciaba del resto de pintores y pintoras amateur. Tenían conciencia de lo que estaban haciendo y se divisaba una búsqueda responsable hacia otros derroteros que hoy son una realidad bien distinta.

Las Hecho en Guatemala han pasado su carrera sin gozar del favor de críticas bien fundamentadas. Cuando éstas han aparecido fueron revestidas de aspectos furibundos y a veces, hasta misóginos. Esto porque se enfocan en perfiles periféricos -respecto a su rol diario como mujeres- sin abordar, frontalmente, los elementos que componen las obras que producían. De allí surgió el término que Daniel Schafer subrayó positivamente. “Doñitas que pintan”. Como conjunto adquieren fuerza al encontrar eco desde su mayor fortaleza; el género. Es desde esa visión de amas de casa, profesionales y artistas, que han sabido conjugar una producción honesta matizada en la utilización de conocimientos tradicionales y contemporáneos. En su imaginario estético no hay nada hurtado a los magazines de moda creativa. Ellas son quienes son y desde allí proponen con seguridad y una fuerza inusitada.

Evolución. No se me ocurre una mejor palabra para describir el proceso creativo del colectivo femenino Hecho en Guatemala. Su continua avanzada surge de una plena conciencia de adquirir estructuras formativas, aunadas a un conocimiento pleno de pertenencia de una cultura sincrética, muy particular; la chapina. Como autoras, en constante encuentro de lenguajes, es obvio que poseen influencias externas e internas, de otra manera, no funcionarían como sociedad que intercambia ideas. Al mismo tiempo plantean la resolución de las problemáticas técnicas que se les presentan.

Aciertos y propuestas para sus lenguajes. Entre los maestros más visibles por los que han pasado se encuentran grabadores de primer orden como Anacleto Camey, Moisés Barrios y La Torana. Asociación, esta última, con la que guardan la coincidencia de haberse organizado más o menos al mismo tiempo hacia principios de siglo. Por ello, se les quiera reconocer o no, ambos colectivos son protagonistas de las realidades artísticas del país. Cada conjunto, claro está, desde sus particulares circunstancias.

Es así como la obra no sólo es el desglose e inventario de sus propios hogares y ajetreadas vidas. Es parte de un perfil muy bien delineado de ansiedades internas, estéticas y formales. Incertidumbres que incluso provienen de la visión urbana en la que se mueven como madres y esposas que administran sus espacios o el modo como perciben el entorno inmediato sin caer en las incidencias obvias de sus correligionarios. En lo técnico, como siempre, saben hacer uso de las herramientas a su disposición. En pocas palabras, son limpias y pulcras en procedimientos y resultados. Sus Xilografías e intaglios del presente lucen, por lo tanto, como productos acabados desde las perspectivas que se esperan para exponer al público.

Un espacio para la locura

2008-08-04T13:33:00.000-07:00

El teatro es uno de los tantos escenarios expresivos para desarrollar ideas que, en el mundo normal, pueden ser interpretadas como resultado de la locura.
Curioso, porque ese universo de “cordura” es el que nutre la imaginación de los dramaturgos para exponer las demencias observadas desde la realidad. ¿Qué es lo que lleva a un individuo a subirse a una tarima y hacer cosas que no harían otras personas bajo ninguna circunstancia?
Ser actor (o director de teatro), en Guatemala, es parte de una actividad que no necesariamente puede ser considerada como lucrativa. Esto último depende del género que los involucrados decidan seguir y de su público objetivo. Sin despreciar el espectáculo instantáneo de los cafés teatro o a los artistas que lo desarrollan —ya que también poseen sus méritos— es inevitable hacer notar que las propuestas serias escasean en nuestro medio, aunque eso no sea del todo cierto.
Durante más de un cuarto de siglo, me ha tocado trabajar con (y a la par) de talentos que están luchando por hacer realidad sus sueños. En el presente niños, adolescentes y adultos comparten conmigo un difuso firmamento, que ocupa noches completas durante meses, y luego, cuando hay espacios disponibles, los viernes, sábados y domingos. Otro tipo de diversiones quedan en un segundo plano debido a que el show siempre es lo más importante. De la mano viene la necesidad de expresarse.
La semana pasada, especialmente, pude ver —conmovido— el esfuerzo de los elencos de las dos obras que tenemos en escena. Los niños, ya en los escasos descansos o marcajes técnicos, hacían sus deberes escolares mientras luchaban con el sueño. Los adolescentes, entre los que cuento con artistas que simultáneamente trabajan en otras producciones, camuflando su cansancio y proyectando lo mejor de sí mismos, para —lo que parece imposible de creer— reforzar las acciones de nosotros, los agotados adultos. Sumado a eso, la satisfacción de contar con colegas que, con su experiencia, le siguen sumando valores a los productos creativos que le llevamos al público. Ni se diga, lo especial, que tienen que ser padres, esposos y empleadores para entender las largas ausencias de los protagonistas.
Dos obras; no es la primera vez ni la última (el jueves próximo continuamos con los ensayos de una tercera, 1649 (original de Rubén Nájera), más adelante el Tenorio (dirigido por María Teresa Martínez) y después otro proyecto de Mayro de León. Más de 20 actores —lo que sí es una proeza, ya que hay que ser mago para conjugar temperamentos y horarios disímiles— están ya en el escenario con los Cuadros de Humor y Amor al Fresco. Pero mañana, sin demeritar la propuesta que estrenamos el viernes pasado, es que lucimos nuestro platillo principal: Lily Monster y Alicia en el País de las Maravillas. Drama en el que conseguimos crear un espacio especial para el arte, a partir de referentes como la bipolaridad, esquizofrenia y las alucinaciones.

LO QUE EL VIENTO NOS TRAJO

2008-07-28T00:02:00.000-07:00

En 1900 se vivió un cambio de siglo y el nacimiento de una frontera histórica. Juan Carlos Lemus nos regaló, en Revista D del 20 de julio, un artículo en el que evocaba una época que “el viento se llevó”. Tiempo de damas y caballeros, en que la respetabilidad de la palabra era la base de cualquier arreglo.
La visión de Lemus nos llevó de la mano por una Guatemala cultural y familiar, muy diferente a la que se vive en el presente. En la capital de aquel momento, además del Teatro Colón, había espacios dedicados a las artes escénicas y, desde 1895, ya se veía cine esporádicamente. Los hermanos Lumiere habían patentado su invento apenas seis meses antes. El país no solo estaba a la moda sino había un incipiente semillero que auguraba un futuro halagüeño.
En lo visual, varios jóvenes daban sus primeros pasos en la consolidación de sus carreras. Entre ellos destacan nombres de Autores como Julio Dubois, Agustín Iriarte, Ernesto Bravo, José Cayetano Morales, Domingo Penedo o Enrique Acuña Orantes. Todos ellos relacionados con el traslape de siglos y, lo más importante, formados durante el temporal empuje que el presidente Reyna Barrios le dio a las Bellas Artes entre (1892 y 1898).
Fue en el desaparecido convento de San Francisco, bajo la tutoría de Santiago González, en donde algunos de ellos se interrelacionaron con autores aún más jóvenes, que serían la base de lo que se desarrolló en el siglo XX. Entre ellos nombres vitales como Carlos Valenti, Rafael Yela Günther, Hernán Martínez Sobral y Rafael Rodríguez Padilla (estos dos últimos, fundadores de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en 1920). Todos, más tarde o más temprano, continuaron su formación en Europa. Carlos Mérida, se sumaría a la lista a finales de aquella primera década. El resto es historia, saltemos cien años.
La tendencia indica que las fechas más simbólicas cierran y abren círculos. Y éstos, ya sea por la carga psicológica que conllevan, tienden a parecerse, y brindar resultados similares. Si nos vamos al cine, es posible apreciar que ahora existe una industria naciente que da sus pasos con fuerza, y que promete convertirse en algo grande. Los escritores pasan por buenos momentos, y algunas editoriales nacionales (e internacionales) mercadean sus escritos con relativo éxito. Músicos, actores y bailarines también se desarrollan dentro de procesos aceptables, y algunos, inclusive, poseen carreras notorias en el extranjero. En las artes visuales del siglo XXI el fenómeno no se queda atrás.
Y acá regresamos al trabajo de Juan Carlos Lemus, y su visión para pronosticar que en el futuro se podrá narrar que en la 7a. avenida y 12 calle, en el 2008, era posible encontrarse saludándose de una manzana a la otra a un pintor llamado José Andrino con el escritor Eduardo Halfon. Al mismo tiempo, en la esquina, ver al músico Andrés Castaño comprar un “shuco” mientras comenta su reciente producción con la actriz Estephanie Zimeri (“la chica de las botas”). Eso, sin mencionar las posibilidades de intercambio generacional con autores más viejos.

Relecturas en la XVI Bienal

2008-07-21T15:38:00.000-07:00

Entre las actividades complementarias de la XVI Bienal de Arte Paiz, en Artecentro, se presentó al público las “relecturas” de trabajos específicos de cinco artistas relevantes en la historia del arte de Guatemala.
A diferencia de pasadas ediciones, el propósito de los curadores fue tomar distancia de los análisis tradicionales para enfocar la atención en aspectos poco resaltados en la producción de esos mencionados artistas. De este modo se llevó al público trabajos de Carlos Mérida, Roberto González Goyri, Wilfreda López Flores, Francisco Auyón y Luis Díaz (el único creador vivo de la lista).
Con Carlos Mérida y Roberto González Goyri la finalidad fue la de acercarse a la capacidad de diseño y abstracción de imágenes que ambos autores ejercían en su trabajo. En el caso de Mérida fue el Museo Nacional de Arte Moderno, que lleva su nombre, quien prestó dos originales y una parte de su colección gráfica. Los óleos La India (1926) y la Ofrenda de Maíz (1928) se suman a una selección de trabajos tomados por Rosina Cazali de carpetas gráficas impresas en diferentes momentos. Son Estampas del Popol Vuh, Trajes Regionales Mejicanos, Trajes Indígenas de Guatemala y Danzas de México, además de varios diseños para carteritas u otros medios, y el anteproyecto de uno de sus murales —Caperucita Roja— en la ciudad mexicana.
Con González Goyri se comentó su mural del IGSS, Nacionalidad Guatemalteca, del cual se extrajeron detalles para resaltar sus encuentros plásticos, ya sintetizados en aquel momento, en formas específicas que se le reconocen como propias.
Wilfreda López representa una verdadera rareza en esta selección ya que nunca gozó, en vida, del prestigio de los otros elegidos. Su formación la realizó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas a principios de los años cincuenta, y por eso alcanzó a entender herramientas formales que supo matizar desde una intuitiva forma de ver su universo inmediato. Dos de sus principales maestros fueron Enrique de León Cabrera (diseñador e ilustrador, además de paisajista y retratista, cuya obra aparece en billetes de cinco y 10 quetzales) y el mexicano Arturo García Bustos, quien se hizo cargo del taller de grabado de la ENAP. Todos sus compañeros de taller fueron tratados con indiferencia por sus simpatías con los ideales del presidente Jacobo Árbenz. López, con gráfica fresca e inspiradora, pasó desapercibida por muchos años hasta que no hace mucho se empezaron a interesar en su producción curadores y periodistas jóvenes.
Con Auyón el ejercicio fue resaltar algunos aportes específicos que repuntan dentro de su producción cercana a la Bienal. Mismos que se centraron en instalaciones y pinturas sobre formatos convencionales. Entre ellos se recreó la obra El que esté libre de pecado que tire la primera piedra, que lleva a pensar en la pieza de Luis Díaz, cuya ubicación fue el Paraninfo Universitario. La reflexión y conexión de ambas es obligatoria. Guarda una relación directa con lo fuerte que puede llegar a ser la intención lapidaria en Guatemala. Tanto en la acción del ataque con las piedras o en el modo en que se utiliza la palabra como medio para hacerlo. Luis Díaz, conviene recordarlo, fue uno de los primeros artistas que ya en los años de 1960 exploró estos medios, que en aquel entonces eran considerados como alternativos.

UNIVERSIDAD DE TÚN

2008-07-14T15:32:00.000-07:00

De nuevo la obra de Francisco Tún despierta expectación. Conocida por el carácter único que la reviste, no deja de fascinar a propios y extraños.
El homenaje que Casa Santo Domingo organizó es muy representativo pues tuvo como objetivo, además de exaltar al autor y su labor, dar la bienvenida a una importante pieza al acervo de esa institución. Pintura que desde ya, en su posición institucional, se convertirá en una punta de lanza en el proceso de internacionalización por el que está pasando la creación de este desaparecido artista.
La producción en cuestión es un trabajo de grandes dimensiones, 94 x 245 centímetros, realizada hacia 1973. Ésta, apunté en el catálogo, además de ser una síntesis visual de lo que percibió Tún dentro de la Universidad de San Carlos de Guatemala, es un claro ejemplo de la capacidad expresiva que el artista poseía. De este modo, el mapa pictórico interpreta no solo la actividad en el campus central con simpleza y sagacidad sino que se adentra en narrar historias. Cosa que siempre fue característica en él. Esa pintura percibe, incluso, a estudiantes flotantes que asisten a la universidad para perder el tiempo.
La pieza, que en el catálogo aparece como “título desconocido”, ha sido nombrada tradicionalmente como “La Universidad”. Sin embargo, la misma pertenece a un lapso en el que el propio autor, Edith Recourat o sus marchantes anotaban en el reverso de sus trabajos el nombre de esas piezas. Ésta no posee ninguna identificación que permita afirmar fehacientemente que éste sea su nombre. La pintura es compañera de otra de iguales dimensiones, cuyo nombre es La que los acompaña, que trata sobre la problemática de la guerrilla y la población indígena. En la muestra reaparecen obras como La Aldea, que en el catálogo también se apuntó como sin nombre, junto a otros acrílicos significativos de la década de los años de 1970.
En un primer momento se pensó que las obras de Tún cabían dentro de la rica escuela popular del país. Lo anecdótico, la simplicidad de las formas contenidas dentro de amplios espacios abiertos —a pesar de ser éstos completamente antagónicos a la generalidad de la pintura popular— aunado a retratos de costumbres, validaban esa idea. La necesidad, políticamente correcta de centrar a un autor esencialmente indígena, pero ladinizado, inmerso en la dinámica citadina le sumó a su fama de artífice popular el agregado de urbano. A ello hay que sumar que Tún estaba sintetizando sus vivencias dentro del área marginal La Limonada, Cerrito del Carmen, la Penitenciaría o la provincia (Chimaltenango y Panajachel, entre otras) legando retratos reinterpretados de Guatemala.
José Bedia (juarado de la XVI Bienal de Arte Paiz) dijo cuando vio la muestra —antes de ser inaugurada, y coincidiendo con otros autores de trascendencia de todos los tiempos—: “Estamos ante un artista único”. Tún, más que validado por el mercado, los especialistas y la crítica, ha encontrado su lugar indiscutible en la historia de las artes del país.

Carmen

2008-07-07T00:13:00.000-07:00

De entre las múltiples manifestaciones escénicas, probablemente, la ópera clásica sea una de las que menos me llaman la atención. Por eso no suelo acudir a las escasas citas de este tipo que se dan en Guatemala. Pese a lo anotado han pasado los días y no puedo quitarme de la cabeza el espectáculo que presencié en la gran sala del Teatro Nacional, dicho sea de paso, por cumplir el compromiso creado por una amable invitación. Hablo, por supuesto, de Carmen.

De nuevo y como sucedió en el pasado con obras de Poda, me ha tocado escuchar diversidad de opiniones que van de lo adverso y repudio airoso del montaje, a la adoración total e incondicional de la propuesta. Actitud, esta última, a la que me sumo sin restricciones, no sin antes reconocer que soy neófito absoluto en ese campo. Sin embargo, desde mi posición de creador escénico, vi en el montaje valores que deseo compartir con mis lectores para crear otro punto de vista. También he de reconocer que para llegar a esta versión he investigado lo ya publicado y a la vez, consultado con otras fuentes calificadas que me llevaron a reconocer que Carmen fue cualquier cosa menos ópera. Habrá que concluir entonces que el director se apropió de la obra para crear un universo creativo paralelo, el cual coincido con otras opiniones, de carácter “goyesco”.

Un aspecto seguro es que los montajes de Estefano Poda, se salen del común denominador de lo que se ve en nuestros escenarios. Hay que recordar que la gran mayoría de chapines que acuden a estas citas no pueden viajar a Nueva York, Praga, Berlín o China para hacer comparaciones. Sólo puedo anotar que el trabajo contó con artistas nacionales de diversas ramas aportando lo mejor de sus talentos y esfuerzos. Es indudable que organizar un abanico tan amplio de capacidades, egos y protagonismos, necesitan un director muy especial. Más si se toma en cuenta el escaso tiempo que hay para reclutar artistas y ejecutar, con éxito, una producción de ese tamaño. Éste es uno de los puntos más fuertes de Carmen: la experiencia de pertenecer y, segundo, la de presenciar una propuesta de tal dimensión.

Visual, estética y un tanto neoclásica (en cuanto al tratamiento de sus desnudos). También posmoderna por la concepción de movimientos, el atrevimiento de su escenografía, la oscuridad de los personajes o el repetitivo patrón coreográfico… Quedan en mi memoria las apariciones de Cecilia Dougerthy quien, con la prestancia necesaria, se lució a la par de las figuras internacionales. Su aparición remarcó la posición que tiene la danza en los trabajos de Poda y el concepto propuesto de movimiento desde la visión de migración perenne de una humanidad errante. También fue notoria, entre otras apariciones, la brillante participación de Karen Rademann.
Áreas, duetos, armonías, melodías, coros, coreografías, acompañamientos musicales y otros detalles, son un enorme trabajo que hay que reconocerles a los artistas y al director por los alcances con los que coronaron el play… Habrá que esperar al año entrante para ver qué propone Poda y cómo supera lo alcanzado en este 2008.

El Principito

2008-06-30T00:00:00.000-07:00

Siempre he pensado que “El Principito” es literatura para adultos y no para chicos. Esto porque Antoine de Saint-Exupery supo traducir pensamientos desde su niño interno, algo muy difícil para cualquier adulto. ¿Fábula o cuento fantástico? La obra induce a quien la lee hacia una reflexión madura respecto a su posición en el mundo y las misiones que posee en él. La filosofía de Saint-Exupery lo incluyó todo. Amor, responsabilidad amistad y más…

Dos sacrílegos: Luis Román y Saúl Borneo, le metieron mano a los celebres textos para crear un libreto, versión chapina, de El Principito. El resultado, apreciable ya que el espectáculo –salvo algunos detallitos extraños como la coreografía final, la desastrosa adaptación de las letras a la música y sus débiles interpretaciones- corre y capta la atención de padres y niños. Público, este último, difícil de atrapar debido a la naturaleza de la obra ¿qué mejor recomendación que la atención de los infantes?

La propuesta de su director luce mágica. Magnificando recursos, Román condujo a su Principito por un universo extraño lleno de personajes coloridos y diversos. Ya en cámaras negras y fluorescentes formas o bien, con estrambóticos vestuarios y buenas actuaciones, el tiempo marcha casi sin sentirlo.

El elenco lo encabeza un primer actor: Alfredo Porras Smith. Este artista, además de poseer una carrera muy visible en la historia de las artes escénicas de Guatemala, es el actual director de la Escuela Nacional de Artes Dramáticas. Su papel de Rey destaca por el caleidoscopio emocional que le imprime.

Dos principitos en el rol principal: Antoine Gely y Luis Pedro Sosa, quien tomará el papel a partir del próximo fin de semana. Ambos tienen en común el haber sido estudiantes egresados de Artestudio Kodaly y poseer una capacidad extraordinaria para desarrollar sus personajes. Aunque un poco creciditos para la idea que uno se hace de este protagónico, la verdad es que no molesta, si no al contrario. En el caso de Gely, a quien vi en las funciones a las que asistí, es interesante notar como los niños se quedan extasiados al ver a un jovencito desenvolverse con donaire en el escenario.

El resto del elenco: Roberto Arana, Vivian Sánchez, Héctor Mejía, Nelly Castillo y el propio Luis Román, cumplen sus misiones a cabalidad y cada uno con especial encanto. En este sentido se pueden percibir las distintas escuelas a las que pertenecen. Es así como uno a uno van aportando elementos enriquecedores que hacen de cada escena, un entremés interesante. De Mejía hay que subrayar su papel como el “hombre de negocios”.

El resto lo hacen los efectos especiales y una serie de ocurrencias técnicas bien manejadas desde la prolija creatividad del director. Entre ellas hay que listar primero los vestuarios. Para los más convencionales, los contenidos que hacen esta creación literaria memorable, no se ven afectados por la propuesta. Además de provocar cuestionamientos, el espectador se puede llevar una matinal sonrisa a casa.

Juannio 2008

2008-06-23T18:02:00.000-07:00

Cincuenta y nueve creadores seleccionados por un jurado internacional, de un nutrido listado de aspirantes.

El certamen no brindó demasiadas sorpresas porque los protagonistas nacionales que clasificaron como finalistas pertenecen —todos— a un reducido y compacto grupo que van ganando posiciones dentro del gusto de curadores, marchantes, gestores y, por supuesto, coleccionistas. Comentario que está lejos de ser una crítica y que tiene la intención de hacer visible el buen momento por el que pasa el arte joven del país.

El primer lugar del concurso lo alcanzó Benvenuto Chavajay con obra inédita de su ya establecida serie Suave Chapina. Chavajay, además de haber obtenido reconocimientos a nivel nacional, tiene una importante presencia en el área centroamericana. Coincidencia que comparte con Mario Santizo, tercer lugar del certamen de Juannio por su atrevida composición fotográfica Payaso Cirineo. Pieza que incluye contenidos que denotan la existencia de un artista en el ejercicio de una plena conciencia creativa. Norman Gabriel Morales, segundo lugar, es sin duda una figura clave de las artes de principios de siglo XXI. Además de ser coautor de los murales aledaños al Tecún Umán y El Trébol, creó una integración en los históricos muros del Antiguo Palacio de Correos (hoy Centro Cultural Metropolitano). Su capacidad analítica y su aguda visión sintética se manifiesta a partir de obras cuyos contenidos se basan en el peso de la razón sobre la emoción.

Perteneciente a otro tipo de escuela, Arturo Monroy es un artista que logró consolidarse desde la década del noventa. Supo evolucionar hacia los lenguajes conceptuales, con los que formó una carrera siempre en ascenso y una posición visible en muestras curadas por criterios calificados. La obra que se distinguió con mención en Juannio podría entenderse como una escultura. Frijol Negro es, en esencia, una remembranza cultural que toma sentido y peso desde la propia nacionalidad y que busca llegar a una reflexión. A-1 53167, de Aníbal López, también finalista, cabe listarlo por su trabajo, edad e impacto con Monroy. En esta ocasión se inclinó por presentar una fotografía blanco y negro. A pesar de anotar en el catálogo que es autodidacta, al igual que Chavajay, Santizo y Monroy, López fue estudiante de la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla.

Ugo Hernández presentó una obra que pareciera amarrarse con su trabajo exhibido hace poco en el Cantón Exposición de G&T Continental. En este caso, en lugar de retratar meñiques para expresar su idea, se decidió por el retrato de trabajadoras del sexo (transexuales). De este modo y tomando en cuenta sus aportes pasados, se los puede apreciar no desde la perspectiva de rarezas de escaparate, sino como seres humanos dimensionados desde su propia realidad y encantos.

La Suite Madrileña

2008-06-16T09:24:00.000-07:00

A lo ya anotado en las dos últimas semanas habrá que mencionar el nacimiento de la Suite Madrileña. Nombre que acoge dos ideas que surgen y se desarrollan en el taller creativo Franja Fotográfica de Madrid y que se darán a conocer la primera en agosto y la segunda en octubre.

Se trata de una obra de teatro y de una exposición de mi trabajo visual intervenido (y mejorado) por Juan Carlos Melero. Piezas que se suman, de alguna forma, a una serie de compromisos adquiridos entre España y Guatemala.

El ejercicio teatral se estrenará en el Instituto Guatemalteco Americano los martes de agosto, con el nombre de Lilly Monster y Alicia en el País de las Maravillas. Espacio que la institución da a los montajes que considera como experimentales y que yo llamo de búsqueda. Lilly Monster se adentra en las profundidades de una mente irremediablemente deteriorada por la esquizofrenia y la bipolaridad. Los personajes que aparecen en ella son una mezcla tomada de la realidad y su ausencia absoluta. Es quizás por lo señalado —y lo que presencié— que sea una de las obras más oscuras que me ha tocado escribir y dirigir hasta el momento.

La propuesta se une a otro esquech, muy relajado, perteneciente a la ficción, que confeccioné hacia 1996 por encargo. El mismo vio la luz en algunas funciones privadas: Alicia en el País de las Maravillas. Sin embargo, se presta, como anillo al dedo, para hacer un contraste entre lo que yo llamo la demencia patológica y la que tenemos todos los que decimos que no estamos locos. Ambas se enlazan por un brillante monólogo, producto de las investigaciones de casos específicos, cuyo autor es el economista Hugo Maúl.

La que le da el nombre a todo el conjunto es la Suite Madrileña. Ésta consta de una colección de gráfica digital en la que trabajamos (en lo que se convirtieron mis vacaciones más memorables) Juan Carlos Melero y yo. El proceso, por demás revelador, fue apasionante y permitió que, entre charla y creación, pudiéramos planificar el programa educativo ya publicado en este espacio.

No hablaré aquí de las gráficas porque sus consecuencias solo dependen de la manera como las asimile el público. Puedo afirmar, sin embargo, que la génesis de la producción es todo lo contrario de los contenidos que habitan en la obra de teatro. Eso, porque nacen de cimientos más positivos. Aquí hay otro espíritu en color, ritmo y, de la investigación resultante, descubrimientos a los que me indujo Melero y que permitieron reencontrarme con una manifestación que, según yo, había quedado enterrada y olvidada. Si el viaje ya valía la pena, esta experiencia lo marca de manera especial. Las piezas, como corresponde en justicia, están firmadas por los dos.

La finalidad de esta exposición es la de recaudar fondos para que otros artistas emergentes vayan a Europa a formarse. La colección verá la luz en octubre, en la sala del Cantón Exposición de G&T Continental.

GUATEMALA-ESPAÑA Y VICEVERSA

2008-06-09T10:12:00.000-07:00

Tomando como punto de partida los contenidos de la columna publicada la semana pasada, habrá que anotar que, si el tema solo se tratara de una exposición itinerante (DINaCero, en Europa), tanto entusiasmo sería vano.

Los involucrados, se percibe, han dado un paso adelante en el proceso natural de internacionalización a lugares físicos de categoría que no se accede con tanta facilidad. Aquí, entonces, hay intereses que parten de las más puras intenciones filantrópicas hasta acciones de fortalecer el papel interinstitucional de las entidades involucradas en Zaragoza y Guatemala. Ello creando una sistematización sostenible que beneficie a los interesados.

Para lograr lo anotado, la Fundación Goya Fuendetodos, Franja Fotográfica y el Taller Experimental de Gráfica (TEG), entre otras entidades, se están preparando para un intercambio muy positivo, entre las dos naciones. Trabajo en el que no solo hace falta voluntad. Son necesarias muchas alianzas estratégicas para paliar los costos.

¿Intercambio? No solo de obras. El objetivo es formar guatemaltecos en técnicas no convencionales en el campo de la gráfica en Zaragoza y, a cambio, recibir y enseñar a creadores españoles, del mismo nivel, operaciones tradicionales de estampado (que no se conocen por esas latitudes). Esto incluye, además, maestros de reconocida trayectoria que beneficien con sus contenidos a los discípulos de ambos países, amén de otros profesionales como curadores y museógrafos.

El sueño no es nada fácil, pero es viable. Para ello se están creando las bases materiales y económicas para localizar a los responsables de guiar a los pupilos seleccionados. Trabajo que incluye la obtención de pasajes, hospedaje y viáticos de los que viajen a España y los que de allá vuelen para este país. A ello hay que sumar materiales y otros detalles que cada contraparte debe proveer. Asunto en el que ya se están dando los primeros compromisos.

Mario Santizo, en el plan piloto, viajará en breve a España y, más adelante, otros autores jóvenes que ya se están evaluando. Santizo, quien aún no llega al cuarto de siglo, es un artista al que no hay que quitarle la vista de encima por lo que está proponiendo.

En el 2008, se hizo acreedor al tercer lugar de Juannio con una lúcida y lucida obra. En febrero, se adjudicó el Premio Único para Artistas Menores de 25 Años, en la II Bienal del Grabado. Esta beca —por invitación— le fue otorgada por sus méritos y por la impresión que causó en aquellas tierras su obra contenida dentro de la caja Cabal (editada en España con casi todos los artistas fundadores del TEG y varios autores invitados). En este caso concreto, Franja Fotográfica donó su colección Cabal para los fondos del Museo de Gráfica de Zaragoza y se está haciendo cargo de todos los gastos del artista. La Fundación Goya Fuendetodos lo acogerá dentro de sus programas educativos durante agosto.

El compromiso con la persona que le siga será el de encontrar recursos en Guatemala para corresponder al interés que estas entidades le están dispensando a nuestros creadores. ¿Ideas al respecto? Escriban a j.c.melero@telefonica.net (Continúa).

Guatemaltecos en Fuendetodos

2008-06-02T10:16:00.000-07:00

Un viaje que comenzó con intenciones vacacionales terminó en algo educativo y, cómo no, apasionante.

Toda esta historia inició con una visita de cortesía a Juan Carlos Melero, de Franja Fotográfica y co-fundador patrocinador del Taller de Gráfica Experimental de Guatemala. A partir de allí fui inducido a su mundo digital con resultados que me impactaron por la pasión con la que me orientó mi ahora tutor artístico.
En su compañía hice viajes a Zaragoza y de allí a un pequeño poblado, de unas 176 almas, que me deparaba gratas sorpresas: Fuendetodos (cuna de Francisco de Goya y Lucientes), un verdadero epicentro cultural. En la camionetilla del alcalde del lugar, Joaquín Gimeno, llegué a lo que a mi entender se convertirá muy pronto en una de las capitales de las artes. Gimeno, dicho sea de paso, es un verdadero gurú en el progreso de la villa y el mecenazgo artístico que distingue aquella región. Viajó con nosotros otro apasionado grabador y gestor, Francisco Tomás. Personajes que juntos “son dinamita”. No hizo falta mucho tiempo para percibir que, desde aquella localidad, se estaba cociendo algo muy importante de lo cual algunos artistas guatemaltecos ya eran parte.

Tengo que hacer alarde. Me sentí tan satisfecho de encontrarme en una sala de esa categoría —La Sala Zuloaga Fuendetodos— con la muestra D1NaCero Gráfica Digital y que en la misma estuvieran contenidos los trabajos de Fernando Poyón, Plinio Villagrán, Regina de Batres, Mario Santizo y uno de nuestros dibujantes más logrados, Fernando Andrino. Estos dos últimos ya en trámites para viajar becados a ese país y seguir formándose en el campo de la estampa —programa educativo en el cual me extenderé en sucesivas columnas—. A un costado de estos cinco creadores chapines, de los cuales escuché muy buenos comentarios vertidos por expertos españoles, se exhibe la obra de otros 22 autores de la talla de Luis Gordillo, Eva Lootz, José María Sicilia, Roberto González o José Manuel Ballester, todos con carreras consolidadas.

La selección, a cargo de Juan Carlos Melero, no pudo ser más acertada. Los compatriotas participantes, quienes nos representan muy bien, comenzarán un periplo que incluye en España a San Sebastián y Madrid, además de Lisboa, Portugal. Esto, previo a otras sedes que están por confirmarse para el 2009 y el 2010. Así es la magnitud e importancia de la exposición en la que están.

Regina de Batres, de los incluidos en el guión museográfico, es la única que posee una labor que se inicia desde los años sesenta que incluye, además de estampados artesanales, trabajos de resonancia en pintura y escultura. Su labor e historial han sido reconocidos por el National Museum of Women in the Arts (EE. UU.), donde está registrada como relevante dentro de la creación del continente. El otro artista que ya posee una carrera meritoria, en vías de consolidación, es Plinio Villagrán. Su aguerrida temática y su manera de expresarla, le otorgan especial atención a su producción. Los tres artistas restantes, emergentes todos, sin lugar a dudas, están a la altura de las circunstancias... (continuará)

El lector... siempre el lector

2008-05-26T10:27:00.000-07:00

El puente del primero de mayo nos sorprendió a muchos con la guardia abajo. Salir de vacaciones un miércoles para regresar lunes, en pleno mes de mayo, no pasa siempre. Si uno escribe los jueves, puede crear problemas para los más olvidadizos. En este caso, yo.

La cosa es que estaba en plena parranda, el jueves, rodeado de buenos y buenas amigas, cuando ya encaminada la fiesta me acuerdo de la columna y por ende del compromiso que tengo con las personas que me leen. Ni la Donna Summer, que acompañaba la tertulia a todo volumen, ni las muchachas de mis tiempos, que bailaban con el frenesí correspondiente a sus bien ganados cuarenta y tantos años, lograron disuadirme de salir corriendo en busca de mi computadora para cumplir con el compromiso adquirido el siglo pasado, en 1996. Nunca he dejado de escribirla, y las veces que no salió en tiempo fue, o por la Guerra de Irak, o porque algo muy preponderante se atravesó en el camino de nuestra historia inmediata y requirió del espacio de cultura -no el del fútbol, por supuesto- para dejar el registro correspondiente.

Mis comparsas me preguntaron qué pasaría si el cinco de mayo no salía la publicación, la estábamos pasando tan bien. Durante el minuto que acaricié la idea, lo primero que pensé fue una especie de pánico. Escribir en un medio de comunicación es una relación de intercambio con el lector. Es, en otras palabras, mucho más que unas simples frases organizadas de modos predeterminados. Sean documentales o personales (como en esta ocasión), estos escritos son una forma de compartir ideas con personas que uno va conociendo poco a poco. Definitivamente era imposible.

El lector, siempre el lector. Él, con su lectura, hace que se cumpla la misión de quienes escribimos. Siempre, al menos en mi caso, hay una respuesta. Es a partir de lo que anoto para Tres puntos... (u otros espacios) que puedo acceder a más y nueva información que compartir. Es gratificante ser abordado y enterarme de que leyeron tal o cual noticia y que les interesa hacerme llegar determinada información sobre x, y o z artista del cual casi no hay datos. No siempre salgo bien librado. Ya sea en la calle o por el correo electrónico, he conocido a gente muy interesante. El primer nombre que me viene a la memoria es el del activista social Josué Canú, solo para citar una firma que me comenta mis columnas de manera asidua.

No me imaginaba que, en mi correspondencia electrónica de ese lunes cinco, recibiría la noticia del deceso de la Revista Recrearte y con él la desaparición de mis En trescientas palabras. El sentimiento de pérdida que tengo es enorme. El público que la acogía era tan diverso como el que me lee en Prensa Libre.

En fin, valga este ejercicio para reforzar el compromiso de que, mientras tenga cabeza, Tres puntos... siga cumpliendo con su misión.

Fundación Mario Monteforte

2008-05-19T10:30:00.000-07:00

En los últimos años me han llegado a las manos una serie de aportes de diversa índole. Muchos de ellos provienen de la Fundación Mario Monteforte Toledo.

Libros, DVD y otra serie de registros se suman al esfuerzo que la iniciativa privada y sus alianzas estratégicas, están realizando para exaltar, promover y rescatar la cultura artística nacional. Coaliciones que, del lado oficial, pocas veces resultan por los protagonismos politiqueros de los funcionarios a cargo.

Investigando un poco su origen me topé con una historia por demás esclarecedora. Los primeros pasos de la institución estuvieron marcados por un Premio Nacional de Literatura que le entregaron, en 1993, al propio Mario Monteforte Toledo. La suma, desproporcionada y ridícula (si se toma en cuenta que se estaba exaltando a figura preponderante del país), fue a su vez donada por el vital protagonista para estimular a autores que empezaran a dar sus primeros pasos en el campo de la novela.

Más adelante (1997), diez personas se reunieron para crear la Fundación Mario Monteforte Toledo: Efraín Recinos, Marco Augusto Quiroa, Manolo Gallardo, William Lemus, Alfredo Balsells Tojo, José Ruben Zamora, Martha Regina de Fahsen, Elmar René Rojas, José Toledo (quien preside y es el eje central de toda la actividad que desarrolla la Fundación) y el propio Monteforte. El objetivo fue el de establecer, una vez al año, el Premio de Novela en Guatemala. Decisión que se ha cumplido a cabalidad gracias a la donación de obras que artistas visuales han hecho para recaudar los cincuenta mil quetzales del premio.

A ellos se sumaría SOROS. Desde 2002, el reto sería más ambicioso y el certamen pasaría a tener carácter centroamericano.

El mismo año y de la mano, llegó el cine con Donde Acaban los Caminos. Este filme no solo contó con mucha atención a nivel nacional sino que nos dio trabajo a todos los artistas escénicos disponibles (ya en roles principales o de relleno). En todo caso la experiencia sirvió para unirse a otras voluntades y demostrar que el género y sus patrocinadores, estaban aportando un nuevo escenario para la expresión nacional. Junto a lo dicho han recuperado otro tipo de documentación, de corte documental, la cual ha sido pasada a formatos de DVD y posee la intención de educar a partir de seleccionadas producciones.

Entre los libros sobresalen los dedicados a artistas de primer orden como Marco Augusto Quiroa / Ayer y Hoy; Difusores Acústicos de Efraín Recinos (que ya va por su segunda edición); El Juego de Hacer Dibujos – pintura infantil de Efraín Recinos y el más reciente el Libro de Manolo Gallardo. Trabajos producidos con gran lujo y con textos bajo el cuidado de reputados analistas. Todo ello amén de los vitales apoyos a otras entidades independientes.

En el Instituto Guatemalteco Americano esta semana, la Fundación presentará dentro de la exposición que IGA organizó en honor a Daniel Schafer, la película DS. Además hay otras producciones de esta índole que ya están en proceso.

Magda Eunice Sánchez

2008-05-12T10:34:00.000-07:00

A penas hace unas semanas todo parecía estar sin mayores novedades. El primer síntoma fue en público: se desmayó en una exposición. El comentario en aquel momento fue que el evento le había sucedido con tanta gracia que se parecía, en lo etéreo de la caída, a una de sus propias pinturas. Nadie podía imaginar que aquello no era más que un síntoma de una terrible enfermedad terminal.

Hasta hace a penas unas semanas la artista lucía llena de planes y de vida. Incluso expuso una colección más que interesante en enero. Ella y sus últimos trabajos estaban resplandecientes. A estas alturas no sabemos si Magda ya sabía lo avanzada que estaba su enfermedad o si simplemente quiso ignorarla para seguir adelante hasta que el cuerpo aguantara. Toda conjetura cabe dentro de lo posible.

Con Magda Eunice Sánchez se perdió a una de las figuras femeninas con más presencia y constancia en la historia de las artes de Guatemala. Sus primeras apariciones en el escenario visual guatemalteco se remontan a los años sesenta cuando, siendo una estudiante de arquitectura, comenzó a hacer algunas ilustraciones y dibujos muy sueltos. Ella siempre dijo que lo que le gustaba era pintar por el gusto de hacerlo y no por nada más. En este sentido siempre le fue fiel a su lema y no se dejó influenciar por las corrientes político/sociales que investigaban sus condiscípulos de la generación del sesenta ni por las conceptuales de los artistas alrededor de la Galería DS.

Con esas herramientas y con determinación consiguió, por méritos propios, estar incluida entre un grupo muy cerrado de hombres, en la exposición de apertura de la galería Vértebra. A partir de aquel momento siempre estuvo considerada como singular entre el selecto listado de varones que conformaron la cúpula creativa del arte del siglo XX. Incluido en este pequeño grupo su propio tío Dagoberto Vásquez Castañeda que, como es lógico, debe ser considerado una de sus referencias inmediatas. Sin embargo, hay que subrayar que, aunque ambos coincidían en algunas temáticas, tenían formas opuestas de expresarlas.

Su tópico principal, aunque no exclusivo, fue la mujer. A ésta la exaltó hasta el límite remarcando su sensualidad estética con una poesía especial, única y evocadora. Sus obras anteriores y recientes no dejaron nunca de ser autorretratos que señalaban aspectos introspectivos. De allí que sus gatos jueguen ese doble papel entre feminoide y enigmático. De la vitalidad equina se concentró en hacer visible la gracia e ímpetu del garañón pero entregándole un halo femenino propio. Manchas, dedazos, corrompían lo límpido del soporte para otorgar otra fuerza antagonista a esos modelos provocativos. Su acuarela, lo mismo que otros pigmentos, tomaron características “magdianas” que sólo a ella le funcionaron y que alcanzó a llevar al campo de la escultura con una nueva realidad.

Su muerte, temprana ya que estaba en plena producción, sorprende y enluta de nuevo al sector cultural artístico del país… Descansa en paz, querida Magda. Te vamos a extrañar siempre. Adiós.

Mario Hernández (+2008)

2008-05-11T15:07:00.000-07:00

Este artista falleció el pasado miércoles a eso de las seis de la tarde. Su trayectoria, que no es pequeña, está mal registrada y por lo mismo se hace difícil reseñarla (trabajo que, por justicia, habrá que realizar con detenimiento en el futuro). Mario Hernández jugó un papel de primer orden junto a artistas como Julia Vela, Ingrid Álvarez, Fernando Navichoque, Rolando Zúñiga, Lucía Armas y Rolando Calvillo, entre otros, en el Ballet Folklórico y Moderno de Guatemala.

Su educación la realizó entre la Escuela Nacional de Danza de Guatemala y el Ballet Moderno de Costa Rica. En Nueva York (EE.UU) también obtendría más conocimiento en el Merce Couninngham Dance Fundation. Sin embargo, hay que anotar que como hombre del escenario fue muy completo ya que, además de bailar, cantaba y actuaba con prestancia.

A Guatemala la representó, a la par de otros destacados bailarines, en distintas representaciones tanto en el continente americano como el europeo. Probablemente llegó también a otras latitudes, pero no tengo documentos de los que echar mano para poder afirmar tal cosa. Su método de enseñanza se basó siempre en el respeto de los recursos formales y las herramientas que estos le brindaban para lograr una creación coherente, siempre casada en lo estético y la figura humana.

En el teatro, más recientemente, Mario Hernández se encargó de coreografías para distintos musicales con varias entidades particulares. Yo lo conocí porque me dirigió en múltiples ocasiones en las producciones de Artestudio Kodaly y, más adelante, tuve el privilegio de compartir como colegas cuando realizamos Mary Poppins. Por sus cualidades humanas, su espíritu solidario y festivo, los que conocimos a Mario lo vamos a extrañar. Descansa en paz, querido amigo.

II Salón Nacional de Grabado
La semana pasada, luego de escribir unas sentidas líneas por el deceso de Josefina Alonso de Rodríguez, realicé un listado de actividades recomendables para su visita. Entre ellas destaqué dos exposiciones relacionadas a las técnicas de grabado. La que está en el Museo Nacional de Arte Moderno, que posee la característica de ser certamen bienal, se inauguró el martes de la semana pasada ante un número incalculable de público. Así de exagerado como suena.

De unas ciento veinticinco piezas participantes, se seleccionaron ochenta. Los primeros lugares los alcanzaron dos de los integrantes del grupo La Torana: Marlov Barrios y Josué Romero, respectivamente. El premio al artista menor de veinticinco años lo obtuvo Mario Santizo. La coincidencia es que los tres pertenecen al Taller Experimental de Gráfica que, hoy por hoy, reune a varios de los artistas más representativos del arte nacional joven del siglo XXI. Por lo mismo, no es de extrañar que alcanzaran tal privilegio.

A parte de estos y los artistas cercanos a su círculo, también se pudo apreciar la inclusión de otros trabajos cuyos marcos conceptuales se alejan del quehacer usual de esos autores. Entre ellos hay que listar la obra de Olga Arriola de Geng... (Continúa).

Alfredo García

2008-05-05T10:41:00.000-07:00

El trabajo de este autor sobresale en las artes visuales realizadas en occidente, y su pintura es una de las que mejor representa la evolución del paisajismo nacional. Lejos desde hace mucho de las expresiones académicas, Alfredo García ha sabido encontrar en las comunidades que rodean a la ciudad de Quetzaltenango y de otras localidades del área, un referente inagotable.
De entre los valores que destacan en la producción de García, sobresale la capacidad de síntesis con la que refleja los asentamientos rural/urbanos que atraen su curiosidad. En la interpretación de añejas arquitecturas ejerce el control absoluto del creador para otorgarles nuevas lecturas y un misterio particular. No es un registrador que transcribe. Es un artífice que, si bien confiere importancia a ciertos elementos de la realidad, los reviste de una nueva categoría que justifica su presencia y existencia en el espacio.

Las montañas, señas topográficas definitorias de la geografía del país y de los departamentos en que focaliza su atención, se transforman en escenarios sinuosos que parecieran no tener fin. En ellos no hay ningún ser viviente, ni animal o vegetal. Un plano se sobrepone a otro y así, las dimensiones se pierden hacia un infinito agradablemente silencioso y grato. Serenidad, orden, composición… un mundo ideal que luce desierto e inhabitado, pero anhelable en toda su paz organizativa. Su universo, entonces, en lugar de lucir marchito se regenera a partir de la homeostasis oferente. Trabajo que pareciera testigo imperecedero de alguna civilización que lo habitó (o que, quizás pronto lo hará).

Cuando no son paisajes con elementos urbanos, es el lago de Atitlán y junto a algunas herramientas humanas que intervienen la semblanza del entorno. Barcazas, muelles y lazos se pierden fundidos en un agua cristalina perteneciente a otro mundo de una galaxia no tan contaminada por el progreso del hombre. Su iconografía la complementan cacharros, ventanas, escaleras y mueblería popular redimensionados como objetos preciosos, de incalculable valor, superpuestos en la composición original sin respeto a sus tamaños reales. De esta manera propone pinturas, dentro de otras pinturas y de paso, juega con la percepción espacial del observador. Acá corrompe las reglas y promulga nuevas leyes que, en su creación, funcionan.

En sus cuadros son factibles metáforas imposibles como, por ejemplo, escuchar el silencio. Sensación que, en todos los casos, se alimenta con siempre renovada vitalidad de un valor característico de García: su depurada y sutilísima paleta. A diferencia de sus compañeros de generación y la expresión de la bien establecida escuela quezalteca, Alfredo García dirigió su atención hacia lo sutil en la aplicación del pigmento. No es que se haya olvidado del color, al contrario, en aquella región la gama es avasallante. Lo que pasa es que en su entendimiento del oficio, lo materializa como conocedor indiscutible de la técnica. Son óleos que, matizados desde la perspectiva del pintor, se convierten en poesía… Este autor fue honrado como el artista del año 2008 por los personeros de la Fundación Rozas Botrán.

Luis Díaz en persona

2008-04-28T10:44:00.000-07:00

Desde hace algunos meses tengo en mis manos un ejemplar dedicado de El Gukumatz en Persona (nombre que hace referencia a una de sus piezas más conocidas por haber destacado y ganado premio en la Bienal de Sao Paulo en 1971). Esta compilación construida a partir de textos relacionados con la producción artista de Luis Díaz, contiene varios elementos históricos que le confieren una categoría especial como libro de consulta y lo convierte en una verdadera rareza en el medio.
Tal y como es la personalidad de Luis Díaz, no escuchó consejos de nadie y editó el tratado a su manera, sin diseñadores. Entonces ¿qué es lo primero que destaca en el trabajo? El perfil del artista. El compendio, que pudo haber resultado más un cuaderno de recortes armado a rajatabla, se destaca porque realmente no se parece a ninguno otro en circulación y el resultado visual fue más que efectivo. Cálido, por la sencillez de su estructura y fácil de utilizar, por la manera meticulosa en la que sus contenidos fueron sumados uno a uno.

Invitaciones, comentarios en catálogos, crónicas, entrevistas y críticas de prensa, van sumando información a partir de 1964. Una sólida historia continuada en la que se adiciona el registro de proyectos concretos como integraciones a edificios, diseño de muebles y casas, pinturas, murales y otras propuestas de carácter conceptual que se adelantan con mucho a varias de las del presente (ello, dando por descontado la sustancia que las acompaña).

El universo de Luis Díaz es, entonces, su producción y con ella los cuarenta y tantos años de experiencias narrados en trescientas cincuenta páginas. Otro aspecto interesante del recorrido es que está escrito realmente por infinidad de autores quienes, desde sus propias perspectivas y realidades, desentrañan la naturaleza creativa del aludido. Luz Méndez de la Vega, Edith Recourat, Manuel José Arce, Marta Traba, Alfredo Chamier, Tasso Hadjidodou, Miguel Flores Castellanos, Irma Flaquer, Juan B. Juárez, Dina García de Deman, María Eugenia Gordillo, Mario Monteforte Toledo e Irma Lorenzana de Luján, para citar algunos cuantos profesionales, son parte de las firmas que con sus análisis respaldan el trabajo.

Danny Schafer decía que los seres humanos somos el producto de la educación recibida entremezclada con la dinámica de nuestras relaciones interpersonales. El valor añadido de este trabajo es precisamente que, junto con lo que el artista ha producido, van incluidos una serie de comentarios sobre otros artistas y personalidades del medio cultural de Guatemala de todos los tiempos. Esto permite situarlo en un escenario más amplio y al mismo tiempo hacer visibles a otros artistas que, por distintas razones, no son perceptibles por la falta de libros disponibles que narren completa la historia del arte contemporáneo de Guatemala.

Por lo anotado y como ya dije al principio del presente artículo, este libro es una fuente indispensable de consulta. Sus contenidos podrían ahorrar horas de trabajo de hemeroteca.

dgmonsanto@hispavista.com

El Áttico y veinte aniversario

2008-04-21T10:47:00.000-07:00

Como quien dice nada ya han pasado dos décadas desde que Luis Escobar y mi persona inauguramos El Áttico. Yo no tenía cumplidos los veinticinco y él estaba en sus veintisiete. Uno Maestro de Educación Especial y el otro Abogado y Notario.

¿Quién se lo iba a imaginar? Del estudio de mercado que realizamos por aquellas fechas seguimos todos los consejos excepto uno. Entre los primeros estaba la locación, el complementar la actividad con la venta de antigüedades y ponerle al nombre elegido con la “t” extra (como correspondía a los diseños de marca de aquella época). La indicación que no escuchamos fue la de abrir otro tipo de negocio… El sondeo de factibilidad indicó que lo más que aguantaríamos abiertos era un año. Qué equivocados estaban.

El proceso de evolución nos ha llevado todo este tiempo y continuamos en esa vía sin dormirnos sobre los laureles. De no desarrollarnos a la par de las nuevas tecnologías y los requerimientos de cada época, ya nos hubiéramos quedado en el camino hace rato. Una cosa llevó a la otra y sin darnos cuenta la galería era ya un centro cultural en total convivencia con otras entidades. Hay que decirlo con orgullo; estos convenios –estratégicos para utilizar la jerga del presente- se han fortalecido y desarrollado más allá del frío ámbito de los negocios. Los lazos de amistad han hecho que cada trabajo desarrollado sea un verdadero y grato recuerdo.

En una entrevista reciente, por separado, nos preguntaron ¿qué era lo que más nos llenaba de todo este tiempo? Los dos contestamos lo mismo, sin ponernos de acuerdo: las personas que hemos conocido. Tanto artistas como mortales que aprecian el arte y sumado a ellos, una serie de personajes que transitan alrededor nuestro y que conforman un universo diverso que va desde don Fulgencio (que cobra la basura mes a mes), el octogenario que nos lleva la Prensa Libre, los señores del Agua Salvavidas (que se pelean para subir el tambo de agua a mi oficina para ver los desnudos de Gallardo) o don Sergio López que atiende a nuestros visitantes cuando se nos ocurre hacer un cóctel. Todos son importantes y lo saben.

En el camino conocimos a gente que nos quiso de verdad y que dentro de sus propias complejidades fueron honestos y abiertos. No podremos olvidar nunca a Dagoberto Vásquez y a Anamaría de Maldonado (nuestros padrinos oficiales)… Daniel Schafer, Roberto González Goyri… la calidez de Enrique De León Cabrera, Julio Urruela (a quien conocimos en la casa de nuestro entrañable amigo Luis Álvarez) y hasta Elena Más o Yolanda de Ralda y otra serie de personajes que nos marcaron positivamente. Ni qué hablar de los que están vivos y que hoy son pilares que nos acompañan en el apuntalamiento del sin fin de actividades que conforman nuestra realidad presente.

Veinte años. Asusta pensar en lo rápido que pasan días y da miedo meditar en los otros veinte que nos esperan que, por cierto, ya nos atraparán en la tercera edad. Sin embargo con las energías que poseemos, el amor a lo que hacemos, creemos que nos alcanzarán para eso y más. Este medio es el único del que podemos echar mano para agradecerles a todos su apoyo y compañía… así es que: gracias.

MANUEL CORLETO

2008-04-14T10:50:00.000-07:00

De nuevo y en menos de quince días, me toca escribir otra nota sobre un artista fallecido: Manuel Corleto.

Investigando contenidos sobre su vida y obra encontré un documento proveniente de una conversación entre él y Edward Waters: “Nací en ese lugar –Escuintla- porque mi padre trabajaba para una compañía que encontraba agua y abría pozos. Pasé los primeros siete años de mi vida en lugares completamente áridos y sin agua, porque el trabajo de él era precisamente encontrar el agua. Eso de alguna manera siempre ha marcado mi vida en el sentido de que la primera memoria que tengo es del mar, de la playa, del sol, del calor, del trópico, en fin.” Si se ha de pensar de una manera poética, esa primera evocación fue la última con la que también cerró su ciclo de vida.

Mayro de León me sugirió una idea que me dejó pensativo. Me dijo que su muerte lo definía como un verdadero héroe y que estos eran aquellos que arriesgaban su integridad por salvar otras vidas. Eso fue precisamente lo que Manuel Corleto hizo y más. Le salvó la vida a su hijo y con eso se convirtió en padre dos veces ¿Qué mejor memoria que pensar que nuestro papá nos pueda regalar una segunda oportunidad de vivir y seguir creciendo para ser mejores cada día? El trabajo del hombre, en esta tierra, está constituido precisamente por misiones.

Su carrera creativa estuvo marcada por múltiples inquietudes. Las artes visuales le llevaron tempranamente a la Escuela Nacional de Artes Plásticas (no encontré registros) y a la Universidad Popular. En este último lugar sintió el llamado de las tablas y afianzó, según los pensamientos que él expresaba, su amor por la literatura. El resto lo llevó de la mano a maestros que marcaron su vida teatral para siempre. Entre ellos Manuel José Arce, Hugo Carrillo y el hermano de éste, Raúl Carrillo.

Como dramaturgo se adjudicó cuatro premios en los Juegos Florales de Quetzaltenango entre 1969 y 1972. Hazaña que lo convirtió en “Maestre” de esas contiendas junto con Víctor Hugo Cruz, Rubén Nájera, William Lemus, Julio Díaz Escamilla y Carlos Véliz (de El Salvador) que son los únicos que han conseguido hacerse del premio esa cantidad de ocasiones. Si se toma en cuenta que comenzó a escribir en 1963 y que además de lo ya listado también ganó múltiples certámenes dentro y fuera de las fronteras de Guatemala, se puede colegir su importancia para la historia. Imposible listar su producción en un espacio de esta naturaleza. Entre sus éxitos más recientes cuenta el “Ejercicio de Teatro Continuo” basado en el trama “Indio, Patria y Libertad” de José Martí, realizado a finales del siglo pasado.

Polémico. Amado y odiado. Admirado y envidiado. Manuel Corleto es uno de esos personajes difíciles de olvidar porque marcó, con su estilo personal, a varios artistas que hoy podrían visualizarse como producto de su escuela y tesón. No fue sorprendente ver que en ese último trance hubiera tantas personas acompañando a Patricia Orantes (su viuda) y a sus siete hijos. Descanse en paz.

Manolo Gallardo en el MUNAM

2008-04-07T11:38:00.000-07:00

Desde el 25 de marzo (hasta el día de ayer) se pudo apreciar, en las instalaciones del Museo Nacional de Arte Moderno, la muestra más reciente de Manolo Gallardo. Este hombre corona con la exposición Expresiones el primer medio siglo como artista profesional y refrenda, con la producción, su papel protagónico en la historia del arte del país. En este caso específico, a través del retrato.

Su pintura debe ser entendida como oficio desde el punto de vista técnico y como pasión a partir de la amplitud que le ofrece el estilo desarrollado. Combinaciones que en él pueden tornarse explosivas. Como corresponde a un creador de su generación su formación fue muy sólida y basada en el respeto absoluto de los más altos valores académicos. Premisa que incluye la investigación del tema que le interesa, su registro y algo más… Ese algo más es precisamente lo que lo diferencia y lo señala. Él anota en la invitación que “todo es pintable, aun lo que no existe”. De hecho, de los artistas que dicen haber estudiado en la Real Academia de San Fernando de Madrid, él es el único del que hay registros fehacientes en la propia entidad y resultados a la vista.

La obra de Gallardo es muy variada y debe ser entendida desde múltiples facetas. Ésta, no gusta siempre a todo el mundo porque Manolo suele meterse en temáticas tenebrosas, que por lo general tocan y fuerte. Son muchas las veces que sus cuadros han causado revuelos y desasosiegos. Hay que recordarse, sólo para registrar algunos ejemplos, de Autopsia de Jesús resucitado (entre varias de sus iconografías cristianas), otras tantas pinturas que pertenecen a la serie del terremoto de 1976, el Último bufé y Las tres desgracias que se suma a otros trabajos de valerosa crítica a funcionarios corruptos y cómo no, genocidas y ladrones.

Iglesia, personajes históricos, exaltaciones a la belleza (la mujer es la musa constante en su creación), sujetos mitológicos o históricos. Su referencia siempre está fundamentada y por lo general, focalizada en un entorno inteligible para aquel que posee cierta cultura. En el MUNAM resaltó una nueva generación de modelos femeninos jóvenes en la que se manifestó con pinceladas muy sueltas, expresionistas y ricas en pigmento. Un ejercicio en el que seguramente se divirtió retándose a sí mismo. Tres o cuatro varones cerraron el conjunto y entre ellos destaca el que se robó la atención del público por el énfasis magistral utilizado en su ejecución: se trata del retrato más reciente de Tasso Hadjidodou. La pintura no sólo registra con justicia a este entrañable personaje, sino que denota la capacidad única de este pintor. Dicho sea de paso, Gallardo también es escultor.

El día de la inauguración, la Fundación Monteforte Toledo, le entregó un libro que recopila una buena parte de su legado a Guatemala. El texto principal, escrito por Mario Monteforte. Éste documento está acompañado por comentarios del autor que enriquecen lo visual y permiten un acercamiento más íntimo con el artista.

Tres Puntos... PUBLICACIONES

2008-03-31T11:41:00.000-07:00

En un lapso relativamente breve se han publicado varios documentos relacionados con temas sensibles al arte. El Juego de Hacer Dibujos. Dibujo infantil de Efraín Recinos 1933-1939), La Hija de los Nawales, El Bosque Urbano, guía de árboles de la Ciudad de Guatemala; 01 Art Déco, Guía de Edificios Art Déco de la Ciudad de Guatemala; El Gukumatz en Persona y El Libro de Manolo Gallardo, entre otros. De los dos últimos tengo preparadas reseñas que aparecerán próximamente en este espacio.

La edición del décimo aniversario de la Revista Galería también presentó otro significativo aporte. En este caso enfocado a distintas disciplinas como la danza, música, teatro callejero, que quedaron bajo la responsabilidad de varios profesionales como Sabrina Castillo, Paulo Alvarado, Doryan Bedoya o Léster Godínez, entre otros. Las artes visuales fueron coronadas por un extracto del significativo libro Arte Contemporáneo Occidente – Guatemala (de Josefina Alonso de Rodríguez) y colaboraciones de Estuardo Cuestas Morales, Thelma Castillo, José Mario Maza y mi persona.

La revista adquiere importancia singular ya que, en el tema de las artes visuales, la información sigue siendo dispersa, además de escasa. La panorámica fue matizada desde distintas perspectivas con la intención de que se permitiera abrir sus temas a discusión. Al mismo tiempo de formar criterios, deja registros sobre artistas y las temáticas que les han servido de referente. Siglo XX y XXI se amarran a partir de un corredor histórico que permite trenzar antecedentes para vislumbrar una historia coherente de la evolución de las artes del país. Un estilo lleva de la mano al otro y un artista, salvo contadas excepciones, se forma a la vera del otro.

Desde los extranjeros que vinieron en el siglo XIX y sus discípulos: Agustín Iriarte, Enrique Acuña Orantes y Moncrayón -considerados entre otros como el enlace entre ambos siglos- pasando por creadores ya de la centuria pasada como Rafael Yela, Carlos Mérida, Antonia Matos, los artistas revolucionarios, la generación del sesenta, los imaginarios, hasta los artistas del nuevo milenio -que están configurando una nueva visión de lo contemporáneo- la revista cubre más de cien años de las artes plásticas del país y rinde tributo con ello a tantos protagonistas como una publicación de esta naturaleza puede hacerlo.

En lo gráfico, según se aprecia a simple vista, los editores se encaminaron por la vía de lo inclusivo y por lo mismo, el abanico de posibilidades es abundante, exhaustivo y complementa, con creces, las opiniones de los autores invitados. Entre lo que más resalta está la noción de la existencia de distintos colectivos que operan en la República y cómo estos han hecho destacar la producción de las comunidades a las que pertenecen. La guía de centros y actividades culturales completan el mapa. A ello se suma la visión del arte popular y asociaciones diversas. Para los más neófitos también incluye un glosario que puede servir de guía para entender la terminología global que acompaña el escenario creativo.

José Domingo Beltethón

2008-03-24T11:43:00.000-07:00

Mi última columna (lunes, 10 de marzo) la rematé con una breve alusión acerca del sensible fallecimiento de este estimado amigo y artista.

Embajador del arte cobanero por varios años, murió luego de una penosa enfermedad. De nuevo, debo subrayar, el medio cultural está de luto. Poco más de una semana antes había fallecido otro artista poco más joven, también de aquella comunidad artística: Adalberto Caal.

Beltethón efectuó su formación en México. Primero en el Centro de Investigaciones y Experimentación Plástica y poco después en la célebre Escuela de Pintura y Escultura La Esmeralda. Antes que él estudiaron allí Juan Antonio Franco y Rina Lazo (ambos artistas formados en Guatemala previo a la revolución guatemalteca de 1944).

De su trabajo artístico encontré un acercamiento realizado, seguramente, por Rosario Domínguez (Juannio 1992). En éste expresa que José Domingo Belthetón fundamentaba su “trabajo en la estilización y la geometría. En el campo de la pintura” realizó “expresivas estilizaciones de tecolotes, hasta el grado de convertirlos en símbolos de lo prehispánico, que” contrastó “contra un fondo de cúpulas y cimborrios. Un color azul profundo funde las fragmentaciones del espacio y la disparidad de los elementos en una atmósfera densa que, quizás alude, al proceso fatal de la mezcla de dos culturas. En el campo de la escultura el papel integrador del color lo” asumió “la coherencia del diseño”.

En efecto, la obra en bulto de este autor era una superposición de elementos que sobresalían tanto por su composición como por el misterio que emanaban sus personajes. Rodeado de exuberante flora y fauna. Beltethón se enfocó, en los últimos años en crear formas geométricas alrededor de los búhos que patinaba en frío. El misticismo que estos personajes emanan, aunado a su nocturnidad, proporcionaron elementos que fascinan a sus coleccionistas. Hace algún tiempo, patrocinado por la Fundación G&T Continental y Cementos Progreso, S.A., participó con mucho entusiasmo en la realización de algunas obras en concreto. Una de ellas, creada a partir de varios tecolotes de gran dimensión. Ésta se exhibe permanentemente en los jardines del Hotel Villas Antigua.

En el campo de la gestión fue muy activo. Su labor en la Escuela Regional de Arte Alfredo Gálvez Suárez, apuntalada junto a otros artistas también importantes, se volcó en esfuerzos loables para promover, sostener y socorrer las deficiencias económicas en las que el Ministerio de Cultura mantuvo a la institución casi desde su fundación. Conferenciantes, maestros e invitados de otras comunidades fueron a complementar contenidos, a su llamado, a la cabecera departamental de Alta Verapaz. También fundó, su propia academia.

En el caso de la colectiva itinerante Últimos Diez Años de la Plástica Guatemalteca, demostró una diligencia que atrajo grupos considerables de público. De su mano fuimos de Casa D´ Acuña, en dónde realizamos sanas tertulias. Siempre prudente y poseedor de un don de gentes especial, este hombre va a ser recordado por los que tuvimos el privilegio de compartir con él. Descanse en paz.